ANDY GOLDS­TEIN BUE­NOS AI­RES, AR­GEN­TI­NA

Charlas con Fotógrafos Latinoamericanos - - Giselle Otero / Andy Goldstein - por Gi­se­lle Otero / Fe­bre­ro 2014

Una fo­to es una cons­truc­ción que es­tá mon­ta­da en par­tes igua­les en­tre el cam­po real y el cam­po ima­gi­na­rio. Los co­no­ci­mien­tos, sen­sa­cio­nes, pe­sa­res y ale­grías que uno tie­ne in­flu­yen y fun­cio­nan como un dis­pa­ra­dor de asun­tos que sue­le ser di­fí­cil de ex­pli­car pe­ro que una bue­na fo­to­gra­fía es­tá ex­pre­san­do me­ta­fó­ri­ca­men­te.

Andy na­ció en Bue­nos Ai­res en 1943. Fo­tó­gra­fo pro­fe­sio­nal y ex­per­to en crea­ti­vi­dad y apren­di­za­je, ha im­par­ti­do cur­sos de fo­to­gra­fía y edu­ca­ción ar­tís­ti­ca en la Es­cue­la Pa­na­me­ri­ca­na de Ar­te, la Es­cue­la Jean Pia­get y el Ins­ti­tu­to Re­nard. Fue pro­fe­sor ti­tu­lar de la Cá­te­dra de Fo­to­gra­fía de la Uni­ver­si­dad Na­cio­nal de Río Cuar­to, Cór­do­ba, Ar­gen­ti­na. En 1975 fun­dó la Es­cue­la de Fo­to­gra­fía Crea­ti­va, que di­ri­ge has­ta el día de hoy. Ba­sán­do­se en su ex­pe­rien­cia como pro­fe­sor de la cá­te­dra de Fo­to­gra­fía de la Uni­ver­si­dad de Río Cuar­to, creó y di­se­ñó el cu­rrícu­lo de la Ca­rre­ra de Fo­tó­gra­fo Crea­ti­vo ba­sa­do en las teo­rías de la crea­ti­vi­dad. Creó la Fun­da­ción Andy Golds­tein pa­ra el fo­men­to del ar­te fo­to­grá­fi­co y el apo­yo a los ar­tis­tas jó­ve­nes, la cual fun­cio­nó en Bue­nos Ai­res has­ta 1995. Es miem­bro fun­da­dor del Con­se­jo La­ti­noa­me­ri­cano de Fo­to­gra­fía y del Con­se­jo Ar­gen­tino de Fo­to­gra­fía. Sus fo­to­gra­fías han si­do ex­pues­tas y pu­bli­ca­das en di­ver­sas ga­le­rías y mu­seos de Ar­gen­ti­na, Bra­sil, Chi­le, Co­lom­bia, Cu­ba, El Salvador, Es­pa­ña, Fran­cia, Ita­lia, Mé­xi­co y Sui­za. Las mis­mas for­man par­te de las co­lec­cio­nes per­ma­nen­tes del Mu­seo Na­cio­nal de Be­llas Ar­tes, Ar­gen­ti­na; del Mu­seo de Ar­te Mo­derno de Bue­nos Ai­res; del Mu­seo de la Pa­la­bra y la Ima­gen, San Salvador, El Salvador; de la Bi­blio­te­ca Na­cio­nal de Fran­cia y de la Ga­le­rie du Châ­teau ’Eau, Tou­lou­se, Fran­cia, así como de nu­me­ro­sas co­lec­cio­nes pri­va­das. Des­de 1990 vie­ne desa­rro­llan­do su pro­duc­ción ar­tís­ti­ca en el cam­po de la fo­to­gra­fía di­gi­tal. Du­ran­te los años 2010 y 2011 ha rea­li­za­do en asen­ta­mien­tos de to­da La­ti­noa­mé­ri­ca las 65 fo­to­gra­fías pa­no­rá­mi­cas de su pro­yec­to “Vi­vir en la tie­rra” pu­bli­ca­do por Editorial Ed­ha­sa y Editorial Blu­me en 2012. Es fun­da­dor y co- di­rec­tor del Pro­yec­to Qua­dra Quin­ta so­bre Crea­ti­vi­dad y Apren­di­za­je, aso­cia­ción pro­fe­sio­nal sin fi­nes de lu­cro que In­ves­ti­ga las po­si­bi­li­da­des de la crea­ti­vi­dad en el au­la. Di­ri­gi­do a los do­cen­tes, pro­du­ce do­cu­men­tos teó­ri­cos, ma­te­ria­les di­dác­ti­cos y ac­ti­vi­da­des de for­ma­ción so­bre el desa­rro­llo de­la crea­ti­vi­dad, la lec­tu­ra crí­ti­ca y los me­dios de co­mu­ni­ca­ción. Ha par­ti­ci­pa­do en dis­tin­tas ac­ti­vi­da­des de For­ma­ción del Pro­fe­so­ra­do del Mi­nis­te­rio de Edu­ca­ción de Es­pa­ña.

G.O.: ¿Cuál fue tu pri­mer con­tac­to con la Fo­to­gra­fía?

A.G.: Na­cí en el seno de una fa­mi­lia de óp­ti­cos. Mi abue­lo, mi pa­dre eran óp­ti­cos y mi her­mano con­ti­nuó la tra­di­ción. Mi pa­dre te­nía su ne­go­cio en el ba­rrio de Vi­lla del Par­que don­de ade­más de an­te­ojos se ven­dían artículos de fo­to­gra­fía, cá­ma­ras, ro­llos, etc., al­go muy co­mún en aque­lla épo­ca (años 50’). Des­de muy chi­qui­to yo los acom­pa­ña­ba, pues sen­tía una es­pe­cial fas­ci­na­ción por to­do aque­llo, era mi “di­ver­sión”. En­ton­ces, co­men­cé a ayu­dar te­nien­do ape­nas 10 años. Mi pa­pá, mi­tad en bro­ma, mi­tad en se­rio, me iba asig­nan­do “res­pon­sa­bi­li­da­des” a me­di­da que yo cre­cía: en­car­ga­do de ven­der ro­lli­tos fo­to­grá­fi­cos, en­car­ga­do de car­gar las cá­ma­ras y, fi­nal­men­te, un día mi pa­dre me dio una ta­rea que mar­ca­ría mi vi­da: me nom­bró “el en­car­ga­do de en­se­ñar a los clien­tes a usar las cá­ma­ras”. Se tra­ta­ba de cá­ma­ras muy sen­ci­llas, las “Ko­dak a ca­jón” o las na­cio­na­les “Rex de Lu­jo”, de ba­que­li­ta ne­gra, cu­yo uso era muy sen­ci­llo y só­lo te­nían un par de dia­frag­mas. La ins­truc­ción era “pa­ra sa­car con sol” o “pa­ra sa­car a la som­bra”.

A esa edad él ya se pre­gun­ta­ba de que ma­ne­ra po­día trans­mi­tir me­jor esos co­no­ci­mien­tos li­ga­dos a la fo­to­gra­fía, cla­ra­men­te una fér­til se­mi­lla de su fu­tu­ro como do­cen­te.

En los es­ca­pa­ra­tes de la óp­ti­ca, no só­lo se ex­hi­bían cá­ma­ras ba­ra­tas, sino tam­bién al­gu­nas más so­fis­ti­ca­das y ca­ras pa­ra los es­tán­da­res de una óp­ti­ca de ba­rrio. Cá­ma­ras que nun­ca se ven­dían y que fun­cio­na­ban como una es­pe­cie de se­ñue­lo pa­ra la clien­te­la y que me atraían e in­tri­ga­ban enor­me­men­te. Yo se las pe­día pres­ta­das a mi vie­jo. Es de­cir que, en la prác­ti­ca, te­nía un per­mi­so in­for­mal pa­ra sa­lir a sa­car fo­tos li­bre­men­te. Te­nía una es­pe­cie de “ca­ni­lla li­bre” de cá­ma­ras, ro­lli­tos de fo­tos y re­ve­la­dos. Lo no­ta­ble es que tam­bién te­nía otra “ca­ni­lla li­bre”: fren­te a la óp­ti­ca, en la ca­lle Cuen­ca, en la es­qui­na con Me­lin­cué, fun­cio­na­ba la an­ti­gua li­bre­ría Be­ge­ga, que, ade­más de los pro­duc­tos clá­si­cos de una pa­pe­le­ría de ba­rrio, ven­día li­bros. De­trás de una puer­ta, ca­si es­con­di­dos, se ex­hi­bían (o se ocul­ta­ban, se­gún se mi­re) los li­bros de la co­lec­ción Ro­bin Hood: Ju­lio Ver­ne, Lui­sa M. Al­cott, Emi­lio Sal­ga­ri, Le­wis Ca­roll, Mark Twain, Char­les Dic­kens, etc. Mi vie­jo te­nía un acuer­do con el se­ñor Be­ge­ga, el li­bre­ro. Po­día ir a la li­bre­ría y lle­var­me uno. Esa era la con­di­ción. So­lo uno. Cuan­do ter­mi­na­ba de leer­lo, po­día ir en bus­ca del pró­xi­mo. Be­ge­ga los ano­ta­ba en una li­bre­ta. A fin de mes mi pa­pá po­nía la cuen­ta en ce­ro. Así que en mi in­fan­cia tu­ve dos ma­ra­vi­llo­sas li­ber­ta­des: po­día ha­cer fo­tos cuan­do qui­sie­ra (y que­ría bas­tan­te a me­nu­do) y leer cuan­to qui­sie­ra (afor­tu­na­da­men­te, la te­le­vi­sión aun no ha­bía lle­ga­do a nues­tras pam­pas). Por un la­do los li­bros am­plia­ban mi ima­gi­na­ción y mi fan­ta­sía y con la cá­ma­ra sa­lía a do­cu­men­tar mis va­ga­bun­deos. No tar­dó tam­bién en te­ner una pri­me­ra ex­pe­rien­cia la­bo­ral con el ci­ne: se ha­bía com­pra­do un pro­yec­tor y en­con­tró un tra­ba­jo in­de­pen­dien­te que con­sis­tía en ir a do­mi­ci­lio ex­hi­bien­do pe­lí­cu­las de di­bu­jos ani­ma­dos y de Cha­plin, en­tre otras. Cuen­ta Andy, con una son­ri­sa, que al lle­gar a las ca­sas de sus clien­tes y to­car el tim­bre, se po­día oír el gri­te­río de los chi­cos, lle­gó el ci­ne!! lle­gó el ci­ne!!

G.O.: ¿Có­mo ha si­do re­co­rrer es­te ca­mino?

A.G.: Al prin­ci­pio la fo­to­gra­fía era un jue­go, una aven­tu­ra pla­cen­te­ra y po­co más. Lue­go, po­co a po­co, se fue con­vir­tien­do en mi pro­fe­sión. Des­de lue­go, no fue un pro­ce­so li­neal. Ca­da tan­to al­gu­na cri­sis se atra­ve­sa­ba en mi ca­mino. Mu­chas ve­ces he vi­vi­do la fo­to­gra­fía como una car­ga. No es que de­ja­ra de ha­cer fo­tos, pe­ro me plan­tea­ba: ¿qué ha­go con la fo­to­gra­fía? Una es­pe­cie de re­sis­ten­cia sur­gía den­tro mío, al­go me re­te­nía y la sen­sa­ción era como de te­ner que rom­per una ba­rre­ra in­ter­na pa­ra po­ner­me en mo­vi­mien­to; pe­ro lue­go, una vez que co­men­za­ba a tra­ba­jar, to­do se di­luía, esos fre­nos des­apa­re­cían y vol­vía a dis­fru­tar el mo­men­to: an­dan­do. Y así fui cons­tru­yen­do las ba­ses de mi ca­rre­ra.

G.O.: ¿La do­cen­cia apor­tó otro sen­ti­do a esa bús­que­da?

A.G.: Me im­por­ta­ba so­bre to­do el desa­rro­llo de la crea­ti­vi­dad como pa­tri­mo­nio in­he­ren­te al ser hu­mano, el cual mu­chas ve­ces se en­cuen­tra blo­quea­do, y aquí vuel­vo a mi in­fan­cia va­lo­ran­do la im­por­tan­cia que tu­vie­ron aque­llos per­mi­sos que me da­ba mi pa­dre, lo cual fa­ci­li­tó mi pro­pio desa­rro­llo del pro­ce­so crea­ti­vo. Me re­fie­ro a la im­por­tan­cia de los per­mi­sos que des­de la fa­mi­lia y la es­cue­la se nos da o se nos quita y es­to re­sul­ta cru­cial: no se pue­de ser fo­tó­gra­fo si uno cree que apren­dien­do a ex­po­ner y en­cua­drar co­rrec­ta­men­te ya es­tá. Una fo­to es una cons­truc­ción que es­tá mon­ta­da en par­tes igua­les en­tre el cam­po real y el cam­po ima­gi­na­rio. Los co­no­ci­mien­tos, sen­sa­cio­nes, pe­sa­res y ale­grías que uno tie­ne in­flu­yen y fun­cio­nan como un dis­pa­ra­dor de asun­tos que sue­le ser di­fí­cil de ex­pli­car pe­ro que una bue­na fo­to­gra­fía es­tá ex­pre­san­do me­ta­fó­ri­ca­men­te.

Por to­mar ejem­plos pro­pios, en mi se­rie “La muer­te de la muer­te”(1979), se ven imá­ge­nes bo­rro­sas de muer­tos sin nom­bre en ce­men­te­rios de la pro­vin­cia de Bue­nos Ai­res y que reali­cé en un mo­men­to en el que no sa­bía en for­ma cons­cien­te la co­ne­xión tan gran­de que ha­bía en­tre los ce­men­te­rios y el pro­ce­so mi­li­tar de aque­llos años. Acom­pa­ñé la se­rie con una ci­ta de Wal­ter Ben­ja­min que in­clu­ye li­te­ral­men­te la pa­la­bra ”des­apa­re­ci­dos”. Pa­la­bra que no te­nía las si­nies­tras re­so­nan­cias que tie­ne en la ac­tua­li­dad.

G.O.: ¿Creés que to­do es­to par­te de una em­pa­tía que sur­ge en re­la­ción al en­torno?

A.G.: Si, tal cual. Es­tá “la­ten­te” y “lo re­ve­la­mos”. Lo que uno por­ta no es de uno so­lo, es de nues­tra fa­mi­lia, de la so­cie­dad, de la épo­ca en la que na­ci­mos y cre­ci­mos, esa im­pron­ta es­tá y a tra­vés de la fo­to­gra­fía po­de­mos vol­ver­la vi­si­ble. Cuan­do esa em­pa­tía exis­te, es sentida por el ar­tis­ta y que­da plas­ma­da en la obra en for­ma de me­tá­fo­ra vi­sual. Y aunque no lo po­da­mos ex­pli­car, esa em­pa­tía se trans­fie­re al es­pec­ta­dor irre­me­dia­ble­men­te.

G.O.: Res­pec­to a esas me­tá­fo­ras, ¿en­con­trás re­la­ción con el con­cep­to de au­ra que ex­pre­sa­ba Wal­ter Ben­ja­min?

A.G.: Des­de lue­go que tie­ne que ver, aunque él lo to­ma en un sen­ti­do más es­tric­to. Cuan­do ha­bla de au­ra se re­fie­re par­ti­cu­lar­men­te a los da­gue­rro­ti­pos, imá­ge­nes fo­to­grá­fi­cas que eran téc­ni­ca­men­te irre­pro­du­ci­bles. Eran imá­ge­nes úni­cas y, de­pen­dien­do del án­gu­lo de vi­sión, ves la ima­gen, no muy fuer­te ni mar­ca­da, ca­si sin con­tras­te, pe­ro si la in­cli­nás un po­co se ve en ne­ga­ti­vo y al cam­biar nue­va­men­te el án­gu­lo, po­dés ver­te vos mis­mo re­fle­ja­do por­que es un es­pe­jo de pla­ta. Por eso se de­cía que los da­gue­rro­ti­pos eran “es­pe­jos má­gi­cos”. En ese sen­ti­do el da­gue­rro­ti­po era un ob­je­to de cul­to. Wal­ter Ben­ja­min ha­bla del po­der de cul­to, re­ves­ti­do de un va­lor úni­co e in­con­men­su­ra­ble.

G.O.: ¿Qué opi­nás so­bre el ar­tícu­lo pu­bli­ca­do en el dia­rio bri­tá­ni­co The­Guar­dian, so­bre la muer­te de la fo­to­gra­fía y las cla­si­fi­ca­cio­nes ac­tua­les lla­ma­das in­fo­gra­fía, fo­to ilus­tra­ción y fo­to­gra­fía?

A.G.: Sí te ten­go que ser sin­ce­ro, me tie­ne to­tal­men­te sin cui­da­do, (ri­sas). Cuan­do en la Aca­de­mia de Cien­cias Fran­ce­sa se pre­sen­tó el in­ven­to de la fo­to­gra­fía uno de los pin­to­res que es­ta­ba pre­sen­te, Paul De­la­ro­che en 1839 al ver el pri­mer da­gue­rro­ti­po ex­cla­mó ¡hoy la pin­tu­ra ha muer­to! En­ton­ces, ca­da vez que sur­ge un in­ven­to nue­vo apa­re­ce al­guien que de for­ma dra­má­ti­ca sen­ten­cia es­te ti­po de men­sa­jes, un po­co re­cha­zan­do lo nue­vo. Lo mis­mo su­ce­dió con el sur­gi­mien­to de la fo­to­gra­fía di­gi­tal. Re­cuer­do una carta de un co­no­ci­do fo­tó­gra­fo, pu­bli­ca­da en el dia­rio Cla­rín, afir­man­do tam­bién –a su ma­ne­ra- que la fo­to­gra­fía ha­bía muer­to de­bi­do, en­tre otros mo­ti­vos, a que la ma­ni­pu­la­ción de la ima­gen le res­ta­ba cre­di­bi­li­dad. Pe­ro in­sis­to en que, fran­ca­men­te, no es mi problema. Mu­chas ve­ces se sub­es­ti­ma el uso de cier­tas he­rra­mien­tas, como si la crea­ti­vi­dad su­plie­ra a la téc­ni­ca, pe­ro

ne­ce­si­ta­mos un vehícu­lo pa­ra po­der ex­pre­sar al­go y si no co­no­ce­mos con cier­ta pro­fun­di­dad di­cha téc­ni­ca, es­to se vuel­ve un obs­tácu­lo al mo­men­to de crear. Por otra par­te, no sir­ve de na­da te­ner una téc­ni­ca hí­per so­fis­ti­ca­da, cual­quie­ra que sea, si no sa­bés pa­ra que la vas a usar. Re­co­mien­do al res­pec­to de es­te te­ma “Ar­te y ar­te­sa­nía”, un muy bre­ve y fas­ci­nan­te en­sa­yo de Ro­bert Gra­ves que for­ma par­te de un li­bro ti­tu­la­do: “Los dos nacimientos de Dio­ni­sio”, el cuál ha­bla so­bre el va­lor de la pa­la­bra ar­te, sus orí­ge­nes, el cam­bio y la evo­lu­ción de su sig­ni­fi­ca­do y como se fue de­va­luan­do con el pa­so del tiem­po.

Ca­be des­ta­car que Andy co­men­zó a ex­pe­ri­men­tar con la téc­ni­ca di­gi­tal en el año 1995, con­vir­tién­do­se en uno de los pio­ne­ros en nues­tro país. Po­de­mos ver las in­ter­ven­cio­nes so­bre fo­to­gra­fías en su obra “Ar­bo­res­cen­cias” (un tra­ba­jo so­bre la cruz, el ár­bol y las re­la­cio­nes en­tre hom­bres y mu­je­res), obra que fue ex­pues­ta en 1995 en la Ga­le­rie du Cha­teau d´eau, Tou­lou­se, Fran­cia y en la Fo­to­ga­le­ría del Tea­tro San Mar­tín al año si­guien­te.

G.O.: ¿Como na­ció el pro­yec­to “Gen­te en su ca­sa” y cuál es la re­la­ción con tu úl­ti­mo tra­ba­jo “Vi­vir en la Tie­rra”?

A.G.: En 1984, la cer­ca­nía del 150 aniver­sa­rio de la in­ven­ción de la fo­to­gra­fía fue el dis­pa­ra­dor de es­te tra­ba­jo. In­fluen­cia­do por las lec­tu­ras an­tro­po­ló­gi­cas que me ocu­pa­ban en esos años, tra­té de ima­gi­nar lo que de­bió ha­ber su­pues­to pa­ra la gen­te, en las pri­me­ras épo­cas de la fo­to­gra­fía la po­si­bi­li­dad de ser re­tra­ta­da. To­man­do el con­cep­to de “au­ra” del fi­ló­so­fo Wal­ter Ben­ja­min y la obra del an­tro­pó­lo­go so­cial Er­win Goff­man, co­men­cé a pre­gun­tar­me: ¿De qué mo­do se “pre­sen­ta­rían” hoy las per­so­nas an­te la cá­ma­ra si el fo­tó­gra­fo in­ten­ta­ra no al­te­ra­ra la es­ce­na, o si lo hi­cie­ra en el me­nor gra­do po­si­ble? ¿Cuál se­ría la es­té­ti­ca so­cial, cuá­les las cos­tum­bres que se pon­drían al des­cu­bier­to? ¿Mos­tra­ría ca­da gru­po un pa­trón co­mún? ¿Exis­ti­ría un man­da­to cul­tu­ral es­pe­cí­fi­co que lo lle­va­ra a pre­sen­tar­se an­te la cá­ma­ra de tal o cual for­ma? Pe­ro, ¿có­mo con­se­guir que los mo­de­los asu­mie­ran la im­por­tan­cia que ese ac­to de po­sar ten­dría pa­ra ellos en el fu­tu­ro? La so­lu­ción fue con­ce­bir el tra­ba­jo como un li­bro de fo­tos. De­bía di­se­ñar unas re­glas pa­ra ase­gu­rar­me de que ca­si to­das las de­ci­sio­nes es­tu­vie­ran en ma­nos del mo­de­lo. Yo, por mi par­te, me re­ser­vé la elec­ción del pun­to de vis­ta, lo que me per­mi­ti­ría mos­trar el con­tex­to en el que la per­so­na se pre­sen­ta­ba. La pri­me­ra re­gla fue, por lo tan­to, in­vi­tar­les no a po­sar pa­ra mi, sino “pa­ra un li­bro de fo­tos”; la se­gun­da fue con­cer­tar una “ci­ta pre­via” pa­ra dar tiem­po a los mo­de­los de to­mar con­cien­cia del ac­to fo­to­grá­fi­co y pa­ra que les que­da­ra cla­ro “la im­por­tan­cia” de las de­ci­sio­nes que de­bían to­mar.

Cuan­do ter­mi­né la se­rie “Gen­te en su ca­sa” (1985), Sa­ra Fa­cio me pro­pu­so ex­po­ner­lo en la Fo­to­ga­le­ría del Tea­tro San Mar­tín. Si bien le con­té que no es­ta­ba ter­mi­na­do y que te­nía in­ten­cio­nes de se­guir desa­rro­llán­do­lo, ella in­sis­tió y fi­nal­men­te se ex­pu­so ese mis­mo año sien­do, pa­ra mi sor­pre­sa, un éxi­to de pú­bli­co. En ”Gen­te en su ca­sa” es­ta­ba la se­mi­lla, el dis­pa­ra­dor de lo que lue­go se­ría “Vi­vir en la tie­rra”. Hay en­tre am­bas obras una suer­te de con­ti­nui­dad y la gran di­fe­ren­cia la apor­tó la lle­ga­da de las nue­vas tec­no­lo­gías me per­mi­ti­rían con­tro­lar, como nun­ca an­tes, la pa­le­ta cro­má­ti­ca, las ga­mas to­na­les y los cla­ros­cu­ros. Ori­gi­nal­men­te vi­vir en la tie­rra se iba a lla­mar “Gen­te en su ca­sa II”.

G.O.: ¿A qué se de­be el tí­tu­lo de la obra?

A.G.: Es un jue­go de pa­la­bras, es vi­vir –li­te­ral­men­te- so­bre un pi­so de tie­rra y ade­más es vi­vir en el pla­ne­ta tie­rra.

G.O.: ¿De qué se tra­ta­ba el Con­se­jo Ar­gen­tino de Fo­to­gra­fía?

A.G.: En 1979 jun­to con Ali­cia D’Ami­co, Sa­ra Fa­cio, Eduar­do Co­me­sa­ña, An­nema­rie Hein­rich, Ma­ría Cris­ti­na Ori­ve y Juan Trav­nik fun­da­mos el Con­se­jo con el fin de pro­mo­ver la fo­to­gra­fía crea­ti­va. La in­ten­ción fue, por de­cir­lo co­lo­quial­men­te, re­vol­ver un po­co el avis­pe­ro. Que­ría­mos es­ti­mu­lar otras ma­ne­ras de pen­sar la fo­to­gra­fía. Or­ga­ni­zá­ba­mos mues­tras y otras ac­ti­vi­da­des. La es­tra­te­gia que ha­bía­mos de­ci­di­do usar pre­ten­día ser lo más efi­caz y prác­ti­ca po­si­bles, pa­ra eso op­ta­mos por fun­cio­nar como un gru­po ce­rra­do que pro­po­nía y ge­ne­ra­ba ac­cio­nes. Sim­ple­men­te nos jun­tá­ba­mos a pen­sar y acor­dá­ba­mos nues­tra pró­xi­ma ac­ti­vi­dad, lo­gran­do con­cen­trar nues­tro es­fuer­zo en ac­cio­nes con­cre­tas que eje­cu­tá­ba­mos y pa­sá­ba­mos a la si­guien­te.

G.O.: ¿Cuá­les con­si­de­rás que son las cua­li­da­des que de­fi­nen a un buen fo­tó­gra­fo?

A.G.: A.G.: An­te to­do, ser par­te ac­ti­va de lo que estamos fotografiando, re­nun­cian­do a po­ner­se en un lu­gar su­pe­rior o en una le­ja­nía res­pec­to de lo que mi­ra­mos. Lle­gar a ser, por un ins­tan­te, uno más, uno del gru­po. Des­de lue­go, un fo­tó­gra­fo no de­ja de ser un vo­yeur, una es­pe­cie de Ja­mes Bond con “per­mi­so pa­ra mi­rar”. Só­lo que és­ta de­be ser una mi­ra­da sen­si­ble que se in­vo­lu­cre emo­cio­nal­men­te con la es­ce­na. Que se com­pro­me­ta, que es­té “aden­tro”.

Por otro la­do, exis­te gran can­ti­dad de ex­pe­rien­cias e in­ves­ti­ga­cio­nes, des­de Jung has­ta Guy Clax­ton, que des­cri­ben un ti­po de pen­sa­mien­to len­to ín­ti­ma­men­te aso­cia­do con los pro­ce­sos crea­do­res. Clax­ton es el au­tor de un li­bro que re­co­mien­do fuer­te­men­te: Ce­re­bro de lie­bre, men­te de tor­tu­ga, en el cual mues­tra cla­ra­men­te có­mo co­exis­ten en ca­da in­di­vi­duo una mo­da­li­dad rá­pi­da del pen­sa­mien­to, útil pa­ra las ac­ti­vi­da­des co­ti­dia­nas, y otra mo­da­li­dad, len­ta, li­ga­da a la en­so­ña­ción y a la in­tui­ción, al abu­rri­mien­to (tan in­fra­va­lo­ra­do!), a la dis­con­for­mi­dad, a la rup­tu­ra y a la pá­gi­na en blan­co, que en sín­te­sis, son los mo­to­res del pro­ce­so crea­dor.

G.O.: ¿Un fo­tó­gra­fo y una fo­to­gra­fía?

A.G.: Se­bas­tián Salgado y “La bai­la­ri­na sa­tí­ri­ca” de André Ker­tész-Pa­rís, Fran­cia (1926).

G.O.: ¿Una pe­lí­cu­la?

A.G.: “Puer­ta de li­las” de Re­né Clair (1957).

G.O.: ¿Un Li­bro?

A.G.: “La vi­da ins­truc­cio­nes de uso” de Geor­ges Pe­rec ( Tí­tu­lo ori­gi­nal: La vie mo­ded’em­ploi - 1978).

G.O.: ¿Dón­de po­de­mos ver tus fo­to­gra­fías Andy?

A.G.: www.andy­golds­tein.es.-

Gi­se­lle Otero es de La­nús Oes­te, Pcia. Bue­nos Ai­res Co­men­zó a es­tu­diar Fo­to­gra­fía en 1996 en la “Es­cue­la de Fo­to­gra­fía Crea­ti­va de Andy Golds­tein”, Téc­ni­ca Fo­to­grá­fi­ca con Fi­li­ber­to Mug­na­ni en C.C. Ro­jas Ta­lle­res de la­bo­ra­to­rio blan­co y ne­gro e...

Fo­to: Gi­se­lle Otero

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