FRANCE Xa­vier Veil­han

Art Press - - AGENDA - Bas­tien Gal­let

Le pro­jet de Xa­vier Veil­han pour le pa­villon fran­çais est d’une sim­pli­ci­té trom­peuse : don­ner à voir et à en­tendre de la mu­sique en train de se faire. Non des concerts ou des per­for­mances, mais le pro­ces­sus si­nueux et in­cer­tain de la pro­duc­tion mu­si­cale, tous ces mo­ments – aux­quels l’au­di­teur n’a presque ja­mais ac­cès – où l’on cherche, in­vente, s’écoute et s’ac­corde, quels que soient les noms qu’on leur donne : ré­pé­ti­tions, séances d’en­re­gis­tre­ment, sound­checks, etc. L’idée pa­ra­doxale et fer­tile de Xa­vier Veil­han est qu’il faut, si l’on veut qu’émerge la chose mu­si­cale, construire un lieu, en l’oc­cur­rence un en­vi­ron­ne­ment ar­chi­tec­tu­ral et acous­tique dans le­quel des mu­si­ciens se­ront in­vi­tés à se ren­con­trer et à jouer. Au­tre­ment dit : qui veut faire en­tendre les tâ­ton­ne­ments créa­tifs de la mu­sique doit pro­duire l’es­pace de son jeu. À condi­tion évi­dem­ment que cet es­pace ne res­semble à au­cun des lieux où la mu­sique a pris l’ha­bi­tude de se faire : ni stu­dio d’en­re­gis­tre­ment, ni club, ni salle de concerts, le pa­villon fran­çais em­prun­te­ra à tous ces es­paces sans en co­pier au­cun. Le pre­mier mo­dèle de Xa­vier Veil­han a été, si­gni­fi­ca­ti­ve­ment, le Merz­bau de Kurt Sch­wit­ters : pré­ci­sé­ment un lieu que l’ar­tiste construi­sait en l’ha­bi­tant, un lieu où, peu à peu, la vie de­ve­nait vo­lumes et ar­chi­tec­ture. C’est ce seuil qu’il s’agit ici de rendre sen­sible, où quelque chose prend forme, un mo­tif re­pris puis va­rié, une idée par­ta­gée et dé­ve­lop­pée, un rythme ac­cé­lé­ré ou com­plexi­fié. Sans que l’on puisse s’as­su­rer à l’avance que tels mo­ments se pro­dui­ront. Ce sont aux mu­si­ciens qu’il ap­par­tien­dra de faire émer­ger ces formes. À l’ar­tiste, il n’ap­par­tient que de les réunir et d’in­ven­ter les con­di­tions de leur co­exis­tence fruc­tueuse. Le geste n’est pas nou­veau chez Xa­vier Veil­han, mais il prend là une forme par­ti­cu­liè­re­ment ra­di­cale. Om­ni­pré­sent, il n’est un dé­tail de leur en­vi­ron­ne­ment qu’il n’au­ra conçu et des­si­né. Ce­pen­dant, il s’ef­face et laisse les ac­teurs jouer li­bre­ment des lieux. Il faut en­tendre le verbe en tous ses sens : ils joue­ront en­semble parce qu’ils joue­ront avec, se sai­si­ront des ins­tru­ments dis­po­ni- bles ( acous­tiques et élec­tro­niques, ba­roques et mo­dernes, uniques et gé­né­riques) et fe­ront ré­son­ner les ar­chi­tec­tures, s’en­re­gis­tre­ront et pro­dui­ront en stu­dio des sons qu’ils em­por­te­ront avec eux ou lais­se­ront à d’autres. Le pa­villon fran­çais se­ra au­tant une conca­té­na­tion d’es­paces qu’un dis­po­si­tif à ins­tru­men­ter. L’uto­pie de Xa­vier Veil­han est une uchro­nie. Non parce qu’il vou­drait ima­gi­ner une autre his­toire pos­sible, mais parce que son pro­jet est de construire les con­di­tions d’un autre rap­port au temps. Pen­dant les 173 jours d’ou­ver­ture de la Biennale, les vi­si­teurs cir­cu­le­ront dans des es­paces conti­nû­ment ha­bi­tés par des mu­si­ciens qui s’ac­cor­de­ront, ex­pé­ri­men­te­ront, joue­ront, pas­se­ront d’un lieu à l’autre, dis­cu­te­ront, s’en­nuie­ront, pren­dront des notes, etc. Un temps non de spec­tacle ou de per­for­mance, mais de vie et de pro­duc­tion : où l’on ignore ce qui ar­ri­ve­ra, comment tel son se­ra en­ten­du, ce que le cla­ve­ci­niste, le D.J. ou le joueur de The­re­min en fe­ra, si l’on joue­ra en­semble plu­sieurs heures ou quelques mi­nutes… Une du­rée plus qu’un temps, es­sen­tiel­le­ment ou­verte à tous les pos­sibles.

Bas­tien Gal­let Xa­vier Veil­han’s pro­ject for the French Pa­vi­lion at Ve­nice is de­cep­ti­ve­ly simple: to al­low vi­si­tors to see and hear mu­sic as it is pro­du­ced, not in a concert or per­for­mance but in the twis­ting and ten­ta­tive pro­cess through which mu­sic is crea­ted—those times, al­most al­ways un­heard by au­diences, when mu­si­cians try out notes, lis­ten to each other and seek to har­mo­nize, no mat­ter what these mo­ments are cal­led: re­hear­sals, re­cor­ding ses­sions, sound checks, etc. Veil­han’s pa­ra­doxi­cal and fer­tile idea is to construct a site, in this case an ar­chi­tec­tu­ral and acous­ti­cal en­vi­ron­ment, where mu­si­cians are in­vi­ted to play so that au­diences can ex­pe­rience

the crea­tive pro­cess through which mu­sic emerges in­to the world. In other words, if you want to hear the ten­ta­tive ef­forts through which mu­sic is crea­ted, you have to build the right space for it to be played—but this space must not re­semble the places where that is ha­bi­tual­ly done, such as re­cor­ding stu­dios, clubs and concert halls. This ins­tal­la­tion in the French Pa­vi­lion bor­rows from all such spaces but is not an exact co­py of any of them. Veil­han’s ini­tial mo­del, si­gni­fi­cant­ly, was Kurt Sch­wit­ters’s Merz­bau, a place construc­ted by an ar­tist while in­ha­bi­ting it, where, slow­ly and conti­nuous­ly, a life ac­qui­red struc­tures and vo­lumes. What is made per­cep­tible in Veil­han’s piece is the thre­shold where so­me­thing takes shape, when a mo­tif ap­pears and is re­pea­ted, an idea sha­red and de­ve­lo­ped, a rhythm spee­ded up or made more com­plex, even though we can’t be sure, in ad­vance, that the thre­shold will ac­tual­ly be rea­ched on any par­ti­cu­lar oc­ca­sion. It’s up to the mu­si­cians to make that hap­pen. The ar­tist just brings them to­ge­ther and pro­duces the con­di­tions for them to work to­ge­ther fruit­ful­ly. This kind of thing is not new in Veil­han’s work, but here it takes a par­ti­cu­lar­ly ra­di­cal form. He is om­ni­present; there is no de­tail of the mu­si­cians’ en­vi­ron­ment that was not concei­ved and de­si­gned by him. And yet he wi­th­draws and lets the mu­si­cians ac­ti­vate the site as they play, in all the senses of the word: playing with and playing to­ge­ther, pi­cking up the ins­tru­ments left avai­lable for them (acous­tic and elec­tro­nic, ba­roque and mo­dern, unique and ge­ne­ric) and set­ting the struc­tures to re­so­nate, pro­du­cing and re­cor­ding in this stu­dio sounds they will take with them or leave to others. Thus the French Pa­vi­lion will be both a conca­te­na­tion of spaces and a playable ins­tru­ment. Veil­han’s uto­pia is a uchro­nia. Not be­cause he wants to ima­gine an al­ter­nate his­to­ry, but be­cause his pro­ject is to construct the con­di­tions for a dif­ferent re­la­tion­ship with time. Du­ring all of the 173 days of the Biennale, vi­si­tors will be able to walk through spaces conti­nuous­ly oc­cu­pied by mu­si­cians who will tune up, ex­pe­riment, play, move around, talk, get bo­red, take notes, etc. A per­iod not of per­for­mance but of li­ving and pro­du­cing, where no one knows what will hap­pen, how a par­ti­cu­lar sound will be heard, what the pia­nist or sin­ger will do with it, if they will play to to­ge­ther for se­ve­ral hours or a few mi­nutes… More a thick slice of time than a pre­cise mo­ment of it, open to eve­ry pos­si­bi­li­ty.

La pro­gram­ma­tion mu­si­cale de Stu­dio Ve­ne­zia est as­su­rée par Xa­vier Veil­han, Ch­ris­tian Mar­clay, En­ri­co Bet­ti­nel­lo, Oli­vier Lexa et Vic­tor Neb­bio­lo di Cas­tri. Bas­tien Gal­let est phi­lo­sophe et écri­vain. Il en­seigne à la Haute école des arts du Rhin (HEAR).

Page de gauche / page left: « Hé­té­ro­to­pies. Des avant-gardes dans l’art

contem­po­rain ». Re­flet dans un disque. Ex­po­si­tion en écho au dé­cor de l’Au­bette de Theo Van Does­burg (1928). Mu­sée d’Art mo­derne et contem­po­rain de Stras­bourg. (© Veil­han / ADAGP, Pa­ris, 2017. Ph. Ma­thieu Ber­to­la, Mu­sées de la Ville de Stras­bourg). Page de droite / page right: « Stu­dio Ve­ne­zia ». Ma­quette pré­pa­ra­toire (dé­tail). (© Veil­han. ADAGP, Pa­ris, 2017).

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