Kim­ber Smith

Art Press - - EXPOSITIONS - Gui­te­mie Mal­do­na­do

Ga­le­rie Jean Four­nier / 21 fé­vrier - 5 mars 2016 Kim­ber Smith (1922-1981) ap­par­tient à la deuxième gé­né­ra­tion de l’École de New York et fait par­tie de ces ar­tistes amé­ri­cains qui, après la Se­conde Guerre mon­diale, ont sé­jour­né, plus ou moins du­ra­ble­ment, en France. C’est à Pa­ris, où il s’ins­talle en 1954, l’an­née de sa pre­mière ex­po­si­tion per­son­nelle à New York, que sa pein­ture at­teint sa pleine ma­tu­ri­té, au voi­si­nage de Joan Mit­chell, Shir­ley Jaffe et Sam Fran­cis. Comme eux, il s’af­firme dans le re­gistre abs­trait et ex­plore l’ex­pres­sion par la touche ample, le geste libre, la cou­leur in­tense, la ma­tière fluide et riche. Pas éton­nant que Jean Four­nier l’ait ex­po­sé ré­gu­liè­re­ment dans des pré­sen­ta­tions de groupe, entre leur ren­contre en 1958 et 1990. Au­jourd’hui, c’est le pro­jet in­abou­ti d’une ex­po­si­tion per­son­nelle qui se réa­lise en­fin à la ga­le­rie, avec une ving­taine d’oeuvres sur pa­pier, exé­cu­tées entre 1957 et 1975, ras­sem­blées avec les hé­ri­tiers de l’ar­tiste, sé­lec­tion­nées et ac­cro­chées par le peintre Joe Fyfe. D’em­blée, on est frap­pé par la co­hé­rence de l’en­semble : non seule­ment parce que les for­mats sont tous si­mi­laires (au­tour de 60x 40 cm) mal­gré les dif­fé­rentes qua­li­tés de pa­pier – des pages lisses de blocs à des­sin au grain de feuilles plus épaisses et ri­gides – , mais aus­si du fait que le peintre ne sé­pare pas ses oeuvres sur pa­pier et sur toile, em­ployant, di­til, les mêmes pin­ceaux. Si deux gouaches et acry­liques de 1958 et 1959 (bour­geon­ne­ments de cou­leurs en­va­his­sant tout l’es­pace) ap­pa­rentent in­dé­nia­ble­ment Smith à l’ex­pres­sion­nisme abs­trait, l’ac­cro­chage dé­montre, sans sys­té­ma­tisme ni di­dac­tisme, la spé­ci­fi­ci­té de son ap­proche où, mal­gré les ap­pa­rences, l’in­té­rêt pour la struc­ture, qui « tient l’en­semble (1) », l’em­porte sur la puis­sance de la cou­leur et entre en ten­sion avec les tra­jets du pin­ceau. On en prend conscience, de­vant un élé­ment gra­phique ré­cur­rent, des lignes en zig­zag évo­quant des crêtes ou des dents, for­mant des lo­sanges quand elles se che­vauchent et des grillages ou des mo­tifs fa­çon Ar­le­quin quand elles oc­cupent l’en­semble de l’es­pace. De­vant deux oeuvres au mar­queur et à l’aé­ro­sol da­tées de 1968-69, on en­tend ré­son­ner telle phrase du peintre : « J’ai le sque­lette, mais des­sus, je mets la chair, ma chair (2). » Sur chaque croi­se­ment de lignes vient en ef­fet s’ac­cro­cher un point de pein­ture va­po­ri­sée qui adou­cit et anime la ri­gi­di­té de la trame en lui su­per­po­sant les flous de ses contours in­si­tuables. Dans d’autres des­sins, c’est un « gai­nage » (Fyfe) d’acry­lique ap­po­sé sur les lignes au mar­queur qui in­tro­duit le trem­blé et stra­ti­fie les plans – le mou­ve­ment et l’épais­seur de la vie. On n’en per­çoit que mieux les prin­cipes de cadre dans le cadre, de conca­té­na­tion ou d’en­fi­lade, d’em­boî­te­ment qui ré­gissent des oeuvres en ap­pa­rence plus ges­tuelles, mais aus­si les lignes en gerbes qui leur in­sufflent une di­rec­tion forte et les vides qui éta­blissent es­pa­ce­ments et res­pi­ra­tions, dans des es­paces à la fois mou­vants et te­nus. Kim­ber Smith (1922–1981) be­lon­ged to the se­cond ge­ne­ra­tion of New York School pain­ters and was one of the ma­ny Ame­ri­can ar­tists who spent time in France af­ter World War II. It was in Pa­ris, where he set­tled in 1954, the year of his first so­lo show in New York, that his work at­tai­ned ma­tu­ri­ty. Like his fel­low ex­pats Joan Mit­chell, Shir­ley Jaffe and Sam Fran­cis, his ex­pres­sive re­gis­ter was abs­tract, mar­ked by broad touches, free­dom of ges­ture, in­tense co­lor and fluid, rich paint. Not sur­pri­sin­gly, he fea­tu­red re­gu­lar­ly in the Jean Four­nier group shows bet­ween 1958, when the ar­tist met the gal­le­rist, and 1990. To­day, the gal­le­ry is at last put­ting on a so­lo show, a long­stan­ding pro­ject fi­nal­ly rea­li­zed here by a score of works on pa­per made bet­ween 1957 and 1975, se­lec­ted and hung by the pain­ter Joe Fyfe, with the co­ope­ra­tion of the ar­tist’s heirs. The co­he­rence of the en­semble is stri­king, not on­ly be­cause the for­mat ra­re­ly changes (around 60x40 cm) des­pite the va­rying qua­li­ties of pa­per (from the smooth pages from dra­wing pads to the grain of thi­cker, more ri­gid sheets), but al­so be­cause of the fact that the pain­ter did not dis­tin­guish bet­ween his works on pa­per and on can­vas and said he used the same brushes for both. If two gouaches and acry­lics from 1958 and 1959 (bud­ding co­lors fill the space) show Smith to be wor­king in the vein of abs­tract ex­pres­sio­nism, the han­ging clear­ly—but ne­ver sys­te­ma­ti­cal­ly or di­dac­ti­cal­ly—es­ta­blishes the spe­ci­fi­ci­ty of his ap­proach, in which, ap­pea­rances not­withs­tan­ding, the in­ter­est in struc­ture, for what “holds to­ge­ther”(1) out­weighs the po­wer of co­lor and sets up a ten­sion with the mo­ve­ments of the brush. This be­comes ap­pa­rent when loo­king at one of his re­cur­ring gra­phic traits, those zig­zag­ging lines like crests or teeth that form grids when they over­lap or a Har­le­quin-style lo­zenge pat­tern when they oc­cu­py the com­plete space. Seeing two works in mar­ker pen and spray paint da­ted 1968–69, the ar­tist’s words to the ef­fect that “I have the ske­le­ton, but over it I put the flesh, my flesh.”(2) At each in­ter­sec­tion of the lines a sprayed dot of paint sof­tens the ef­fect and en­li­vens the other­wise ri­gid frame by su­per­im­po­sing the blur of its in­de­ter­mi­nable contours. In other dra­wings we get a kind of “sheath” (J. Fyfe) of acry­lic on the lines in mar­ker ink which creates a qui­ve­ring ef­fect and stra­ti­fies the le­vels—the mo­ve­ment and thi­ck­ness of life. This on­ly brings out the prin­ciples of the frame wi­thin the frame, of conca­te­na­tion, en­fi­lade and in­ter­lo­cking that go­ver the works which seem on the sur­face to be more ges­tu­ral, but al­so the sprays of lines that ins­till a po­wer­ful sense of di­rec­tion and the emp­ty spaces that create in­ter­vals and pauses, in are­nas that are both mo­bile and contai­ned.

Trans­la­tion, C. Pen­war­den

Cette page / this page: Vues de l’ex­po­si­tion. 1957- 1975. (© Al­ber­to Ric­ci). Works on pa­per

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