Give Me Yes­tet­day

Fon­da­tion Pra­da / 21 dé­cembre 2016 - 12 mars 2017

Art Press - - NEWS -

Give Me Yes­ter­day est l’ex­po­si­tion inau­gu­rale de l’Os­ser­va­to­rio, un espace de 800 m2 ni­ché au som­met de la Gal­le­ria Vit­to­rio Ema­nuele II de Mi­lan que la Fon­da­tion Pra­da dé­die à la pho­to­gra­phie contem­po­raine. Conçue par le jeune his­to­rien Fran­ces­co Za­not, elle s’in­té­resse aux nou­velles formes dia­ris­tiques. Dans leur mé­lange as­su­mé d’im­mé­dia­te­té et de dis­tance, de flux et de pro­gramme, les tra­vaux des qua­torze ar­tistes ex­po­sés semblent bien dif­fé­rents de ceux d’un Lar­ry Clark ou d’une Nan Gol­din, figures tu­té­laires de cette pho­to­gra­phie de l’in­time ca­rac­té­ri­sée par une au­then­ti­ci­té – par­fois, et sans doute à juste titre, mise en doute – ex­pri­mée en 1986 par Gol­din dans la Bal­lade de la dé­pen­dance sexuelle : « Pour moi, l’ins­tant où je pho­to­gra­phie n’éta­blit pas de dis­tance ; il me rend au contraire plus lu­cide et me per­met de me connec­ter avec mes émo­tions. » De fait, les tra­vaux ici pré­sen­tés de cer­tains de leurs « pro­té­gés », Ryan McGin­ley et Leigh Le­dare, montrent le che­min par­cou­ru. Le pre­mier pro­longe l’es­thé­tique de l’ins­tan­ta­né et l’ex­plo­ra­tion de la « tri­bu » qui sont au fon­de­ment du genre, mais vide ce der­nier de la gra­vi­té, voire du tra­gique, qui avait fi­ni par le ca­rac­té­ri­ser. Moins fun et gla­mour, la sé­rie que Le­dare consacre à sa mère, dont ne sont pas mon­trées les images les plus trans­gres­sives, rend compte d’une re­la­tion fi­liale sans ta­bou mais ne fait pas mys­tère de son in­ten­tion­na­li­té, dont té­moignent, par­mi d’autres in­dices, les va­ria­tions maî­tri­sées de modes (ins­tan­ta­né ou por­trait po­sé) et de for­mats. Que s’est-il pas­sé entre les an­nées 1970-80 et au­jourd’hui ? Un contrôle de l’image que Za­not met sur le compte de la conscience crois­sante, à l’ère des ré­seaux so­ciaux, de la pho­to­gra­phie comme ou­til de pré­sen­ta­tion et de re­pré­sen­ta­tion de soi et des autres. En dé­coulent des oeuvres am­bi­va­lentes, comme Thank You for Hur­ting Me, I Real­ly Nee­ded It (20082016), ac­cu­mu­la­tion de sel­fies pris sur dix ans par Me­la­nie Bo­na­jo à chaque fois qu’elle fon­dait en larmes. Pièce cen­trale de l’ex­po­si­tion, elle op­pose la sin­cé­ri­té d’un sen­ti­ment à la ré­pé­ti­tion d’une grille ty­po­lo­gique et à la théâ­tra­li­té, au sens de jeu, de cer­tains des au­to­por­traits. Sys­té­ma­tisme et mise en scène sont ain­si les nou­velles formes du journal pho­to­gra­phique. Le prouvent, res­pec­ti­ve­ment, Oriz­zonte in Ita­lia (2011-15) d’An­to­nio Ro­val­di, tour de la pé­nin­sule ita­lienne ayant pour mo­tif ré­pé­ti­tif la ligne d’ho­ri­zon, et la sai­sis­sante sé­rie Frowst ( 2013- 14) de Joan­na Pio­trows­ka. Ins­pi­rée par la thé­ra­pie fa­mi­liale de Bert Hel­lin­ger, dont les jeux de rôle doivent ré­vé­ler des trau­mas en­fouis, Pio­trows­ka fait re­jouer à ses mo­dèles des gestes in­times. Il res­sort de ce der­nier tra­vail, tout comme de ce­lui de Le­bo­hang Kga­nye, qui a res­sen­ti la né­ces­si­té de s’in­sé­rer nu­mé­ri­que­ment dans des por­traits de sa mère ré­cem­ment dé­cé­dée, que la mé­moire est de­ve­nue, plus qu’un ma­té­riau, un en­jeu ma­jeur de cette pho­to­gra­phie de l’in­time long­temps fon­dée sur l’ins­tant pré­sent.

Étienne Hatt

Give Me Yes­ter­day is the inau­gu­ral show at the Os­ser­va­to­rio, an 800 square-me­ter space de­vo­ted to contem­po­ra­ry pho­to­gra­phy, nest­led in­to the top of the Gal­le­ria Vit­to­rio Ema­nuele II in Mi­lan. Cu­ra­ted by the young his­to­rian Fran­ces­co Za­not, it in­ves­ti­gates new kinds of pho­to dia­ry. With this show’s de­li­be­rate mix of im­me­dia­cy and dis­tan­cing, free flow and pur­po­se­ful­ness, the work of the four­teen ar­tists on view seems ve­ry dif­ferent than that of Lar­ry Clark and Nan Gol­din, the tu­te­la­ry figures of the “pho­to­gra­phy of in­ti­ma­cy” cha­rac­te­ri­zed by the af­fir­ma­tion of au­then­ti­ci­ty—even though that is so­me­times ques­tio­ned, and right­ly so—as ex­pres­sed by Gol­din in her 1986 Bal­lad of Sexual De­pen­den­cy: “The ins­tant of pho­to­gra­phing, ins­tead of crea­ting dis­tance, is a mo­ment of cla­ri­ty and emo­tio­nal connection for me.” In fact, the work shown here by some of their suc­ces­sors such as Ryan McGin­ley and Leigh Le­dare in­di­cates how far the genre has come since then. McGin­ley conti­nues to ap­ply the aes­the­tics of spon­ta­nei­ty and the ex­plo­ra­tion of “tri­bal” sub­cul­tures that are at its core, but wi­thout the gra­vi­ty and air of tra­ge­dy that came to cha­rac­te­rize it. Le­dare’s se­ries of pho­tos of his mo­ther is less amu­sing and gla­mo­rous. Al­though his most trans­gres­sive pieces are not seen here, his work is a cli­ni­cal exa­mi­na­tion of a mo­ther-son re­la­tion­ship la­cking any red lines. Among the clues to its in­ten­tio­na­li­ty are the mas­ter­ful va­ria­tions of modes (snap­shot and po­sed por­trait) and for­mats. What hap­pe­ned to this genre bet­ween the 1970s and to­day? Pho­to­gra­phers have be­come more evi­dent­ly self-aware, which Za­not at­tri­butes to an in­crea­sing conscious­ness, spur­red on by the emer­gence of so­cial net­works, of pho­to­gra­phy as an ins­tru­ment for the pre­sen­ta­tion and re­pre­sen­ta­tion of the self and others. As a re­sult, there is much am­bi­va­lence to­day—for example, Thank You for Hur­ting Me I Real­ly Nee­ded It (2008-16), an ac­cu­mu­la­tion of sel­fies ta­ken over a de­cade by Me­la­nie Bo­na­jo eve­ry time she burst in­to tears. A cen­ter­piece of this ex­hi­bi­tion, the se­ries is dri­ven by the ten­sion bet­ween the sin­cere por­trayal of her fee­lings, on the one hand, and on the other the re­pe­ti­tive ty­po­lo­gi­cal grid in­to which the layout is in­ser­ted and the thea­tri­cal, ac­te­dout qua­li­ty of some of these self­por­traits. For­mal sys­te­mi­za­tion and self-aware sta­ging thus seem to be new in­gre­dients in dia­ris­tic pho­to­gra­phy. This is all the more evident in Oriz­zonte in Ita­lia (2011-15) by An­to­nio Ro­val­di, a tour of the Ita­lian pe­nin­su­la whose leit­mo­tif is the ho­ri­zon line, and the stri­king se­ries Frowst (2013-14) by Joan­na Pio­trows­ka. Ins­pi­red by the fa­mi­ly the­ra­py tech­niques de­ve­lo­ped by Bert Hel­lin­ger, which em­ploy role playing to bring out re­pres­sed trau­ma, Pio­trows­ka has her mo­dels ree­nact ve­ry per­so­nal mo­ments. There is a si­mi­lar ele­ment in the work of Le­bo­hang Kga­nye, who felt the need to di­gi­tal­ly in­sert him­self in­to his por­traits of his re­cent­ly de­cea­sed mo­ther. Clear­ly me­mo­ry has be­come more than ar­tis­tic raw ma­te­rial. It is now a cen­tral theme in it­self in this genre, the re­cor­ding of the pho­to­gra­pher’s pri­vate life that was for so long ba­sed on the im­me­dia­cy of the mo­ment.

Trans­la­tion, L-S Tor­goff

Joan­na Pio­trows­ka. « Frowst ». 2013-14. Vue de l’ex­po­si­tion « Give Me Yes­ter­day ». Ex­hi­bi­tion view

Newspapers in French

Newspapers from France

© PressReader. All rights reserved.