Ber­nard Buf­fet

Art Press - - EXPOSITIONS REVIEWS - Ri­chard Ley­dier

Mu­sée d’art mo­derne de la Ville de Pa­ris / 14 oc­tobre 2016 - 26 fé­vrier 2017 Ayant jusque-là peu fré­quen­té la pein­ture de Ber­nard Buf­fet (1928-1999), j’at­ten­dais de­puis long­temps qu’une ré­tros­pec­tive consé­quente nous per­mette en­fin de ju­ger sur pièces cet oeuvre si dis­cu­té. Cette ex­po­si­tion (vou­lue par Fa­brice Her­gott et or­ga­ni­sée par Do­mi­nique Ga­gneux) se dé­roule sur un mode chro­no­lo­gique. La pre­mière par­tie du par­cours est très sur­pre­nante. Les ta­bleaux de l’im­mé­diat après-guerre ré­vèlent un sens très sûr de la com­po­si­tion équi­li­brée. Les fi­gures se dis­tri­buent sur des fonds gris / blanc sale par­ti­cu­liè­re­ment tra­vaillés, comme sca­ri­fiés. Ils montrent la plu­part du temps des vues d’in­té­rieurs clos avec, par­fois, une fe­nêtre ou­vrant sur le ciel de Pa­ris. Les corps sont élan­cés, gris et cer­nés de noir, pour­vus de membres fi­li­formes ; ils oc­cupent un es­pace en gé­né­ral sou­mis à une pers­pec­tive sa­vante, tan­dis que les ob­jets (lits, chaises, tables…) s’en éman­cipent et bé­né­fi­cient d’un point de vue plus ver­ti­cal. Les vi­sages af­fichent quant à eux une ex­pres­sion neutre, tein­tée de mé­lan­co­lie. On re­tient de cette époque des ta­bleaux étranges, comme la Ra­vau­deuse de fi­lets (1948), ou mar­qués par un hié­ra­tisme qua­si by­zan­tin (la Cru­ci­fixion de 1951). Il y a alors chez Buf­fet quelque chose d’un pri­mi­ti­visme pro­to-Re­nais­sance, plu­tôt du cô­té des Flandres. Cette in­tui­tion se confirme avec les grands ta­bleaux (265 x 685 cm) de l’im­pres­sion­nante sé­rie Hor­reur de la guerre (1954). De­vant ces scènes de mas­sacres, on songe aux ju­ge­ments der­niers de Van der Wey­den ou de Bouts, mais aus­si, très ana­chro­ni­que­ment, aux sculp­tures de Jake et Dinos Chap­man. La cou­leur vive fait ici ir­rup­tion dans l’oeuvre de Buf­fet. Cet en­semble en marque à mon sens le zé­nith. L’ar­tiste a alors 26 ans et sa car­rière ne fait que dé­bu­ter. Du­rant les an­nées sui­vantes, quelques ta­bleaux s’im­posent, no­tam­ment dans la sé­rie hal­lu­ci­no­gène des Oi­seaux (1959), où de mons­trueux vo­la­tiles (sur)veillent des femmes nues dans un pay­sage, le bec poin­té vers le sexe ou­vert. Mais par la suite, Buf­fet semble avoir pro­mu une ap­proche dif­fé­rente, di­sons plus « ra­be­lai­sienne » et fri­vole. D’une part, sa ligne s’as­sou­plit, mais sur­tout les ex­pres­sions du vi­sage se di­ver­si­fient. Et lors­qu’il sort de son re­gistre d’émo­tions sté­réo­ty­pé, il confère à ses fi­gures une di­men­sion gro­tesque quand il vou­drait sus­ci­ter l’ef­froi, la co­lère, la sur­prise. Ce sont là des ex­pres­sions for­cées, sur­jouées, théâ­trales. De si­len­cieuse, la pein­ture en de­vient criarde. Ain­si des grands en­sembles consa­crés à l’En­fer de Dante (1976) ou à Vingt mille lieues sous les mers de Jules Verne (1989), et dont le grand for­mat peine à re­haus­ser les vi­sées illus­tra­tives. Il suf­fit de confron­ter la so­len­nelle Tête de clown de 1955 et les bruyants Clowns mu­si­ciens de 1991 pour me­su­rer ce que la pein­ture de Buf­fet a ( sciem­ment ?) per­du en che­min. The pain­tings of Ber­nard Buf­fet (1928–1999) had ra­ther pas­sed me by and I was wai­ting for a re­tros­pec­tive that would at last give me a chance to judge for my­self his much ma­li­gned work. This show (which Fa­brice Her­gott plan­ned and Do­mi­nique Ga­gneux has or­ga­ni­zed) is chro­no­lo­gi­cal. The first part is ve­ry sur­pri­sing. The pain­tings of the im­me­diate post-war years evince a ve­ry sure sense of ba­lance and com­po­si­tion. The fi­gures are dis­tri­bu­ted over gray/dir­ty white grounds whose wor­ked sur­faces seem al­most sca­ri­fied. Most are views of clo­sed in­te­riors, so­me­times with a win­dow gi­ving on­to the Pa­ris sky. The bo­dies are tall and thin, gray with black out­lines, their limbs wi­re­thin, while the space they oc­cu­py is seen in a com­plex pers­pec­tive in which the ob­jects (beds, chairs, tables, etc.) stand out, being seen from a more ver­ti­cal view­point. As for the faces, their ex­pres­sion seems neu­tral, tin­ged with me­lan­cho­ly. This per­iod leaves us with some strange pic­tures, such as La Ra­vau­deuse de fi­lets (Wo­man Men­ding Nets, 1948), or the al­most By­zan­tine, hie­ra­tic Cru­ci­fixion (1951). These works have a kind of pro­to-Re­nais­sance pri­mi­ti­vism, in the Fle­mish style, an im­pres­sion confir­med by the big pain­tings (265 x 685 cm) of the im­pres­sive Hor­reur de la guerre (Hor­ror of War) se­ries (1954). These mas­sacres bring to mind the Last Judg­ments of Van der Wey­den or in Bouts, but al­so, ve­ry ana­chro­nous­ly, the sculp­tures of Jake and Dinos Chap­man. Here, bright co­lor bursts in­to Buf­fet’s work. To my mind, this is where his art real­ly pea­ked. He was twenty-six, and just get­ting going. The oc­ca­sio­nal stan­douts from the next years in­clude the hal­lu­ci­no­ge­nic Oi­seaux pain­tings (1959) in which mons­trous birds with phal­lic beaks watch over na­ked wo­men lying, legs apart, in a land­scape. La­ter, Buf­fet seems to have shif­ted his ap­proach, be­co­ming more “Ra­be­lai­sian” and fri­vo­lous, one might say. For one thing, his line grows more supple and for ano­ther, most im­por­tant­ly, the fa­cial ex­pres­sions be­come more di­verse. When he de­parts from ste­reo­ty­ped emo­tions, the at­tempt to sug­gest fear, an­ger or sur­prise ends up loo­king me­re­ly gro­tesque. These ex­pres­sions are for­ced, over­done, thea­tri­cal. Where be­fore it was silent, the pain­ting be­comes shou­ty, as in the large en­sembles de­vo­ted to Dante’s Inferno (1976) or Jules Verne’s 20,000 Leagues un­der the Sea (1989), in which the large for­mat struggles to add to the illus­tra­tio­nal qua­li­ty. One need on­ly com­pare the so­lemn Tête de clown from 1955 with the noi­sy Clowns mu­si­ciens of 1991 to rea­lize how much Buf­fet’s pain­ting lost over the years. Did he know this?

Trans­la­tion, C. Pen­war­den

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