GRAN­DES MO­MEN­TOS DE UNA CO­LEC­CIÓN

Sin te­mor a la mez­cla. Ar­tis­tas tan di­sí­mi­les co­mo Cindy Sher­man, Du­re­ro, Ger­hard Rich­ter y Go­ya dia­lo­gan en The Mo­ment is Eter­nity, que ar­ti­cu­la te­mas co­mo la be­lle­za, la sen­sua­li­dad y la muer­te en el ar­te a tra­vés de los si­glos.

Revista Ñ - - SUMARIO - POR JU­LIA VILLARO

Qué po­drán te­ner en co­mún un re­tra­to de Dia­ne Ar­bus, un pai­sa­je de Emil Nol­de y el mo­de­lo anató­mi­co de un ojo hu­mano rea­li­za­do en el si­glo XVII? En pri­mer lu­gar, que las tres pie­zas per­te­ne­cen a la vas­tí­si­ma co­lec­ción del ale­mán Tho­mas Ol­brich, que ade­más de un am­plio ca­tá­lo­go de fo­to­gra­fías, pin­tu­ras y gra­ba­dos de los ar­tis­tas más ex­qui­si­tos, cuen­ta con una Wun­der­kam­me­ra –tér­mino que li­te­ral­men­te tra­du­ci­ría­mos co­mo “cá­ma­ra de ma­ra­vi­llas”, y con­cep­tual­men­te co­mo “gabinete de cu­rio­si­da­des”– en la que se en­cuen­tran co­ra­les, ca­pa­ra­zo­nes de tor­tu­gas, her­ba­rios me­die­va­les, jo­yas, mi­nús­cu­las ca­la­ve­ras de mar­fil, ani­ma­les em­bal­sa­ma­dos y es­cul­tu­ras ja­po­ne­sas del pe­río­do Edo.

Es­pa­cio ca­rac­te­rís­ti­co de los co­lec­cio­nis­tas de otros si­glos, an­te­pa­sa­do ba­rro­co de mu­seos y ga­le­rías que in­te­gró, en otros tiem­pos, el pa­la­cio de to­do no­ble eu­ro­peo que se pre­cie de tal, el gabinete de cu­rio­si­da­des tie­ne hoy, en el pin­to­res­co ba­rrio de Mit­te de la arro­lla­do­ra ciu­dad de Ber­lín, su co­rre­la­to con­tem­po­rá­neo: en­tre los se­ve­ros edi­fi­cios de cor­te so­vié­ti­co y las ga­le­rías de ar­te más chic de la ciu­dad reuni­fi­ca­da, se es­gri­me me Co­llec­tors Room, un cu­bo blan­co y abier­to, pre­lu­dia­do por un ca­fé y una li­bre­ría bou­ti­que, que el mis­mo Ol­brich con­ci­bió ha­ce unos diez años co­mo pla­ta­for­ma ex­po­si­ti­va pa­ra las más di­ver­sas co­lec­cio­nes pri­va­das, y que hoy ex­hi­be gran par­te de la pro­pia, a tra­vés de la mues­tra The Mo­ment is Eter­nity.

No siem­pre es ta­rea sen­ci­lla dar cohe­ren­cia –más allá del ca­pri­cho– a la ex­po­si­ción de co­lec­cio­nes par­ti­cu­la­res, fra­gua­das al ca­lor del de­seo per­so­nal, ín­ti­mo, de quien ad­quie­re las obras. To­man­do co­mo pun­ta­pié ini­cial “El le­ga­do”, un poe­ma que Goet­he es­cri­bió po­co an­tes de mo­rir, el mon­ta­je con­ce­bi­do por la cu­ra­do­ra ale­ma­na An­net­te Kic­ken (es­pe­cia­lis­ta de­di­ca­da al ar­te de los si­glos XIX y XX) es­ta­ble­ce en­tre obras dis­pa­res –una fo­to de Cindy Sher­man, un gra­ba­do de Du­re­ro, un cru­ci­fi­jo– una fi­lia­ción or­gá­ni­ca, plan­tea­da a par­tir de la ló­gi­ca ne­ta­men­te vi­sual e in­me­dia­ta que, a tra­vés del es­pa­cio, van es­gri­mien­do imá­ge­nes y ob­je­tos, sin ne­ce­si­dad de re­cu­rrir a la pa­la­bra pa­ra dar for­ma a un dis­cur­so al mis­mo tiem­po abier­to y pre­ci­so.

Las obras van fra­guan­do el re­co­rri­do por el que el ojo via­ja, y si bien la fo­to­gra­fía cons­tru­ye el in­ne­ga­ble sus­tra­to de la co­lec­ción (er­go, de la mues­tra) hay otro iti­ne­ra­rio ocul­to, de a ra­tos más o me­nos evi­den­te, que es el que con­fi­gu­ran los gé­ne­ros (re­tra­to, des­nu­do, pai­sa­je, na­tu­ra­le­za muer­ta) en es­te ca­so a tra­vés de imá­ge­nes –que no ne­ce­sa­ria­men­te han si­do leí­das ba­jo es­tas ca­te­go­rías an­tes –tal vez ob­so­le­tas en­tre la vas­ta ma­rea que es hoy el ar­te con­tem­po­rá­neo– y sin em­bar­go en su anacro­nis­mo las ac­tua­li­zan, am­plian­do, pa­ra no­so­tros, su lec­tu­ra.

Li­ge­ra­men­te la cues­tión en­ton­ces cam­bia. No se tra­ta de ver qué obra co­rres­pon­de al gé­ne­ro des­nu­do, sino de ver to­do lo que el des­nu­do co­mo gé­ne­ro pue­de al­ber­gar. Eso es, en de­fi­ni­ti­va, lo que ar­ti­cu­la la fo­to­gra­fía de Cindy Sher­man (una de esas imá­ge­nes sin tí­tu­lo, en blan­co y ne­gro, de sus pri­me­ras se­ries, que evo­can la at­mós­fe­ra del ci­ne de la nue­va ola fran­ce­sa) con el mo­de­lo de un ojo que uti­li­za­ban tres si­glos atrás los cien­tí­fi­cos pa­ra es­tu­diar anato­mía hu­ma­na. Eso es, en de­fi­ni­ti­va, lo que ar­ti­cu­la la sen­sua­li­dad sua­ve que Ger­hard Rich­ter fo­to­gra­fía en Ema, con el si­nies­tro le­ve que arro­ja al es­pa­cio la pre­sen­cia de un pa­vo real em­bal­sa­ma­do, ubi­ca­do a un par de me­tros de dis­tan­cia. Eso es, en de­fi­ni­ti­va, lo que con­ci­lia esos cuer­pos ran­cios, des­bor­da­dos, que Ot­to Dix pin­ta­ba en la Ber­lín de la pri­me­ra pos­gue­rra, con los que Du­re­ro gra­ba­ba, ca­si cin­co si­glos an­tes, pa­ra re­pre­sen­tar a Adán y Eva en el um­bral de su ver­güen­za.

Pe­ro el te­ma no es só­lo el cuer­po –des­nu­do o ves­ti­do, muer­to o vi­vo, pin­ta­do, aver­gon­za­do, em­bal­sa­ma­do– sino la hue­lla que so­bre él –que es, tam­bién, ma­te­ria sen­si­ble– im­pri­me el tiem­po. So­bre esa idea se des­plie­gan las imá­ge­nes de un po­si­ble se­gun­do nú­cleo de obras. Con­tra una de las pa­re­des de la sala po­de­mos ver la se­rie “Las her­ma­nas Brown”, el en­sa­yo que –len­ta y des­pia­da­da­men­te– reali­zó el fo­tó­gra­fo Ri­chard Ni­xon re­gis­tran­do du­ran­te ca­si 40 años a las mis­mas her­ma­nas, en más o me­nos las mis­mas po­si­cio­nes, y de un mis­mo mo­do – siem­pre re­tra­to gru­pal, siem­pre blan­co y ne­gro, siem­pre plano me­dio de fren­te– co­mo que­rien­do de­jar en la ma­yor evi­den­cia po­si­ble la me­ta­mor­fo­sis ope­ra­da por los años en los ros­tros. Jus­to en­fren­te una lar­ga se­rie de re­tra­tos, de dis­tin­tos au­to­res, de­ter­mi­na una lí­nea si­mi­lar a la de Ni­xon. En

ella cam­bian los ros­tros, los ta­ma­ños, las téc­ni­cas. Allí es­tán los trabajadores anó­ni­mos, re­gis­tra­dos por el ojo de Au­gust San­der a prin­ci­pios del si­glo XX, jun­to a las pe­que­ñas bur­gue­sas de pie­les ver­do­sas, pin­ta­das a des­ta­jo por el ex­pre­sio­nis­ta Ernst Lud­wig Kirch­ner; allí es­tán los ar­tis­tas an­gus­tia­dos, o di­ver­ti­dos, co­mo el Pa­blo Pi­cas­so que re­tra­ta Ro­bert Dois­neau, y los di­se­ña­do­res exi­to­sos, co­mo el Yves Saint Lau­rent gi­gan­te y ra­dian­te que po­sa fren­te a la cá­ma­ra de Jur­gen Te­ller. En el me­dio, re­lo­jes de are­na y es­pe­jos de­for­man­tes, ca­be­zas con es­pe­jos co­mo ros­tros, es­pe­jos que no re­fle­jan na­da.

Jus­to al otro la­do, las obras de Dia­ne Ar­bus, Cor­ne­lius Joh­son van Ceu­len, Larry Clarck y Lee Fried­lan­der ha­cen de la in­fan­cia un es­pa­cio de­sola­do. El ni­ño que Ar­bus re­tra­ta llo­ra. La fo­tó­gra­fa lo to­ma des­de arri­ba, es­tá ca­si en­ci­ma del chi­co, tan cer­ca que sus lá­gri­mas ad­quie­ren ni­ti­dez de pin­tu­ra fla­men­ca. ¿Có­mo so­por­tar es­tar ahí y no co­bi­jar­lo, cal­mar­lo, en­trar en la es­ce­na? ¿Có­mo per­ma­ne­cer del otro la­do de la cá­ma­ra? Jun­to a él otro ni­ño es de­te­ni­do eter­na­men­te por el pin­cel de Johnson van Ceu­len, en una pin­tu­ra con una cier­ta in­quie­tud, un par­ti­cu­lar es­ta­do de áni­mo. Una tensión ca­si in­so­por­ta­ble se es­ta­ble­ce en­tre el fon­do ne­grí­si­mo que ame­na­za tra­gar­lo to­do, y el pla­to de es­plen­do­ro­sas ce­re­zas que es­pe­ra, inocente, jun­to al ni­ño en el pri­mer plano.

Fren­te a ellos la na­tu­ra­le­za muer­ta mu­ta, en­tre los omi­no­sos can­gre­jos en pla­tos de pla­ta de otros óleos tí­pi­cos (es­ta vez los si­glos XVI y XVII) y el tri­ci­clo aban­do­na­do, en­cua­dra­do al ras del sue­lo, por la cá­ma­ra con de Wi­lliam Eg­gles­ton. A po­cos me­tros los pai­sa­jes románticos que la pin­tu­ra le dio al si­glo XIX, con sus cie­los car­ga­dos de nubes, la in­ten­si­dad de sus ma­res y su lu­mi­no­si­dad de úl­ti­ma ho­ra, de­jan tris­te­men­te pa­so a los re­gis­tros fo­to­grá­fi­cos que el pe­rio­dis­mo hi­zo de la pri­me­ra bom­ba de hi­dró­geno, mien­tras Cris­to cede su cruz y el San Se­bas­tián de Brueg­hel sus fle­chas a otros jó­ve­nes mo­der­nos, la­ce­ra­dos, al­can­za­dos por las gue­rra y la muer­te an­te la len­te de Ro­bert Map­plet­hor­pe, de Wolf­gang Till­mans, de Ro­bert Cap­pa.

En me­dio de la sala una vi­tri­na guar­da to­do ti­po de ca­la­ve­ras di­mi­nu­tas, las lla­ma­das “vá­ni­tas” que ser­vían pa­ra se­ña­lar, du­ran­te el ba­rro­co de moral lu­te­ra­na que, co­mo es­cri­bió Goet­he en su poe­ma, la úni­ca eter­ni­dad a la que po­de­mos as­pi­rar es el mo­men­to. Al­go de eso tam­bién nos re­cuer­da la fo­to­gra­fía, un ha­lo de nos­tal­gia en los al­bo­res del si­glo XXI, a ca­ba­llo en­tre la ima­gen fu­gaz y el ob­je­to vin­ta­ge, siem­pre en sí mis­ma pe­que­ña ma­ra­vi­lla lu­mi­no­sa, aca­so pre­cia­da pie­za de los ga­bi­ne­tes de cu­rio­si­da­des del fu­tu­ro.

BERND BORCHARDT

Ins­ta­la­ción de Ger­hard Rich­ter en el es­pa­cio ber­li­nés me Co­llec­tors Room en el que Tho­mas Ol­brich ex­hi­be par­te de su co­lec­ción pri­va­da.

GALERIA BASSENGE

Erup­ción del Ve­su­bio re­gis­tra­da en 1872 por el fo­tó­gra­fo ale­mán Gior­gio Som­mer.

“Hand­lan­ger” (al­ba­ñil), fo­to­gra­fía de 1928 de Au­gust San­der.

Newspapers in Spanish

Newspapers from Argentina

© PressReader. All rights reserved.