The Shell (Land­scapes, Por­traits and Shapes)

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Ga­le­rie Al­mine Rech/ 10 jan­vier - 14 fé­vrier 2015

Pour cer­tains, l'art ne suf­fit plus à en­di­guer un flux d'images qui le tra­verse et le dé­passe. Le po­ten­tiel ico­nique est par­tout ou, plus pré­ci­sé­ment, il ne se donne qu'en mou­ve­ment. L'art, une sphère in­fi­nie dont le centre est par­tout et la cir­con­fé­rence nulle part ? Une telle ap­proche, celle, entre autres, de Da­vid Jo­se­lit dans Af­ter Art (2012), est sou­vent per­ti­nente. Elle per­met de rendre compte de la pra­tique de jeunes ar­tistes, ces na­tifs de l'ère di­gi­tale, sou­vent dé­si­gnés comme « post-me­dium », dont les oeuvres ré­pondent à l'écla­te­ment par plus d'écla­te­ment en­core. En re­vanche, elle laisse dans l'ombre les trans­for­ma­tions qui s'opèrent dans le re­gard du spec­ta­teur, et qui, ré­tros­pec­ti­ve­ment, af­fectent la ma­nière dont nous ap­pré­hen­dons toute oeuvre. The Shell (Land­scapes, Por­trait & Shapes), nou­velle ex­po­si­tion d'Éric Tron­cy, re­mé­die à cet ou­bli. Les trois salles de la ga­le­rie Al­mine Rech ac­cueillent les oeuvres d'une ving­taine d'ar­tistes. Pour beau­coup, ce sont ceux qu'Éric Tron­cy sou­tient de­puis long­temps (John Cur­rin, Alex Katz, Alain Sé­chas, …), ou que l'on a pu voir dans ses pro­po­si­tions les plus ré­centes (Alex Is­raël, Ida Tur­sic & Wil­fried Mille, Ka­ren Ki­lim­nik, …). On les re­trouve alors à la ma­nière de per­son­nages de sé­rie, mais dont les traits, pour peu qu'ils soient bai­gnés d'une lu­mière nou­velle, as­sument des ex­pres­sions in­édites. Pour The Shell, pas de thème, mais un par­ti-pris : ce­lui de ne mon­trer que des pein­tures. Pay­sages, por­traits ou formes abs­traites mettent en scène le « pa­no­ra­ma ac­tuel pos­sible » d’un mé­dium, ses mo­ments clés, ses rup­tures, ses re­cou­pe­ments. L’ac­cro­chage est li­néaire ; la suc­ces­sion ré­glée, dense et ryth­mée. Les toiles épousent par­fai­te­ment l'es­pace, courent le long des murs. La pre­mière im­pres­sion, celle d'un feed ins­ta­gram ou tum­blr, n'est pas à ban­nir. L’ac­cro­chage re­pro­duit ces condi­tions de vi­si­bi­li­tés même: « Les ta­bleaux ex­po­sés (…) forment un pa­no­ra­ma sans chro­no­lo­gie, ‘’à la Google’’. Avec cette dif­fé­rence sub­stan­tielle : il ne s’agit pas ici d’images mais de ta­bleaux. ». Cette sub­ti­li­té d'ac­cro­chage mi­neure suf­fit pour­tant à chan­ger le re­gard, et à confé­rer aux oeuvres un même gla­çis d’ac­tua­li­té. Elle évite, par un geste dont l’évi­dence et la sim­pli­ci­té – un peu plus ser­ré, un peu moins his­to­rique – est à la me­sure de l’ef­fi­ca­ci­té, d’avoir re­cours à la rup­ture épis­té­mo­lo­gique pour pen­ser les nou­veaux re­gistres de vi­si­bi­li­té. Ce cadre éta­bli, on est libre de s’at­tar­der sur les mo­ments de ce pa­no­ra­ma, qui cha­cun, in­di­vi­duel­le­ment, disent quelque chose de l’his­toire de l’art – rayures de Brid­get Ri­ley, por­traits hy­per­réa­listes de Ri­chard Phil­lips, pein­tures à l’iPad de Da­vid Ho­ck­ney ou en­core écri­tures au­to­ma­tiques de Ch­ris­tian Ro­sa. Sous le re­gard bien­veillant du géant gris de Ka­tha­ri­na Fritsch, comme ex­sangue au beau mi­lieu de la dé­bauche de cou­leurs, la seule sculp­ture de l’ex­po­si­tion, in­sé­rée à la ma­nière d’un mo­tif dans le ta­pis. Ou di­ront cer­tains, d’une « co­olus­tre­rie » – et l’on en­ten­dra par là un in­épui­sable ca­ta­ly­seur de ré­cits.

In­grid Lu­quet-Gad

For some, art is no lon­ger enough to stem the flow of images. For them, this flux now runs th­rough and past us. Ico­nic po­ten­tial is everywhere or, more pre­ci­se­ly, it is gi­ven on­ly in mo­ve­ment. Art, an in­fi­nite sphere whose cen­ter is everywhere and cir­cum­fe­rence now­here? Such an ap­proach, as ta­ken for example by Da­vid Jo­se­lit in Af­ter Art (2012), is of­ten per­ti­nent. It makes it pos­sible to talk about the prac­tices of young ar­tists, those di­gi­tal na­tives of­ten cal­led the “post-me­dium” ge­ne­ra­tion, whose works re­spond to frag­men­ta­tion with yet more frag­men­ta­tion. Ho­we­ver, it says no­thing about the trans­for­ma­tions ta­king place in the vie­wer’s gaze, which, re­tros­pec­ti­ve­ly, af­fect the way we ap­pre­hend any art­work. The Shell (Land­scapes, Por­trait & Shapes), a new ex­hi­bi­tion cu­ra­ted by Éric Tron­cy, re­me­dies this over­sight. The th­ree rooms at the Al­mine Rech gal­le­ry host works by a score of ar­tists. Some—John Cur­rin, Alex Katz, Alain Sé­chas, etc.—Tron­cy has cham­pio­ned for ma­ny years, while others such as Alex Is­raël, Ida Tur­sic & Wil­fried Mille and Ka­ren Ki­lim­nik, are more recent en­thu­siasms. Seeing them is like mee­ting up with cha­rac­ters from TV series, fa­mi­liar from re­pea­ted fre­quen­ta­tion, but whose fea­tures, if shown in a new light, can as­sume new ex­pres­sions. There is theme in The Shell, but it does take a dis­tinct ap­proach: it shows on­ly pain­tings. Land­scapes, por­traits and abs­tract forms present the “pos­sible cur­rent pa­no­ra­ma” of a me­dium, its key mo­ments, its rup­tures, its over­lap­pings. The han­ging is li­near, the suc­ces­sion re­gu­lar, dense and rhyth­mic. The can­vases fit per­fect­ly in­to the space, run­ning along the walls. The first im­pres­sion of so­me­thing like an ins­ta­gram or tum­blr feed, is not ne­ces­sa­ri­ly wrong. The han­ging re­pro­duces those ve­ry condi­tions of vi­si­bi­li­ty: “The pain­tings ex­hi­bi­ted […] form a ‘Google-style’ pa­no­ra­ma wi­thout a chro­no­lo­gy, with one sub­stan­tial dif­fe­rence: they are not images but pain­tings.” This slight subt­le­ty in the han­ging is enough to change the way we look at things and give all the works the same gloss of to­pi­ca­li­ty. By this ac­tion whose cla­ri­ty and sim­pli­ci­ty—a lit­tle clo­ser to­ge­ther, a lit­tle less his­to­ri­cal—is mat­ched by its ef­fec­ti­ve­ness, it avoids the need to use the no­tion of epis­te­mo­lo­gi­cal rup­ture for thin­king the new re­gis­ters of vi­si­bi­li­ty. In this fra­me­work, we are free to dwell on the mo­ments of this pa­no­ra­ma, each of which, in­di­vi­dual­ly, says so­me­thing about the his­to­ry of art: Brid­get Ri­ley’s stripes, pho­to­rea­list por­traits by Ri­chard Phil­lips, iPad pain­tings by Da­vid Ho­ck­ney and au­to­ma­tic wri­ting by Ch­ris­tian Ro­sa. All spread out un­der the be­ne­volent gaze of a gray giant by Ka­tha­ri­na Fritsch, see­min­gly bloo­dless amid­st this riot of co­lor. The on­ly sculp­ture in the show, it is there like the fi­gure in the car­pet. An inex­haus­tible ca­ta­lyst of nar­ra­tive.

Trans­la­tion, C. Pen­war­den

Vue de l’ex­po­si­tion (Ph. R. Fanuele). Ex­hi­bi­tion view Ci-des­sous / be­low: Ri­chard Phil­lips. « In­grid II ». 2013. Huile sur toile. 152,4 x 200 cm. (Court. Bloom Fa­mi­ly Coll.). Oil on can­vas

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