Una Pom­pe­ya nun­ca en­te­rra­da

Con “Pom­pe­ya@ma­dre. Ma­te­ria Ar­queo­ló­gi­ca” el Mu­seo de Ar­te Con­tem­po­ré­neo de Ná­po­les y el par­que ar­queo­ló­gi­co más im­por­tan­te del mun­do, con­ci­ben una ex­hi­bi­ción en tiem­po y pro­xi­mi­dad en­tre lo an­ti­guo y lo con­tem­por­pá­neo.

Domus en Español Rep Dominicana - - Informe -

“Pom­pe­ya @ Ma­dre. Cues­tión ar­queo­ló­gi­ca “es una ope­ra­ción so­bre el ha­llaz­go ar­queo­ló­gi­co, co­mo una ac­ción con­tem­po­rá­nea de aque­llos que ca­van y no sa­ben lo que en­cuen­tran. El pro­yec­to po­ne en pers­pec­ti­va lo re­mo­to con lo con­tem­po­rá­neo, crean­do una ex­po­si­ción mo­no­grá­fi­ca de Pom­pe­ya en el Mu­seo Ma­dre.

Por pri­me­ra vez se es­ta­ble­ce una se­lec­ción de ar­te­fac­tos y obras del Par­que Ar­queo­ló­gi­co de Pom­pe­ya, en diá­lo­go con la co­lec­ción permanente del Mu­seo en­ri­que­ci­da por un nú­me­ro sig­ni­fi­ca­ti­vo de obras de ar­te con­tem­po­rá­neas, pro­ve­nien­te de co­lec­cio­nes pú­bli­cas y pri­va­das.

El ca­mino se mue­ve des­de un pri­mer ac­to, de­di­ca­do a la re­fle­xión so­bre los es­pa­cios do­més­ti­cos, ri­tua­les, ges­tos y me­men­to mo­ri; en el que se es­ta­ble­ce un diá­lo­go en­tre las obras y la co­lec­ción permanente, en el cual ve­mos al mu­seo co­mo una do­mus con­tem­po­rá­nea; un se­gun­do ac­to, en cam­bio, en­fo­ca su aten­ción en la idea del mu­seo co­mo una má­qui­na del tiem­po, a tra­vés de una mez­cla de re­fe­ren­cias, for­mas, ma­te­ria­les, so­ni­dos y su­per­fi­cies; de “pie­za” y “ob­je­to”. Así, la ex­po­si­ción con­si­de­ra a la ciu­dad co­mo un pa­lim­pses­to con­tra­dic­to­rio, no mi­mé­ti­co, sino por el con­tra­rio ca­paz de evi­tar la se­duc­ción del frag­men­to para ra­zo­nar so­bre qué ha­cer con es­ta ““pro­xi­mi­dad del pa­sa­do”, co­mo di­jo Mas­si­mo Osan­na, di­rec­tor del Par­que Ar­queo­ló­gi­co de Pom­pe­ya.

Para com­pren­der es­ta com­ple­ji­dad que ca­rac­te­ri­za a Ná­po­les - “una Pom­pe­ya que nun­ca es­tá en­te­rra­da”, co­mo es­cri­bió la di­rec­to­ra de Ma­dre, Andrea Vi­lia­ni, ci­tan­do La Piel, de Cur­zio Ma­la­par­te; le pe­di­mos a Gia­nMa­ria­to­sat­ti que reac­cio­ne a una se­rie de imá­ge­nes y pa­la­bras re­la­cio­na­das con el pro­yec­to. Ar­tis­ta lú­ci­do e in­can­sa­ble in­ves­ti­ga­dor de las nue­vas for­mas de re­pre­sen­ta­ción del tiem­po y la me­mo­ria, To­sat­ti co­no­ce muy bien los por­me­no­res de la ins­ti­tu­ción que de­di­có, en 2016, una ex­ten­sa ex­po­si­ción in­di­vi­dual a su trabajo. Es igual­men­te ver­sa­do en el fun­cio­na­mien­to in­terno de la ciu­dad mis­ma, don­de de 2013 a 2017, uti­li­zó un en­fo­que ca­si ar­queo­ló­gi­co para con­ce­bir su Le Set­te Sta­gio­ni de­llo Spi­ri­to (“Las Sie­te Es­ta­cio­nes del Es­pí­ri­tu”). Ca­da una de las sie­te obras fue ins­ta­la­da en un edi­fi­cio que ha­bía si­do aban­do­na­do, des­cui­da­do, pa­sa­do por al­to o mar­ca­do con con­no­ta­cio­nes ne­ga­ti­vas.

Creo que lo que ha­ce de Pom­pe­ya Ma­dre una ex­po­si­ción im­por­tan­te es la ca­pa­ci­dad de mos­trar una am­plia tra­yec­to­ria que, en los úl­ti­mos años, es­tá re­de­fi­nien­do nues­tra re­la­ción con la cul­tu­ra, pa­san­do de una di­men­sión li­neal (cro­no­ló­gi­ca o doc­tri­nal) a una que yo ten­de­ría a de­fi­nir co­mo berg­so­nia­na o emo­cio­nal.

En al­gu­nos mu­seos, co­mo la Galería Na­cio­nal de Ro­ma con su nue­va pues­ta en es­ce­na y en es­ta ex­po­si­ción, el cri­te­rio ha to­ma­do una for­ma pre­ci­sa, con la deses­truc­tu­ra­ción del or­den cro­no­ló­gi­co a fa­vor de una fluc­tua­ción o, me­jor tal vez, una gra­vi­ta­ción ga­lác­ti­ca de las obras que si­guie­ron sus pro­pias le­yes, su­ge­ri­das por un ho­ri­zon­te crí­ti­co no his­tó­ri­co, que es qui­zás la ver­da­de­ra “otra for­ma” de la cu­ra­te­la. Es­to ha lle­ga­do a es­ta­ble­cer una per­cep­ción di­ná­mi­ca más ac­ti­va, ba­sa­da en la ca­pa­ci­dad del vi­si­tan­te para es­ta­ble­cer co­ne­xio­nes em­pá­ti­cas que lo po­nen en su nue­vo pa­pel de via­je­ro, a lo lar­go del ca­mino de su ex­pe­rien­cia co­mo na­rra­dor, de­jan­do a un la­do el pa­pel del es­tu­dian­te preo­cu­pa­do por las fe­chas, los nom­bres y los valores in­di­vi­dua­les de las obras de ar­te, que se mues­tran co­mo si es­tu­vie­ran in­clui­das en un pan­teón.

De he­cho, siem­pre he en­con­tra­do que, por ejem­plo, la co­lec­ción permanente de Ma­dre, la del pri­mer pi­so, con sa­las de­di­ca­das a au­to­res in­di­vi­dua­les, co­mo Da­niel Bu­ren, Francesco Cle­men­te, Mim­mo Pa­la­dino, Jeff Koons, Jan­nis Kou­ne­llis y Rebecca Horn; era tan es­tá­ti­ca co­mo si es­tu­vie­se com­pues­ta por una se­rie de ar­te­fac­tos ar­queo­ló­gi­cos de los di­fe­ren­tes pe­río­dos del mu­seo y, de­bo de­cir la ver­dad, co­mo con­tem­po­rá­neo nun­ca me sen­tí fas­ci­na­do por los ar­te­fac­tos. Siem­pre he pre­fe­ri­do la fun­cio­na­li­dad del ob­je­to al fe­ti­chis­mo con­me­mo­ra­ti­vo.

Por lo tan­to, el ries­go de la ex­po­si­ción que tra­jo a la Ma­dre los ha­llaz­gos de Pom­pe­ya, era el de ar­mar una ex­po­si­ción al­ta­men­te fu­ne­ra­ria.

Sin em­bar­go, me sor­pren­dió es que una vez acer­ca­das, co­mo con dos ima­nes, es­tas dos reali­da­des ar­queo­ló­gi­cas ha­yan desa­rro­lla­do una fuer­za, un di­na­mis­mo y una ener­gía ca­paz de ge­ne­rar una pers­pec­ti­va, una lec­tu­ra y una aven­tu­ra ac­ti­va en su per­cep­ción. La con­vi­ven­cia en el mis­mo es­pa­cio de obras per­te­ne­cien­tes a con­tex­tos com­ple­ta­men­te di­fe­ren­tes, mi­ni­mi­zó las cua­li­da­des re­la­ti­vas de las obras, de­jan­do emer­ger so­lo la sus­tan­cia prin­ci­pal, ese nú­cleo lu­mi­no­so pro­fun­do que las ha­ce es­ca­par de su es­ce­na­rio his­tó­ri­co, ha­cién­do­las siem­pre con­tem­po­rá­neas y ca­pa­ces de sos­te­ner el es­fuer­zo de un diá­lo­go mi­le­na­rio.

En es­to se pue­de de­cir que tu­vie­ron que aban­do­nar la di­men­sión he­do­nis­ta, de un ob­je­to vá­li­do per se y en­con­tra­ron la ener­gía del mo­vi­mien­to y de la dia­léc­ti­ca en la di­men­sión dia­ló­gi­ca. Los ob­je­tos han de­ja­do de ser fe­ti­ches iner­tes y fue­ron con­ver­ti­dos en un len­gua­je, con lo que ad­qui­rie­ron la fun­cio­na­li­dad de te­ner que jus­ti­fi­car­se mu­tua­men­te.

Ca­da obra, por lo tan­to, tra­ta­da ya no co­mo un cuer­po muer­to sino vi­vo, se ha vis­to for­za­da a rea­li­zar un es­fuer­zo para ne­gar, con su pro­pia pre­sen­cia, el con­tex­to da­do por el ob­je­to cer­cano a sí mis­mo para pro­po­ner otro, al­ter­na­ti­vo, nue­vo , sub­je­ti­vo; qui­zás des­de una pers­pec­ti­va que iría de una ha­bi­ta­ción a otra, en un di­na­mis­mo per­cep­tual que tam­bién se convierte en un im­pul­so fí­si­co para el es­pec­ta­dor, que cru­za las ha­bi­ta­cio­nes ca­si em­pu­ja­do por el vien­to, ca­si per­si­guien­do un jue­go en­tre los di­fe­ren­tes ob­je­tos; que ya no son fe­ti­ches sino ju­ga­do­res.

Pe­ro es­ta di­ná­mi­ca, que en el mu­seo pa­re­ce tan in­no­va­do­ra, en el cuer­po de la ciu­dad na­po­li­ta­na ha si­do la re­gla du­ran­te si­glos. Ná­po­les es una hi­per­ciu­dad que vi­ve una es­pe­cie de “pre­sen­te per­pe­tuo”. Su es­tra­ti­fi­ca­ción cul­tu­ral nun­ca se ha da­do co­mo una so­bre­es­cri­tu­ra de épo­cas, sino co­mo un pro­ce­so in­te­gra­dor, ca­paz de trans­for­mar ca­da ele­men­to an­ti­guo, trai­cio­na­do y ro­to al mis­mo tiem­po, en un ob­je­to de uso mo­derno; por lo que no en­tre­ga na­da a la de­fi­ni­ción de rui­na y des­co­nec­ta­do del pre­sen­te, de­ja­do atrás, em­pa­ca­do en el al­ma­cén de un mu­seo (al ai­re li­bre o no). Ná­po­les ha man­te­ni­do así su he­ren­cia cons­tan­te­men­te con­tem­po­rá­nea, tal vez ne­gan­do el con­cep­to mis­mo de his­to­ria.

Gian Ma­ria To­sat­ti (Ro­ma, 1980), ar­tis­ta, vi­ve y tra­ba­ja en Nue­va York. Su nue­vo ci­clo de obras, ti­tu­la­do Da­ma­sa, fue ex­hi­bi­do en la galería Lia Rum­ma en Ná­po­les has­ta el 15.2.2018.

Pre­sen­te-per­pe­tuo: el tiem­po de los ob­je­tos Tex­to de Gian Ma­ria To­sat­ti

Arri­ba: Mark Dion, Sal­va­ge-hms Co­los­sus, 2013. Ob­je­tos, con­chas, es­pon­jas, per­ce­bes, al­gas se­cas, ye­so, pin­tu­ra acrí­li­ca.co­lec­ción­mau­ri­zio Mo­rra Gre­co, Ná­po­les. La Whi­te­cha­pel Ga­llery de Lon­dres de­di­ca una ex­po­si­ción mo­no­grá­fi­ca al ar­tis­ta Mark Dion: “Mark Dion: Thea­tre of the Na­tu­ral World” (14.2-13.5.2018).

A la iz­quier­da, en pri­mer plano: can­de­la­bro con lám­pa­ra, con una ma­ni­ja en for­ma de cis­ne (de­ta­lle), si­glo I dc, bron­ce. Par­que ar­queo­ló­gi­co de Pom­pe­ya, inv. 2545.Al fon­do: Ave Ovo, por Francesco Cle­men­te, 2005 (de­ta­lle). Pi­so de ce­rá­mi­ca y fres­co Co­lec­ción Ma­dre.

Arri­ba: es­tan­te con hue­sos hu­ma­nos de las ex­ca­va­cio­nes rea­li­za­das en 1800 en Pom­pe­ya (de­ta­lle).Arri­ba, des­de la iz­quier­da: Gosh­ka Ma­cu­ga, Al­bert Eins­tein, 2016. Ce­men­to, jes­mo­ni­ta Co­lec­ción Ni­co­let­ta Fio­ruc­ci, Lon­dres; Ma­ni­fat­tu­ra Gius­ti­nia­ni, Ros­tro, me­dia­dos del si­glo XIX. Te­rra­co­ta. Co­lec­ción privada To­das las obras de la Co­lec­ción Ma­dre: Cor­te­sía de la Fon­da­zio­ne Don­na­re­gi­na para el Ar­te Con­tem­po­rá­neo, Ná­po­les.

Newspapers in Spanish

Newspapers from Dominican Republic

© PressReader. All rights reserved.