Shee­la Gow­da

Art Press - - EXPOSITIONS - De­vi­ka Singh

Centre in­ter­na­tio­nal d’art et du pay­sage / 19 jan­vier - 16 mars 2014

Conçue par An­nie Flet­cher et Grant Wat­son pour le Van Ab­be­mu­seum d’Eind­ho­ven, et reconfigurée sur l’Île de Vas­si­vière par Ma­rianne La­na­vère, Open Eye Po­li­cy est la pre­mière ex­po­si­tion per­son­nelle consa­crée à Shee­la Gow­da en France. L’ar­tiste in­dienne, no­mi­née cette an­née pour le prix Hu­go Boss, a été ex­po­sée à la Do­cu­men­ta 12 et à la bien­nale de Ve­nise en 2009 mais reste en­core peu connue du pu­blic fran­çais, mal­gré sa par­ti­ci­pa­tion à la Bien­nale de Lyon en 2007 et à l’ex­po­si­tion Pa­ris-Del­hi-Bom­bay au Centre Pom­pi­dou en 2011. Cette ré­tros­pec­tive per­met de re­tra­cer le travail de l’ar­tiste en re­pre­nant cer­taines de ses oeuvres prin­ci­pales no­tam­ment And… (2007) qui a été ex­po­sée à Do­cu­men­ta 12. Cette ins­tal­la­tion dé­ploie plu­sieurs cen­taines de mètres de fils de cou­ture tor­sa­dés. D’un rouge écar­late, cette éten­due de fils re­cou­verts de poudre de kum­kum fait ré­fé­rence au ri­tuel des femmes ma­riées in­diennes qui en marquent leur front et évoque la condition des femmes dans cette so­cié­té. L’oeuvre rap­pelle aus­si l’im­por­tance du pro­cé­dé ar­tis­tique chez Gow­da qui dé­lègue ra­re­ment l’éla­bo­ra­tion de ses oeuvres (une vi­déo pré­sen­tée dans la li­brai­rie montre le la­beur de l’ar­tiste). À l’ar­rière-plan, l’ins­tal­la­tion Kan­ge­ban­ga­ra (2008) ras­semble ba­rils de gou­dron, plaques de ba­rils apla­nis et bâches en plas­tique de cou­leur bleu et jaune – au­tant de ma­té­riaux ca­rac­té­ris­tiques des abris de for­tune des tra­vailleurs de bord de route in­diens et de l’ha­bi­tat pré­caire des bi­don­villes. Une fois ten­dus au mur, ces pans de couleurs pri­maires ren­voient à l’abs­trac­tion mo­der­niste eu­ro­péenne dont s’ins­pire en par­tie l’ar­tiste, mais aus­si au groupe Gu­tai et à d’autres cou­rants de l’art in­for­mel. Cette am­bi­guï­té des ap­pa­rences élar­git le su­jet de l’ins­tal­la­tion et rap­pelle aus­si la for­ma­tion plu­rielle de l’ar­tiste. Née en 1957 et d’abord for­mée à la pein­ture fi­gu­ra­tive en Inde puis en An­gle­terre, ce n’est que dans les an­nées 1990, que Shee­la Gow­da, comme nombre d’ar­tistes in­diens, se tourne vers la sculp­ture et l’ins­tal­la­tion. Au­jourd’hui ba­sée à Ban­gal ore, elle est par­ti­cu­liè­re­ment at­ten­tive aux mu­ta­tions so­ciales et en­vi­ron­ne­men­tales du pays comme en at­teste Pro­test my Son (2011). Ici, Gow­da su­per­pose à une pho­to­gra­phie d’un groupe d’hommes de la tri­bu des Hak­ki Pik­ki, qui ma­ni­festent pour pré­ser­ver leurs terres, une se­conde image d’ap­pa­rence iden­tique où les mêmes per­sonnes sont re­cou­vertes de codes cor­po­rels mao­ri et amé­rin­diens. Un des moyens de sub­sis­tances de cette tri­bu in­dienne consiste à confec­tion­ner et ex­por­ter de fausses peaux et griffes de tigre fa­bri­quées à par­tir de peaux de chien ou de cornes de bo­vin. Mais le mon­tage pho­to­gra­phique de Gow­da n’est pas dupe de l’exo­tisme dont usent les mi­no­ri­tés eth­niques au­près des mé­dias. L’ex­po­si­tion de ces pra­tiques dé­joue tout ap­pel à une pré­ten­due au­then­ti­ci­té de l’autre. Tan­tôt po­li­tique, tan­tôt dé­li­bé­ré­ment naïve et poé­tique dans son explication des oeuvres, Shee­la Gow­da se dé­robe à toute lec­ture sim­pliste. Son travail est le ré­sul­tat d’un pro­ces­sus com­plexe d’éla­bo­ra­tion de va­leurs sym­bo­liques, dont la force ré­side dans la plu­ra­li­té d’in­ter­pré­ta­tion. Ori­gi­nal­ly con­cei­ved by An­nie Flet­cher and Grant Wat­son for the Van Ab­be­mu­seum in Eind­ho­ven and re­con­fi­gu­red on Vas­si­vière Is­land by Ma­rianne La­na­vère, Open Eye Po­li­cy is Shee­la Gow­da’s first so­lo show in France. The In­dian artist, no­mi­na­ted for this year’s Hu­go Boss prize, was on view at Do­cu­men­ta 12 and the 2009 Ve­nice Bien­nale but has not been well known to the French pu­blic, des­pite her work in the Lyon Bien­nale in 2009 and in the ex­hi­bi­tion Pa­ris-Del­hi-Bom­bay at the Pom­pi­dou Cen­ter in 2011. This ca­reer sur­vey in­cludes some ca­pi­tal pieces such as And…( 2007) seen at Do­cu­men­ta 12. This ins­tal­la­tion uses hun­dreds of me­ters of twis­ted th­read co­ve­red with scar­let KimKum powder, used by mar­ried In­dia wo­men to mark their fo­re­head, and is thus evo­ca­tive of the condition of wo­men in that so­cie­ty. This piece al­so de­mons­trates the im­por­tance of pro­cess for Gow­da, who ra­re­ly de­le­gates the ma­king of her art (a vi­deo scree­ned in the books­tore shows her at work). In the back­ground, the ins­tal­la­tion Kan­ge­ban­ga­ra (2008) com­bines bar­rels of tar, sheets of bar­rels and blue and yel­low plas­tic tarps, all cha­rac­te­ris­tic ma­te­rials used to make the tem­po­ra­ry shel­ters used by In­dian road wor­kers and slum shacks. Yet when these swaths of co­lor are hung on the wall they re­call no­thing so much as Eu­ro­pean mo­der­nist abs­trac­tion, one of this artist’s i ns­pi­ra­tio­nal sources, as well as the Gu­tai group and other schools of abs­tract art. Such am­bi­guous ap­pea­rances broa­den the ins­tal­la­tion’s content—and al­so re­call Gow­da’s mul­ti­dis­ci­pli­na­ry back­ground. Born in 1957 and ini­tial­ly trai­ned as a fi­gu­ra­tive pain­ter in In­dia and then the UK, like ma­ny In­dian ar­tists Gow­da tur­ned to sculp­ture and ins­tal­la­tion in the 1990s. Today ba­sed in Ban­ga­lore, she is par­ti­cu­lar­ly at­ten­tive to the so­cial and en­vi­ron­men­tal changes the coun­try is un­der­going, as is evident in Pro­test My Son (2011). This piece is com­pri­sed of two su­per­im­po­sed pho­tos, one sho­wing men from the Hak­ki Pik­ki tribe pro­tes­ting to save their land, and the other the same people co­ve­red with Mao­ri and Na­tive American bo­dy mar­kings. One of the ways mem­bers of this tribe sur­vive is by ma­king and ex­por­ting fake hides (made of dog skin) and ti­ger claws (made of buffalo horns). But Gow­da’s pho­to­mon­tage is not foo­led by self-exo­ti­ci­za­tion, the shows eth­nic mi­no­ri­ties put on for the me­dia. By ex­po­sing these prac­tices, the ins­tal­la­tion thwarts any ap­peal to the im­pli­cit au­then­ti­ci­ty of the Other. Whe­ther ex­pli­cit­ly po­li­ti­cal or de­li­be­ra­te­ly naïve and poe­tic in her explication of her art, Gow­da de­fies sim­plis­tic rea­dings. Her work is the re­sult of a com­plex pro­cess of cons­truc­ting sym­bo­lic va­lues whose po­wer re­sides in the plu­ra­li­ty of in­ter­pre­ta­tion.

Trans­la­tion, L-S Tor­goff

Shee­la Gow­da Ci-des­sus/ above: « Ka­ge­ban­ga­ra ». 2008. Ba­rils de gou­dron, bâches en plas­tique. Flat­te­ned tar drum sheet, tar drum, mi­ca, mi­ca sheet tar­pau­lin Ci-des­sous / be­low: Un­tit­led. 2014 Cendres, acier, bois, briques (© Malika Uh­len ; Court. de l’ar­tiste et Gal­le­ryske, Ban­ga­lore). In­cense ash, steel mesh, wood, brick

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