Yo­ko Ono

Art Press - - EXPOSITIONS - Paul Ar­denne

Mu­sée d’art contem­po­rain / 9 mars - 10 juillet 2016 Yo­ko Ono est connue à deux titres, comme membre du col­lec­tif Fluxus, qu’elle fré­quente à New York du­rant les an­nées 1960 et comme l’épouse de John Len­non avec qui elle par­ta­gea plu­sieurs créa­tions mé­mo­rables – la cam­pagne d’af­fi­chage War is Over ! (If You Want It) (1969), contre la guerre du Viet­nam, no­tam­ment. Cette ré­tros­pec­tive, la pre­mière d’une telle am­pleur en France (com­mis­sa­riat de Thier­ry Ras­pail et de Jon Hen­dricks), par­ti­cipe de l’ac­tuelle ré­éva­lua­tion de la contre-culture in­ter­na­tio­nale post-da­daïste. Ses maîtres- mots ? Ren­ver­se­ment des va­leurs, créa­tion col­lec­tive, in­ven­ti­vi­té dé­bri­dée, abo­li­tion de toute fron­tière entre les genres ar­tis­tiques. La si­gna­ture de Yo­ko Ono, c’est la par­ti­ci­pa­tion. L’oeuvre d’art ne vaut qu’à être ac­ti­vée par le spec­ta­teur, l’ar­tiste joue le rôle, comme le di­sait Ly­gia Clark, du pro­po­si­tor. En 1955, avec Match Piece, Ono crée le prin­cipe des « Ins­truc­tions ». Au spec­ta­teur de réa­li­ser l’oeuvre pour ou à la place de l’ar­tiste, sur son im­pul­sion, qu’il s’agisse de créa­tion pic­tu­rale ou musicale. Peindre en en­fon­çant des clous sur une toile ( Pain­ting to Ham­mer a Nail, 1961), jouer sur un échi­quier to­ta­le­ment blanc ( Play It by Trust, 1966), es­ca­la­der une échelle afin de re­gar­der le ciel ou le pla­fond d’un peu plus près ( Cei­ling Pain­ting/ Yes Pain­ting, 1966), in­ven­ter une mé­lo­die à par­tir d’une consigne, créer de la mu­sique pour le Plas­tic Ono Band, le groupe que crée l’ar­tiste en 1968… Cette poé­tique par­ti­ci­pa­tive gé­nère un art ori­gi­nal, sou­vent faus­se­ment naïf, où la stra­té­gie es­thé­tique consiste à cas­ser le prin­cipe ca­no­nique de la contem­pla­tion. Cette « ma­nière » par­ti­cu­lière im­plique l’idée d’une com­mu­nau­té élar­gie, af­fec­tant à la créa­tion une des­ti­na­tion so­ciale. Autre sou­ci : mettre le spec­ta­teur face à lui-même en lui sug­gé­rant d’ex­pé­ri­men­ter des dis­po­si­tifs en­ga­geant mo­tri­ci­té et cé­ré­bra­li­té : tra­ver­ser des ri­deaux de perles ou une salle plon­gée dans le noir to­tal, s’en­fer­mer dans un sac au coeur d’une pièce éclai­rée à très forte in­ten­si­té, se confron­ter à un jeu de mi­roirs où n’ap­pa­raît que le vide ou la fi­gure d’au­trui mais ja­mais la nôtre (une an­ti­ci­pa­tion, dans l’ordre, de pro­po­si­tions ul­té­rieures si­gnées So­to, Jans­sens, Höl­ler, Creed…). Le ré­créa­tif triomphe, la bonne hu­meur li­bé­ra­trice de même. Le corps, notre corps, n’en est pas moins ins­tam­ment sol­li­ci­té, pres­sé de dé­pas­ser son ap­pré­hen­sion à tes­ter des si­tua­tions non conven­tion­nelles, que la vie quo­ti­dienne n’offre pas. La qua­li­té de l’oeuvre im­porte moins que son po­ten­tiel et sa ca­pa­ci­té à « ma­noeu­vrer » l’in­di­vi­du, de ma­nière tac­tique, en « éman­ci­pant » le spec­ta­teur. Pré­ci­sons que cette vo­lon­té de par­tage, très mar­quée par un ef­fet d’époque (les an­nées 1960-1970), flé­chit s’agis­sant des oeuvres plus ré­centes de l’ar­tiste. Freight Train, (1999-2000, oeuvre ré­ac­tua­li­sée en ex­té­rieur), pre­nant la forme d’un wa­gon de che­min de fer troué d’im­pacts de balles et éclai­ré de l’in­té­rieur, est ins­pi­rée par le mar­tyre de clan­des­tins mexi­cains re­trou­vés morts d’ina­ni­tion dans un conte­neur, à la fron­tière des États-Unis… Le mo­ment contem­po­rain re­prend ici ses droits. L’heure n’y est plus tou­jours à cet amour du pro­chain dont Yo­ko Ono au­ra fait son cre­do. Il im­porte donc de re­froi­dir les illu­sions. Yo­ko Ono (Ja­pan, 1933) is known as a fi­gure in the New York Fluxus mo­ve­ment du­ring the 1960s, and the wife of John Len­non, with whom she made ma­ny me­mo­rable crea­tions such as the 1969 War Is Over! (If You Want It) pos­ter cam­pai­gn. This sur­vey, the first of its breadth in France (cu­ra­ted by Thier­ry Ras­pail and Jon Hen­dricks) is part of the cur­rent ree­va­lua­tion of the post-Da­da in­ter­na­tio­nal coun­ter-culture, which sought to upend tra­di­tio­nal va­lues, pro­mote col­lec­tive and un­fet­te­red crea­ti­vi­ty, and abo­lish all the bor­ders bet­ween ar­tis­tic genres. Yo­ko Ono’s ar­tis­tic si­gna­ture is par­ti­ci­pa­tion. The pur­pose of an art­work is to be ac­ti­va­ted by the vie­wer, and, as Ly­gia Clark used to say, the role of the ar­tist is that of a “pro­po­si­tor.” With her 1955 Match Piece, Ono in­ven­ted the pro­ce­dure she cal­led “Ins­truc­tions.” Whe­ther vi­sual or mu­si­cal, it was up to the vi­si­tor to make the piece, for or ins­tead of the ar­tist, while fol­lo- wing the ar­tist’s in­di­ca­tions. For ins­tance, pain­ting by dri­ving nails in­to a can­vas ( Pain­ting To Ham­mer a Nail, 1961), playing on a to­tal­ly blank chess­board ( Play It By Trust, 1966), clim­bing up a lad­der to get a bet­ter look at the cei­ling or sky ( Cei­ling Pain­ting/Yes Pain­ting, 1966), com­po­sing a me­lo­dy ba­sed on ins­truc­tions and wri­ting mu­sic for the Plas­tic Ono Band she foun­ded in 1968. This par­ti­ci­pa­tive poe­tics ge­ne­rates an ori­gi­nal and fal­se­ly naïve art where the aes­the­tic stra­te­gy is to trash the ca­no­nic prin­ciple of contem­pla­tion. This ap­proach im­plies an ex­ten­ded com­mu­ni­ty in which crea­tion is a social act. Ano­ther of as­pect of her ap­proach is to bring vie­wers face to face with them­selves by en­cou­ra­ging them to en­gage phy­si­cal­ly and men­tal­ly in ac­tions like pas­sing th­rough a bead cur­tain or a to­tal­ly dark room, craw­ling in­to a bag in the middle of a ve­ry bright­ly ligh­ted space, and wal­king th­rough a hall of mir­rors where you di­sap­pear or see others but ne­ver your­self (a meme la­ter ap­pro­pria­ted by, in chro­no­lo­gi­cal or­der, So­to, Jans­sens, Höl­ler, Creed and others). This is re­crea­tio­nal crea­ti­vi­ty, li­be­ra­ting good hu­mor. Our body is cal­led in­to ac­tion and we are cal­led upon to get over our fears and test out un­con­ven­tio­nal si­tua­tions not of­fe­red by dai­ly life. The quality of the art­work is less im­por­tant than its po­ten­tial and ca­pa­ci­ty to ma­ni­pu­late in­di­vi­dual vie­wers, tac­ti­cal­ly spea­king, in or­der to eman­ci­pate them. This will to share so ty­pi­cal of its time (the 1960s) has di­mi­ni­shed in this ar­tist’s recent work. Freight Train (1999-2000), an out­doors piece, is a rail­way box­car ridd­led with bul­let holes and lit up from in­side, ins­pi­red by the deaths of Mexi­can ille­gal im­mi­grants found dead in a contai­ner near the Ame­ri­can bor­der. This piece is tru­ly of the mo­ment. It’s no lon­ger about lo­ving your neigh­bor, which Ono once made her cre­do. It re­flects to­day’s world of dam­pe­ned illu­sions.

Trans­la­tion, L-S Tor­goff

De haut en bas / from top:

1967 Yo­ko Ono au mi­lieu de son ins­tal­la­tion lors de l’ex­po­si­tion à la Lis­son Gal­le­ry, Londres, 1967. (Ph. Clay Per­ry © Yo­ko Ono). Ono at the Lis­son Gal­le­ry

1969 Af­fiche à Times Square, New York (© Yo­ko Ono). Pos­ter on Times Square

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