La dan­za scen­de in stra­da

A lun­go, trop­po a lun­go, è sta­ta con­si­de­ra­ta un’ar­te mi­no­re Ep­pu­re gua­da­gna ter­re­no, con­qui­stan­do pub­bli­co, spa­zi in tv: me­ri­to, an­che, di una fi­gu­ra ca­ri­sma­ti­ca co­me Ro­ber­to Bol­le. Che lan­cia a Milano un suo fe­sti­val e che ha par­te­ci­pa­to a una di­scus­sion

Corriere della Sera - La Lettura - - Il Dibattito Delle Idee - A cu­ra di ALES­SAN­DRO CAN­NA­VÒ e VA­LE­RIA CRIP­PA

Do­ve va la dan­za? Co­me vie­ne per­ce­pi­ta? Che cos’è cam­bia­to ri­spet­to al pas­sa­to? Di man­tra ne­ga­ti­vi ne ha avu­ti più d’uno, a co­min­cia­re dall’epi­te­to di «Ce­ne­ren­to­la del­le ar­ti» che la ve­de­va in fon­do a ogni clas­si­fi­ca. Mol­ti i mo­ti­vi di pes­si­mi­smo. La pro­gres­si­va chiu­su­ra di 9 dei 13 cor­pi di bal­lo del­le fon­da­zio­ni li­ri­che ha riem­pi­to le cro­na­che con ap­pel­li, rac­col­te di fir­me, scio­pe­ri, in­ter­pel­lan­ze par­la­men­ta­ri, pro­pa­gan­do la sen­sa­zio­ne di un «si­ste­ma dan­za ita­lia­na» ago­niz­zan­te. Nel­le pro­gram­ma­zio­ni e nel­le ri­par­ti­zio­ni del Fon­do uni­co del­lo spet­ta­co­lo (Fus) la dan­za ha a lun­go pa­ga­to, e con­ti­nua a pa­ga­re, il re­tag­gio cul­tu­ra­le ot­to­cen­te­sco, che la ve­de­va in Ita­lia ar­te an­cil­la­re ri­spet­to al­la li­ri­ca, al­la mu­si­ca, al tea­tro di pro­sa. Un sin­to­mo chia­ro del­la sud­di­tan­za cul­tu­ra­le in cui è te­nu­to il bal­let­to. E da ciò ec­co al­tra ne­ga­ti­vi­tà diffusa dal­lo schiac­cian­te con­fron­to con la Fran­cia, na­zio­ne so­rel­la, che ha trat­ta­to la dan­za, so­prat­tut­to quel­la con­tem­po­ra­nea, co­me ar­te d’im­por­tan­za prio­ri­ta­ria da so­ste­ne­re con in­ve­sti­men­ti cul­tu­ra­li ed eco­no­mi­ci. Un al­tro re­frain che ha ac­com­pa­gna­to la dan­za è sta­to l’eso­do all’este­ro di ge­ne­ra­zio­ni di bal­le­ri­ni.

Que­sti so­no al­cu­ni mo­ti­vi per cui la dan­za ha sti­mo­la­to, co­me rea­zio­ne, un at­teg­gia­men­to ne­ces­sa­rio di mi­li­tan­za cul­tu­ra­le da par­te di chi l’ha so­ste­nu­ta in Ita­lia — dan­za­to­ri, co­reo­gra­fi, ope­ra­to­ri. Per di­bat­te­re sul fu­tu­ro del­la dan­za «la Let­tu­ra» ha in­vi­ta­to a un fo­rum nel­la Sa­la Al­ber­ti­ni del «Cor­rie­re» l’étoi­le Ro­ber­to Bol­le (an­che di­ret­to­re ar­ti­sti­co del nuo­vo fe­sti­val OnDan­ce, a Milano dall’11 giu­gno); i co­reo­gra­fi Ariel­la Vi­da­ch e Ro­ber­to Zap­pa­là, di­ret­to­re di Sce­na­rio Pub­bli­co (Ca­ta­nia); Umberto An­ge­li­ni, so­vrin­ten­den­te del Tea­tro Gran­de di Bre­scia (e di­ret­to­re ar­ti­sti­co di Trien­na­le Tea­tro, del Fe­sti­val Uo­vo e Uo­vo­kids a Milano); Ri­no De Pa­ce, di­ret­to­re di Mi­la­nOl­tre; Ro­ber­to De Lel­lis (cu­ra­to­re del re­cen­te con­ve­gno di Vi­cen­za «L’im­pat­to sul­la dan­za del­la nuo­va leg­ge sul­lo spet­ta­co­lo dal vi­vo»). In di­ret­ta Sky­pe dall’Opé­ra di Parigi han­no par­te­ci­pa­to il pri­mo bal­le­ri­no Ales­sio Car­bo­ne, lea­der del grup­po Les Ita­liens de l’Opé­ra de Pa­ris, e il co­reo­gra­fo Si­mo­ne Va­la­stro.

Dall’os­ser­va­to­rio de «la Let­tu­ra» si col­go­no se­gna­li po­si­ti­vi. Su più fron­ti. Si è mol­to mo­di­fi­ca­ta l’at­ten­zio­ne nei con­fron­ti del­la dan­za da par­te del pub­bli­co e da par­te dei me­dia. Se pen­sia­mo al­la tv, la dan­za è sta­ta a lun­go re­le­ga­ta al­le fa­sce not­tur­ne dei pa­lin­se­sti, un’ar­te car­bo­na­ra per not­tam­bu­li, con l’ec­ce­zio­ne sto­ri­ca del­la glo­rio­sa Ma­ra­to­na

d’esta­te di Vit­to­ria Ot­to­len­ghi su Ra­iu­no che per vent’an­ni, dal 1978, il sa­ba­to al­le 13, ha fat­to co­no­sce­re Ba­lan­chi­ne e Cun­nin­gham, Bob Fos­se e Tw­y­la Tharp. Un ri­sul­ta­to, quin­di, sor­pren­den­te quel­lo re­gi­stra­to dal­le tra­smis­sio­ni tv di Ro­ber­to Bol­le su Ra­iu­no: Dan­za con me ha te­nu­to in­chio­da­ti al­la pol­tro­na, il 1° gen­na­io di que­st’an­no, quasi 5 mi­lio­ni di spet­ta­to­ri con una quan­ti­tà in­cre­di­bi­le di co­reo­gra­fie. Se vent’an­ni fa la dan­za su­sci­ta­va ben scar­so in­te­res­se sul­la stam­pa, og­gi, sem­pre più, la ve­dia­mo sul­le pri­me pa­gi­ne dei quo­ti­dia­ni o sul­le co­per­ti­ne dei ma­ga­zi­ne. Mol­to han­no fat­to le stel­le — in que­sto, ve­ri te­do­fo­ri perché por­ta­to­ri di lu­ce, fiam­ma, ener­gia — che han­no ca­ta­liz­za­to l’at­ten­zio­ne del pub­bli­co e re­so se­du­cen­te la dan­za. A co­min­cia­re da Ro­ber­to Bol­le.

RO­BER­TO BOL­LE — Ri­spet­to al con­tri­bu­to del­le stel­le al si­ste­ma dan­za, è pe­rò un pec­ca­to che i ri­sul­ta­ti di pub­bli­co del­le mie tra­smis­sio­ne in tv e dei ga­la Bol­le & Frien

ds non ab­bia­no avu­to un se­gui­to nell’in­ve­sti­men­to isti- tu­zio­na­le e cul­tu­ra­le sul mon­do del­la dan­za in ge­ne­re. In Ita­lia nul­la è au­to­ma­ti­co.

Lei è «prin­ci­pal» da die­ci an­ni dell’Ame­ri­can Bal­let Thea­tre. Ne­gli Usa ha por­ta­to, da im­pren­di­to­re ol­tre che da pro­ta­go­ni­sta, i suoi ga­la. Un con­fron­to tra il mer­ca­to del bal­let­to ita­lia­no e quel­lo sta­tu­ni­ten­se?

RO­BER­TO BOL­LE — So­no due mon­di di­ver­si, quasi op­po­sti. Cer­ta­men­te, pre­fe­ri­sco il no­stro, do­ve c’è un for­te so­ste­gno sta­ta­le che va pre­ser­va­to se non au­men­ta­to. Ne­gli Usa, una com­pa­gnia co­me l’Ame­ri­can Bal­let (Abt) ri­ce­ve l’1% di con­tri­bu­to sta­ta­le, equi­va­len­te a 250 mi­la dol­la­ri l’an­no: nien­te. Quin­di, pun­ta sui fi­nan­zia­men­ti pri­va­ti con una rac­col­ta di 20 mi­lio­ni di dol­la­ri tra spon­sor e do­na­to­ri. Pri­ma del­la cri­si del 2008 il 40% del bi­lan­cio pro­ve­ni­va dal­la ven­di­ta dei bi­gliet­ti, il 60% da spon­so­riz­za­zio­ni; do­po la per­cen­tua­le si è ca­po­vol­ta. Che co­sa si po­treb­be pren­de­re dall’espe­rien­za ame­ri­ca­na? RO­BER­TO BOL­LE — L’in­ten­so coin­vol­gi­men­to di spon­sor e do­na­to­ri con una po­li­ti­ca fi­sca­le age­vo­la­ta. Gli ame­ri­ca­ni so­no mae­stri nell’at­trar­re spon­so­riz­za­zio­ni pri­va­te: all’Abt tut­ti i primi bal­le­ri­ni han­no uno spon­sor che sbor­sa 35 mi­la dol­la­ri per ve­de­re il pro­prio no­me as­so­cia­to a quel­lo dell’ar­ti­sta. Gli spon­sor ven­go­no mol­to coin­vol­ti nel­la vi­ta dell’Abt, a li­vel­lo eco­no­mi­co e a li­vel­lo emo­ti­vo: ac­ce­do­no al back­sta­ge al ter­mi­ne de­gli spet­ta-

co­li, a le­zio­ni in sa­la bal­lo; co­sa che da noi non suc­ce­de mai. Ser­vi­reb­be­ro in Ita­lia più spon­sor che si pren­da­no a cuo­re un bal­le­ri­no, un de­ter­mi­na­to spet­ta­co­lo o che fi­nan­zi­no uno spa­zio pre­ci­so, co­me la sa­la fit­ness op­pu­re un ser­vi­zio di fi­sio­te­ra­pia. Al­la Sca­la, per esem­pio, non ab­bia­mo nul­la per il fit­ness, non ab­bia­mo pe­si, ma­te­ras­si­ni, let­ti­ni: sia­mo ri­ma­sti all’Ot­to­cen­to. Non ba­sta l’en­tu­sia­smo del pub­bli­co. È ne­ces­sa­ria una svol­ta di pro­spet­ti­va da par­te del­le isti­tu­zio­ni che am­mi­ni­stra­no il si­ste­ma dan­za.

UMBERTO AN­GE­LI­NI — Con­cor­do con Bol­le: non è un pro­ble­ma di spet­ta­to­ri. La mag­gior par­te dei di­ret­to­ri di tea­tri o di gran­di fe­sti­val italiani non ha com­pe­ten­za di dan­za e non di­mo­stra sen­si­bi­li­tà per il set­to­re. In un Pae­se in cui go­ver­na la leg­ge di po­si­zio­ne, que­sto pro­ble­ma, tra­sci­na­to per de­cen­ni, è di­ven­ta­to cro­ni­co. Cre­do for­te­men­te nel­la ne­ces­si­tà di in­ve­sti­men­to pub­bli­co nel­la cul­tu­ra. Non ho mai avu­to la for­tu­na di la­vo­ra­re in strut­tu­re do­ve il fi­nan­zia­men­to pub­bli­co fos­se al­to: sia al Tea­tro Gran­de di Bre­scia sia in Trien­na­le più del 60% del fat­tu­ra­to è da­to dai con­tri­bu­ti pri­va­ti. Se poi pen­so al­la mia at­ti­vi­tà di or­ga­niz­za­to­re in­di­pen­den­te, le ci­fre di­ven­ta­no in­fi­ni­te­si­ma­li. Il pub­bli­co c’è, in pro­por­zio­ne an­che più che per le at­ti­vi­tà di tea­tro, ma si fa fa­ti­ca a ri­co­no­scer­lo perché si­gni­fi­che­reb­be scar­di­na­re ren­di­te e sta­tus quo che que­sto Pae­se, in qual­sia­si set­to­re, ten­de a con­ser­va­re.

RO­BER­TO ZAP­PA­LÀ — C’è una gros­sa dif­fe­ren­za cul­tu­ra­le tra il si­ste­ma an­glo­sas­so­ne e il no­stro, perché il pri­mo fa le­va sul­la de­fi­sca­liz­za­zio­ne. Ve­dre­mo ora co­sa riu­sci­re­mo a ra­ci­mo­la­re in Ita­lia con l’Art Bo­nus (il cre­di­to d’im­po­sta per le ero­ga­zio­ni li­be­ra­li in de­na­ro a so­ste­gno del­la cul­tu­ra e del­lo spet­ta­co­lo, in­tro­dot­to dall’art 1 del D. L. 31.5.2014, n. 83, ndr). Noi di Sce­na­rio Pub­bli­co/ Com­pa­gnia Zap­pa­là Dan­za sia­mo uno dei tre cen­tri na­zio­na­li di pro­du­zio­ne, quin­di avre­mo la pos­si­bi­li­tà di per­ce­pi­re de­na­ri pri­va­ti. Da un pun­to di vi­sta crea­ti­vo e ar­ti­sti­co non fa­rei uno scam­bio al­la pa­ri tra pri­va­to e pub­bli­co, perché il so­ste­gno sta­ta­le è al­la ba­se del­la pos­si­bi­li­tà di crea­re in ma­nie­ra li­be­ra. Il pri­va­to ha bi­so­gno di un ri­scon­tro non so­lo eco­no­mi­co, ma so­prat­tut­to di con­sen­so. È que­sto che dob­bia­mo cer­ca­re. E poi non cre­do che in Ame­ri­ca nell’am­bi­to del­la dan­za con­tem­po­ra­nea ci sia sta­ta un’evo­lu­zio­ne. Ed è stra­no perché in Eu­ro­pa la ri­cer­ca è an­da­ta mol­to ol­tre.

ARIEL­LA VI­DA­CH — Ho vis­su­to a New York ne­gli an­ni Ot­tan­ta, ri­cor­do be­nis­si­mo che il Ci­ty Hall o il Ci­ty Cen­ter

era­no tap­pez­za­ti di tar­ghe di spon­sor. Da un cer­to pun­to di vi­sta lì c’è una gran­de par­te­ci­pa­zio­ne: il si­ste­ma fi­sca­le è age­vo­la­to e quin­di le im­pre­se pri­va­te han­no in­te­res­se a in­ve­sti­re in cul­tu­ra, in­ve­ce di pa­ga­re le tas­se. Que­sto ren­de il tes­su­to più aper­to: se la cit­ta­di­nan­za è coin­vol­ta, co­me se par­te­ci­pas­se in mo­do di­ret­to e quin­di co­me in­ve­sti­to­re, si sen­te più por­ta­ta a da­re at­ten­zio­ne al­la dan­za. Se pe­rò il pri­va­to smet­te, e il pub­bli­co non c’è, le com­pa­gnie chiu­do­no: que­sto è ca­pi­ta­to da un gior­no all’al­tro. For­se po­trem­mo pren­de­re il meglio: l’in­te­res­se da par­te dei pri­va­ti e la vo­glia di in­ve­sti­re po­treb­be por­ta­re at­ten­zio­ne a un lin­guag­gio che al­tri­men­ti è ve­ra­men­te di nic­chia. Ma se non ci so­no i fon­di pub­bli­ci che co­sa fac­cia­mo? Sen­za più ri­sor­se muo­re tut­to. Ov­via­men­te que­sta è una scel­ta po­li­ti­ca, ognu­no de­ve fa­re ciò che pen­sa sia meglio. Fa­re po­li­ti­ca cul­tu­ra­le si­gni­fi­ca pro­iet­tar­si nel fu­tu­ro.

RI­NO DE PA­CE — Dob­bia­mo an­che chie­der­ci co­me mai in Ita­lia ab­bia­mo im­pie­ga­to co­sì tan­to a ela­bo­ra­re l’Art Bo­nus in una for­ma che ac­co­glies­se an­che la dan­za. E non mi è an­co­ra chia­ro il mec­ca­ni­smo del­la de­du­ci­bi­li­tà per gli in­ve­sti­to­ri. È una po­li­ti­ca as­so­lu­ta­men­te scom­pen­sa­ta, so­prat­tut­to non chia­ra. L’al­tra que­stio­ne ri­guar­da la ge­stio­ne del­le spon­so­riz­za­zio­ni da par­te di gran­di isti­tu­zio­ni, co­me la Bien­na­le di Ve­ne­zia, e il re­la­ti­vo fra­zio­na­men­to per set­to­re. Mol­ti fon­di ven­go­no de­sti­na­ti al­la Mo­stra del Ci­ne­ma o a quel­le di Ar­ti Vi­si­ve, mol­ti me­no ai set­to­ri del­lo spet­ta­co­lo dal vi­vo, co­me la dan­za.

RO­BER­TO DE LEL­LIS — Ag­giun­go un’al­tra os­ser­va­zio­ne. Quel­lo che di­ce Bol­le è mol­to in­te­res­san­te e met­te il di­to in una pia­ga ita­lia­na: man­chia­mo di fi­gu­re pro­fes­sio­na­li, ca­pa­ci di fa­re que­sto la­vo­ro nel no­stro Pae­se. Spe­cial­men­te nel­la dan­za scar­seg­gia­no fi­gu­re di ma­na­ger, di or­ga­niz­za­to­ri com­pe­ten­ti. Si na­sce trop­po a bot­te­ga, si im­pa­ra il me­stie­re fa­cen­do gli or­ga­niz­za­to­ri di pic­co­le com­pa­gnie che len­ta­men­te cre­sco­no ma non si fa mai il pas­so ver­so una pro­fes­sio­na­li­tà ve­ra. È una gran­de ca­ren­za del si­ste­ma del­la dan­za. Man­ca­no fi­gu­re che rie­sca­no a pen­sa­re la dan­za in gran­de.

RO­BER­TO BOL­LE — For­se perché pri­ma non ce n’era bi­so­gno: fi­nan­zia­va tut­to lo Sta­to. Og­gi le sov­ven­zio­ni ta­glia­te non so­no sta­te com­pen­sa­te. Si ri­du­co­no i fon­di, si chiu­do­no le com­pa­gnie, ma non si fa nul­la per in­te­gra­re. Ales­sio Car­bo­ne, qual è la si­tua­zio­ne del mer­ca­to del bal­let­to ita­lo­fran­ce­se?

ALES­SIO CAR­BO­NE — Rap­pre­sen­to la pic­co­la real­tà del grup­po Les Ita­liens de l’Opé­ra de Pa­ris, non si può pa­ra­go­na­re al con­te­sto di cui par­la­te. Ma an­che noi, se fos- Il co­reo­gra­fo Vir­gi­lio Sie­ni (Fi­ren­ze, 1958) ha fon­da­to la sua com­pa­gnia nel 1992. Nel 2007 ha crea­to l’Ac­ca­de­mia sull’ar­te del ge­sto, ri­vol­ta ad ar­ti­sti e cit­ta­di­ni sull’idea di co­mu­ni­tà del ge­sto e sen­si­bi­li­tà dei luo­ghi che ispi­ra le azio­ni co­reo­gra­fi­che svi­lup­pa­te nel­le città in­sie­me ai suoi spet­ta­co­li. Ha di­ret­to la Bien­na­le Dan­za dal 2013 al 2016 si­mo so­li, non po­trem­mo an­da­re avan­ti sen­za aiu­ti con­cre­ti da par­te di pri­va­ti e tea­tri che ci com­pra­no gli spet­ta­co­li. L’ho ca­pi­to dal pri­mo spet­ta­co­lo a Ve­ne­zia, due an­ni fa. La no­stra gran­dis­si­ma for­tu­na è che sia­mo so­ste­nu­ti da un’as­so­cia­zio­ne di­ret­ta da Ber­trand du Vi­gnaud de Vil­le­fort (pronipote del pit­to­re Hen­ri de Tou­lou­seLau­trec, ndr), me­ce­na­te fran­ce­se di mo­nu­men­ti sto­ri­ci: sen­za di lui i tour sa­reb­be­ro im­pos­si­bi­li. Qual­che an­no fa ho in­con­tra­to il mi­ni­stro Da­rio Fran­ce­schi­ni all’Am­ba­scia­ta d’Ita­lia di Parigi, si è di­mo­stra­to mol­to di­spo­ni­bi­le: noi sia­mo fran­ce­si re­si­den­ti, dun­que non ab­bia­mo avu­to una sov­ven­zio­ne ita­lia­na, ma ci è sta­ta con­ces­sa l’una tan­tum per i viag­gi. Mal­gra­do ri­ce­va la me­tà del­la sov­ven­zio­ne glo­ba­le del­la dan­za in Fran­cia, non esi­ste­reb­be nean­che il Bal­let de l’Opé­ra sen­za il grup­po di spon­sor Arop (As­so­cia­tion pour le Rayon­ne­ment de l’Opé­ra de Pa­ris, ndr). La de­fi­sca­liz­za­zio­ne in Fran­cia am­mon­ta al 70%: lo spon­sor non dà i sol­di all’Opé­ra ma all’as­so­cia­zio­ne che de­du­ce fi­scal­men­te e si oc­cu­pa di com­pra­re un set per il tea­tro o di pa­ga­re i vo­li del­le tour­née.

A par­te i ca­si spe­ci­fi­ci in­ter­na­zio­na­li, par­lia­mo del­la leg­ge sul­lo spet­ta­co­lo dal vi­vo: at­te­sa da 71 an­ni, è sta­ta ap­pro­va­ta lo scor­so no­vem­bre e po­treb­be apri­re il si­ste­ma dan­za a nuo­ve pro­spet­ti­ve, le com­mis­sio­ni stan­no la­vo­ran­do per i de­cre­ti at­tua­ti­vi. Sull’im­pat­to del­la leg­ge si è oc­cu­pa­to il re­cen­te con­ve­gno di Vi­cen­za, cu­ra­to da De Lel­lis. Che cos’è emer­so?

RO­BER­TO DE LEL­LIS — È im­por­tan­te sot­to­li­nea­re che i sol­di so­no una par­te del pro­ble­ma. L’al­tra è do­ve van­no a fi­ni­re e per che co­sa. Se non esi­ste un chia­ro obiet­ti­vo, un pro­get­to su cui in­ve­sti­re il de­na­ro, fa­tal­men­te si per­de nel nul­la. Quan­do Bol­le par­la dell’im­por­tan­za del­le spon­so­riz­za­zio­ni ne­gli Sta­ti Uni­ti è perché lì esi­sto­no pro­get­ti che attirano sol­di e c’è qual­cu­no che li ela­bo­ra. In que­sto mo­men­to la dan­za, per com’è in Ita­lia, non è at­trat­ti­va. A par­te Bol­le che è un fe­no­me­no a sé. Man­ca un’idea di si­ste­ma. A Parigi esi­ste un tea­tro per la gran­de dan­za in­ter­na­zio­na­le, lo Chail­lot di Parigi; un tea­tro co­sì a Milano sa­reb­be un po­lo d’at­tra­zio­ne per pub­bli­co e spon­sor. I cen­tri di pro­du­zio­ni per la dan­za so­no tre e for­se di­ven­te­ran­no qual­cu­no in più, pe­rò non so­no suf­fi­cien­ti a co­strui­re la re­te che esi­ste in Fran­cia. Se non c’è que­sto di­se­gno, ri­ma­nia­mo le­ga­ti a po­che, pic­co­le ec­cel­len­ti real­tà e lo spon­sor non per­ce­pi­sce la mas­sa cri­ti­ca, cioè l’idea di un set­to­re emer­gen­te. Pe­rò l’idea di un cen­tro na­zio­na­le non fa par­te del Dna ita­lia­no. RO­BER­TO DE LEL­LIS — Esi­ste nel­la pro­sa. RI­NO DE PA­CE — Il Pic­co­lo Tea­tro di Milano, ad esem­pio. Par­lia­mo ora del rap­por­to con il ter­ri­to­rio: la dan­za può an­che bo­ni­fi­car­lo so­cial­men­te? RO­BER­TO ZAP­PA­LÀ — Quan­do, 27 an­ni fa, so­no ri­tor­na­to in Si­ci­lia, mi han­no pre­so per fol­le. Aver ac­qui­sta­to la strut­tu­ra di Sce­na­rio Pub­bli­co a Ca­ta­nia e, do­po 12 an­ni, aver avu­to il ri­co­no­sci­men­to dal mi­ni­ste­ro co­me cen­tro di pro­du­zio­ne na­zio­na­le, ha fat­to no­ti­zia. Cre­do che il ter­ri­to­rio sia sta­to par­zial­men­te bo­ni­fi­ca­to. Quan­do ho ini­zia­to, Pa­ler­mo era 10 an­ni avan­ti a Ca­ta­nia: là ar­ri­va­va­no For­sy­the, Neu­meier, Pi­na Bau­sch. Ora la gran­de dan­za è spa­ri­ta a Pa­ler­mo e a Ca­ta­nia non è mai esi­sti­ta perché non ci so­no le ri­sor­se. Ma at­tra­ver­so il cen­tro di pro­du­zio­ne e il no­stro la­vo­ro si è crea­to un pub­bli­co ab­ba­stan­za nu­me­ro­so. So­no uno dei fau­to­ri del­la na­sci­ta di al­tri cen­tri na­zio­na­li in al­tre re­gio­ni, ma mai a di­sca­pi­to di quel­li che già esi­sto­no. Quan­to agli spon­sor, è chia­ro che Milano ha una pro­pen­sio­ne ben di­ver­sa ri­spet­to a Ca­ta­nia.

RO­BER­TO BOL­LE — Da un an­no il Bal­let­to del­la Sca­la è so­ste­nu­to da Milano per la Sca­la, un’as­so­cia­zio­ne na­ta per aiu­ta­re le pro­du­zio­ni di dan­za. Il pro­ces­so è dun­que ini­zia­to, va so­lo in­cen­ti­va­to.

UMBERTO AN­GE­LI­NI — In real­tà, ne­gli Sta­ti Uni­ti il gran­de in­ve­sti­men­to pub­bli­co vie­ne fat­to su in­no­va­zio­ne e ri­cer­ca, una sen­si­bi­li­tà che il no­stro Pae­se non ha. Perché non c’è al­cun ten­ta­ti­vo di scar­di­na­re il si­ste­ma esi­sten­te. Se­con­do me è as­so­lu­ta­men­te na­tu­ra­le che un cen­tro di pro­du­zio­ne na­sca a Ca­ta­nia piut­to­sto che a Milano perché sca­tu­ri­sce dal­le bio­gra­fie. Non è un caso che sia pro­prio il Tea­tro Gran­de di Bre­scia che di­ri­go a ospi­ta­re e, a vol­te, a pro­dur­re, For­sy­the, Za­kha­ro­va, Guil­lem, McG­re­gor, Du­bois; e che ciò non av­ven­ga a Milano. Non è un pro­ble­ma eco­no­mi­co ma di scel­te, in una di­re­zio­ne piut­to­sto che in un’al­tra. Poi c’è un di­scor­so ar­ti­sti­co: l’ar­te con­tem­po­ra­nea, ne­gli ul­ti­mi an­ni, ha co­min­cia­to a in­ve­sti­re, pro­muo­ve­re o pre­sen­ta­re ar­ti­sti di dan­za o per­for­ma­ti­vi che noi pro­po­nia­mo da 15 an­ni. C’è un gi­gan­te­sco pro­ble­ma del si­ste­ma strut­tu­ra­to che fa­ti­ca a co­glie­re ele­men­ti non so­lo più in­te­res­san­ti, ma an­che main­stre

am, perché stia­mo par­lan­do di ar­ti­sti abi­tual­men­te in sce­na al Pom­pi­dou e al Théâ­tre de la Vil­le di Parigi, al Bar­bi­can e al­la Ta­te di Lon­dra. Non nel ga­ra­ge di San Pie­tro­bur­go. È il con­ser­va­to­ri­smo di un si­ste­ma, con­sa­pe­vo­le del man­te­ni­men­to del potere, che evi­ta di met­ter­si in gio­co, di ra­gio­na­re den­tro un mer­ca­to aper­to e com­pe­ti­ti­vo. Ed è an­che un pro­ble­ma di ca­pa­ci­tà di vi­sio­ne ar­ti­sti­ca: e qui pos­sia­mo ra­gio­na­re sui pro­ces­si for­ma­ti­vi e sul ruo­lo del­le scuo­le di dan­za e de­gli or­ga­niz­za­to­ri.

RO­BER­TO BOL­LE — Nean­che in un’isti­tu­zio­ne co­me la Sca­la ven­go­no in­cen­ti­va­ti nuo­vi co­reo­gra­fi, nuo­vi ta­len­ti. Se vie­ne pro­dot­to uno spet­ta­co­lo è di un gran­de co­reo­gra­fo af­fer­ma­to che sap­pia at­trar­re pub­bli­co, non cer­to di un gio­va­ne emer­gen­te.

Vo­le­va­mo af­fron­ta­re que­st’ar­go­men­to con Si­mo­ne Va­la­stro, scel­to da Be­n­ja­min Mil­le­pied, ex di­ret­to­re del Bal­let de l’Opé­ra, per crea­re una co­reo­gra­fia per il

Gar­nier. Qua­li op­por­tu­ni­tà le so­no sta­te da­te a Parigi per cre­sce­re?

SI­MO­NE VA­LA­STRO — Mil­le­pied mi è dav­ve­ro ve­nu­to in aiu­to, ap­pli­can­do l’at­teg­gia­men­to di so­sten­go ver­so i gio­va­ni ta­len­ti ti­pi­co de­gli Sta­ti Uni­ti, do­ve Be­n­ja­min è cre­sciu­to pro­fes­sio­nal­men­te. In Fran­cia non è as­so­lu­ta­men­te co­sì. Il pro­get­to dell’ac­ca­de­mia co­reo­gra­fi­ca di Mil­le­pied (di­ret­to­re a Parigi dal 2014 al 2016, ndr) era un’idea ec­cel­len­te, per­met­te­va di svi­lup­pa­re gio­va­ni co­reo­gra­fi all’in­ter­no del­la com­pa­gnia pren­den­do an­che dei ri­schi. Sen­za Mil­le­pied non avrei mai avu­to la gran­de op­por­tu­ni­tà di ave­re per me la sce­na dell’Opé­ra Gar­nier con un bal­let­to di 35 mi­nu­ti, crea­to l’an­no scor­so. L’ac­ca­de­mia di Mil­le­pied è or­mai chiu­sa, perché la di­ret­tri­ce Au­ré­lie Du­pont ha de­ci­so di non pro­se­gui­re.

A New York esi­ste il Cho­reo­gra­phic In­sti­tu­te fon­da­to nel 2000, ma non so­lo. A un’al­lie­va di­ciot­ten­ne del­la School of Ame­ri­can Bal­let, Gianna Rei­sen, è sta­ta com­mis­sio­na­ta una crea­zio­ne per il New York Ci­ty Bal­let. Nel­le no­stre accademie non suc­ce­de… RO­BER­TO BOL­LE — No, ed è un ve­ro pec­ca­to. A Lon­dra, ad esem­pio, ac­ca­de che una vol­ta all’an­no (non sul pal­co prin­ci­pa­le del Co­vent Gar­den, ma in una sa­la più pic­co­la all’in­ter­no del­la Royal Ope­ra Hou­se) dan­za­to­ri del Royal Bal­let pre­sen­ti­no pro­prie co­reo­gra­fie. A New York al­cu­ni bal­le­ri­ni dell’Ame­ri­can Bal­let l’han­no fat­to al Joy­ce Thea­tre, non al Me­tro­po­li­tan. Al Bal­let­to di Stoc­car­da of­fro­no con più fa­ci­li­tà ai gio­va­ni au­to­ri il pal­co­sce­ni­co prin­ci­pa­le. Se ac­ca­des­se in Ita­lia sa­reb­be im­por­tan­te non so­lo per i co­reo­gra­fi ma an­che per il pub­bli­co, che po­treb­be ve­de­re lin­guag­gi di­ver­si dal su­per­clas­si­co. Ec­co, que­sto ci por­ta ad apri­re una ri­fles­sio­ne su quel­lo che suc­ce­de nel­la dan­za con­tem­po­ra­nea.

RI­NO DE PA­CE — Per es­se­re un fe­sti­val po­co fi­nan­zia­to, Mi­la­nOl­tre in­ve­ste mol­to sul­le nuo­ve ge­ne­ra­zio­ni: una no­stra se­zio­ne è in­ti­to­la­ta Ve­tri­na Ita­lia do­ma­ni e ac­co­glie nuo­vi pro­get­ti di emer­gen­ti as­so­lu­ti op­pu­re di dan­za­to­ri che de­ci­do­no di met­ter­si al­la pro­va nell’am­bi­to del­la co­reo­gra­fia. Pro­ven­go­no dal cen­tro di Zap­pa­là, dall’ac­ca­de­mia di Su­san­na Bel­tra­mi, ma an­che dal Bal­let­to del­la Sca­la, di cui fan­no par­te i dan­za­to­ri Ste­fa­nia Bal­lo­ne e Mat­teo Ga­vaz­zi, a Mi­la­nOl­tre in ve­ste di au­to­ri. Ci bar­ca­me­nia­mo per por­ta­re a ca­sa un ri­sul­ta­to e ar­ric­chi­re il tes­su­to del­la crea­zio­ne con­tem­po­ra­nea, al­tri­men­ti re­ste­rem­mo at­tac­ca­ti ai so­li­ti no­mi af­fer­ma­ti. È un ri­schio che un fe­sti­val de­ve cor­re­re.

ARIEL­LA VI­DA­CH — Quan­do so­no tor­na­ta da­gli Sta­ti Uni­ti, era la fi­ne de­gli an­ni Ot­tan­ta, la com­mis­sio­ne dan­za del mi­ni­ste­ro non esi­ste­va (è sta­ta co­sti­tui­ta nel 1997). Era la mu­si­ca che giu­di­ca­va. La dan­za co­me ar­te a sé non era nean­che ri­co­no­sciu­ta. Ri­cor­do di aver con­se­gna­to a Wal­ter Vel­tro­ni un do­cu­men­to re­dat­to da un nu­cleo di co­reo­gra­fi (clas­se ’60) di dan­za di ri­cer­ca, tra cui Ab­bon­dan­za Ber­to­ni e So­sta Pal­mi­zi, in cui si era vo­lu­to de­fi­ni­re il ter­mi­ne di «dan­za d’au­to­re» perché non ci si sen­ti­va col­lo­ca­ti e ri­co­no­sciu­ti. Na­sce­va al­lo­ra la dan­za d’au­to­re ita­lia­na. Si cer­ca­va un’iden­ti­tà ita­lia­na, perché mol­ti di­ven­ta­va­no epi­go­ni di Pi­na Bau­sch. Pro­ba­bil­men­te l’in­te­res­se per la dan­za ini­ziò pro­prio con Pi­na Bau­sch.

ARIEL­LA VI­DA­CH — Pe­rò bi­so­gna an­che ri­cor­da­re che Bau­sch ven­ne a New York e mez­za sa­la uscì.

RO­BER­TO ZAP­PA­LÀ — Ac­ca­de­va an­che a Parigi. ARIEL­LA VI­DA­CH — In quel mo­men­to ci sia­mo ri­co­no­sciu­ti co­me italiani-ri­cer­ca­to­ri. La dan­za è ar­te e si in­ter­ro­ga su qua­li nuo­ve stra­de da per­cor­re­re, in che mo­do si può cre­sce­re ed eman­ci­par­si dai gran­di mae­stri. C’è dav­ve­ro una dan­za ita­lia­na? Ci sia­mo po­sti il pro­ble­ma. Da do­cen­te, ve­do cre­sce­re le ge­ne­ra­zio­ni e ho la for­tu­na di ave­re uno spa­zio al­la Fab­bri­ca del Va­po­re di Milano do­ve pos­so ac­co­glier­li, pe­rò mi ren­do con­to che c’è una cri­si in at­to. No­no­stan­te le re­si­den­ze creative, i fi­nan­zia­men­ti non so­no mai ab­ba­stan­za. Co­min­cia­no pe­rò a iden­ti­fi­car­si nuo­ve per­so­na­li­tà ar­ti­sti­che che so­no ge­ne­ra­te da que­sto Pae­se. Mi è ve­nu­to da chie­de­re ai ra­gaz­zi: che co­sa vor­re­ste? Mi han­no ri­spo­sto: po­ter sba­glia­re di più. La ri­cer­ca è an­che que­sto. Di­pen­de sem­pre dal nu­me­ro di op­por­tu­ni­tà che ti ven­go­no of­fer­te. ARIEL­LA VI­DA­CH — Quan­do si di­ce di in­ve­sti­re sul­la ri­cer­ca, non ci si de­ve aspet­ta­re il ri­sul­ta­to do­ma­ni, perché ci vuole tem­po af­fin­ché qual­co­sa di nuo­vo na­sca. È un in­ve­sti­men­to a per­de­re, se lo si pen­sa per un ri­sul­ta­to im­me­dia­to. RO­BER­TO ZAP­PA­LÀ — In Ita­lia, a li­vel­lo crea­ti­vo, c’è un ot­ti­mo pa­no­ra­ma au­to­no­mo di co­reo­gra­fi. Lo pa­ra­go­no al­la no­stra cu­ci­na, la mi­glio­re al mon­do perché è ric­ca di spe­cia­li­tà re­gio­na­li. Vi­via­mo in real­tà to­tal­men­te di­ver­se, la Si­ci­lia è una ter­ra san­gui­gna che ha de­ter­mi­na­to un al­tro ti­po di lin­guag­gio ri­spet­to a Milano o a Fi­ren­ze. Un aiu­to per i gio­va­ni co­reo­gra­fi po­treb­be ar­ri­va­re dal­le gran­di isti­tu­zio­ni, co­me la Sca­la e gli al­tri tre cor­pi di bal­lo ri­ma­sti nel­le fon­da­zio­ni li­ri­che. Lei in pas­sa­to ha crea­to per la Scuo­la di Bal­lo del­la Sca­la...

RO­BER­TO ZAP­PA­LÀ — È sta­to mol­to tem­po fa, Bol­le era un ra­gaz­zi­no, an­che Ales­sio Car­bo­ne l’ho co­no­sciu­to al­lo­ra. In­som­ma, man­ca un pro­get­to ge­ne­ra­le del­la dan­za. Ma non c’è pa­ra­go­ne ri­spet­to a 15 an­ni fa, è sta­to fat­to un gran­de pas­so avan­ti, al­tri­men­ti non si ar­ri­va da nes­su­na par­te. Il so­ste­gno ai gio­va­ni è le­git­ti­mo, ben­ché la no­stra ge­ne­ra­zio­ne non l’ab­bia avu­to. Pe­rò sia­mo an­co­ra sul mer­ca­to… Perché sie­te più co­ria­cei…

RO­BER­TO ZAP­PA­LÀ — Esat­to, ab­bia­mo una tem­pra di­ver­sa. Og­gi c’è fin trop­po so­ste­gno ai gio­va­ni, che pe­rò di­ven­ta­no vec­chi in un an­no se non tro­va­no col­lo­ca­zio­ne per man­can­za di sol­di. Quan­do si par­la di gran­di pro­du­zio­ni, a par­te il Théâ­tre de la Vil­le di Parigi, Mi­la­nOl­tre e 4 o 5 tea­tri che ci pos­so­no ospi­ta­re, non è pos­si­bi­le gi­ra­re in Ita­lia, non ci so­no i fon­di.

UMBERTO AN­GE­LI­NI — Al Tea­tro Gran­de di Bre­scia per­ce­pia­mo un con­tri­bu­to per la dan­za che è me­no di 50 mi­la eu­ro l’an­no su una spe­sa che su­pe­ra i 500 mi­la eu­ro. Un pa­no­ra­ma le­ga­to al­lo spon­ta­nei­smo e al­la for­za in­di­vi­dua­le de­no­ta ric­chez­za, ma an­che man­can­za di una vi­sio­ne di Pae­se. Non a caso in Fran­cia e in Gran Bre­ta­gna mol­te agen­zie fan­no ca­po al mi­ni­ste­ro de­gli Este­ri, perché la cul­tu­ra è la prin­ci­pa­le for­ma di di­plo­ma­zia. Que­sto è il pro­ble­ma: se un ar­ti­sta ita­lia­no va all’este­ro dif­fi­cil­men­te tro­va un in­ter­lo­cu­to­re ne­gli Isti­tu­ti di Cul­tu­ra italiani; quan­do in­ve­ce io vo­glio in­vi­ta­re un ar­ti­sta stra­nie-

ro, mi ri­vol­go al con­so­la­to, all’am­ba­scia­ta o all’isti­tu­to di cul­tu­ra del suo Pae­se perché so che poi avrò so­ste­gno e una pos­si­bi­li­tà di scam­bio.

Qual è la re­la­zio­ne con ti­pi di pub­bli­co di­ver­si, pro­gram­man­do per il Gran­de di Bre­scia, la Trien­na­le Tea­tro, Uo­vo e Uo­vo­kids? UMBERTO AN­GE­LI­NI — Par­to da un pro­fon­do ri­spet­to per gli ar­ti­sti e per il pub­bli­co: stes­so trat­ta­men­to, sul pro­gram­ma di sa­la o sul si­to pub­bli­co, per For­sy­the e per un di­ciot­ten­ne al suo pri­mo spet­ta­co­lo. Cer­co di co­strui­re con il pub­bli­co un rap­por­to di fi­du­cia. Quan­do so­no ar­ri­va­to a Bre­scia c’era so­lo una pro­gram­ma­zio­ne d’ope­ra, mai di dan­za. Og­gi l’ab­bia­mo e il pub­bli­co un­der 30 su­pe­ra il 35%: dif­fi­cil­men­te scen­dia­mo sot­to le 800 per­so­ne a se­ra su un tea­tro di 970 po­sti, con pic­chi da due­mi­la spet­ta­to­ri per due da­te di For­sy­the. Fin dall’ini­zio ho fat­to pat­ti se­gre­ti con gli ar­ti­sti. For­sy­the è sta­to uno di que­sti: gli ho chie­sto di ve­ni­re non con gli ul­ti­mi la­vo­ri, ma con i primi o co­mun­que non re­cen­tis­si­mi, in mo­do che il pub­bli­co po­tes­se guar­da­re la co­stru­zio­ne del suo pro­ces­so d’ar­ti­sta. RO­BER­TO ZAP­PA­LÀ — È l’im­por­tan­za del re­per­to­rio. UMBERTO AN­GE­LI­NI — Ma an­che la par­ti­co­la­ri­tà di una vi­sio­ne: non so­lo le pri­mi­zie del mer­ca­to. Che è poi un im­pe­ra­ti­vo per i fe­sti­val. UMBERTO AN­GE­LI­NI — An­che una jat­tu­ra, perché si­gni­fi­ca ri­nun­cia­re al­la vi­si­bi­li­tà che riserva la stam­pa a una «pri­ma». In Trien­na­le il per­cor­so è si­mi­le e tut­ta­via op­po­sto perché il tea­tro si tro­va all’in­ter­no di un’isti­tu­zio­ne cul­tu­ra­le di de­si­gn e ar­chi­tet­tu­ra, na­ta nel 1933, cioè qua­rant’an­ni pri­ma del Pom­pi­dou, con una vi­sio­ne uni­ca per l’epo­ca.

RO­BER­TO DE LEL­LIS — Le buo­ne no­ti­zie so­no che esi­sto­no spa­zi nuo­vi di col­la­bo­ra­zio­ne tra tea­tro e dan­za, con pos­si­bi­li­tà di pro­du­zio­ni con­di­vi­se che, in al­cu­ni ca­si, si stan­no già ve­ri­fi­can­do: Ater­bal­let­to sta pro­du­cen­do nuo­vi bal­let­ti con il Tea­tro Bel­li­ni di Na­po­li e con lo Sta­bi­le del Ve­ne­to. È un’op­por­tu­ni­tà da co­glie­re di cui po­co ci sia­mo ac­cor­ti nel mon­do del­la dan­za. Sa­reb­be an­che in­te­res­san­te che i fe­sti­val si par­las­se­ro tra di lo­ro e co­sti­tuis­se­ro una re­te per pro­dur­re in­sie­me ogni an­no due o tre co­reo­gra­fi in un pro­get­to co­mu­ne. Il pro­ble­ma è un pro­get­to ge­ne­ra­le di si­ste­ma che crei, nei mo­men­ti di cri­si, una re­te cui ag­grap­par­si. È il mo­men­to di met­ter­lo a re­gi­me con un mo­to­re che gi­ra in sin­cro­nia.

RI­NO DE PA­CE — Per quan­to ri­guar­da la con­di­vi­sio­ne pro­get­tua­le in real­tà c’è una sto­ria an­che im­por­tan­te tra di­ver­si fe­sti­val nel Nord Ita­lia, ma non so­lo. Con An­ge­li­ni ab­bia­mo in can­tie­re un pro­get­to che ve­de coin­vol­ti tut­ti i fe­sti­val del­la città di Milano per un pia­no por­ta­to avan­ti dal­la com­pa­gnia Sans Pa­pier che pren­de­rà for­ma a par­ti­re da que­st’au­tun­no, in va­ri seg­men­ti, fi­no al de­but­to nel 2019. An­co­ra su Milano ab­bia­mo una pri­ma al­lean­za che par­te tra Mi­la­nOl­tre e Mi­To Set­tem­bre Mu­si­ca per so­ste­ne­re la dan­za ese­gui­ta con la mu­si­ca dal vi­vo.

Ri­por­tia­mo per un at­ti­mo il di­scor­so sul rap­por­to con il ter­ri­to­rio e sul­la vi­sio­ne ar­ti­sti­ca. Ne­gli an­ni Set­tan­ta a New York i dan­za­to­ri di Tri­sha Bro­wn bal­la­va­no sui tet­ti di Ma­n­hat­tan con uno slan­cio ever­si­vo. Og­gi c’è una ten­den­za diffusa a usci­re dai luo­ghi de­pu­ta­ti. Ro­ber­to Bol­le, lei avrà un suo fe­sti­val, OnDan­ce. Co­me pen­sa di ac­cen­de­re Milano? RO­BER­TO BOL­LE — Vo­le­vo fa­re un pro­get­to per Milano che coin­vol­ges­se di più la gen­te, per al­lar­ga­re l’en­tu­sia­smo ver­so il mon­do del­la dan­za. Ol­tre ai miei ga­la agli Ar­cim­bol­di, nel fe­sti­val sa­ran­no pre­sen­ti tut­ti gli sti­li di dan­za, da­gli street­dan­cer di Red Bull che si sca­te­ne­ran­no in bat­tle al­la Sta­zio­ne Cen­tra­le, al­le se­ra­te di tan­go sot­to la Gal­le­ria, e poi fe­ste all’Ar­co del­la Pa­ce e al Ca­stel­lo Sfor­ze­sco, work­shop di con­tem­po­ra­neo al Tea­tro Bur­ri e di clas­si­co agli Ar­cim­bol­di. È un ini­zio ma l’idea è di ac­cen­de­re più luo­ghi del­la città pro­pa­gan­do l’en­tu­sia­smo col­let­ti­vo. Milano ha una sen­si­bi­li­tà par­ti­co­la­re in que­sto. Quin­di tut­te le dan­ze con pa­ri di­gni­tà… RO­BER­TO BOL­LE — Sì, a Milano ci so­no se­ra­te di tan­go nel­le mi­lon­ghe ma cer­chia­mo di far­le co­no­sce­re al di fuo­ri crean­do un even­to par­ti­co­la­re per i cu­rio­si e non so­lo per gli ad­det­ti ai la­vo­ri. Per il clas­si­co de­vi ave­re una cul­tu­ra più raf­fi­na­ta, la street­dan­ce per i ra­gaz­zi è fan­ta­sti­ca. A cia­scu­no il suo. Ariel­la Vi­da­ch ha dan­za­to nei par­chi e un po’ ovun­que...

ARIEL­LA VI­DA­CH — An­che sui tet­ti di Roma, la com­pa­gnia Ga­ia Scien­za usa­va gli ap­par­ta­men­ti. Quei fer­men­ti na­sco­no ne­gli an­ni Ses­san­ta. An­che Tri­sha Bro­wn vo­le­va sfi­da­re la gra­vi­tà: la pri­ma vol­ta, la vi­di nell’83 in uno scan­ti­na­to con quat­tro dan­za­to­ri in pi­gia­ma. Poi ha mo­stra­to ca­pa­ci­tà im­pren­di­to­ria­le, ha re­so più chia­ro il suo lin­guag­gio, è en­tra­ta in un’or­bi­ta di gran­de vi­si­bi­li­tà. L’ho ri­vi­sta in uno spa­zio enor­me al New York Ci­ty Cen­ter. Que­sto pas­sag­gio dal­la ri­cer­ca è sem­pre mol­to com­pli­ca­to. La dan­za è un’ar­te con­tem­po­ra­nea, ha bi­so­gno di rin­no­va­re il lin­guag­gio, di in­ter­ro­gar­si sem­pre. So­no una ri­cer­ca­tri­ce pio­nie­ra nel mio Dna, vo­glio rap­pre­sen­ta­re una dan­za che non sia mai al po­sto giu­sto e al mo­men­to giu­sto. Mi ha fat­to pia­ce­re che la tra­smis­sio­ne di Ro­ber­to Bol­le in televisione aves­se mol­te re­la­zio­ni con l’im­ma­gi­ne, noi lo stia­mo fa­cen­do da 15 an­ni. È im­por­tan­tis­si­mo che la dan­za mo­stri gran­de ca­pa­ci­tà di co­mu­ni­ca­re, al­lo stes­so tem­po è an­che fon­da­men­ta­le che ci sia una ten­sio­ne sot­ter­ra­nea nel­la ri­cer­ca. Al­tri­men­ti re­stia­mo fer­mi a un li­vel­lo di ap­pa­ga­men­to e l’ar­te non è in­trat­te­ni­men­to ma qual­co­sa che de­ve co­stan­te­men­te por­re in­ter­ro­ga­ti­vi. La dan­za è me­ra­vi­glio­sa perché ha co­me stru­men­to il cor­po e il cor­po è im­me­dia­to, tut­to quel­lo che suc­ce­de lo cat­tu­ra e lo re­sti­tui­sce, c’è un po­ten­zia­le enor­me. Non è so­lo da­re la pos­si­bi­li­tà di capire che cos’è la dan­za, ma il si­gni­fi­ca­to dell’ar­te, perché nel pen­sie­ro e nel­la fi­lo­so­fia del­la dan­za con­tem­po­ra­nea si è cer­ca­to di apri­re que­ste stra­de. UMBERTO AN­GE­LI­NI — So­no d’ac­cor­do con Ariel­la, il te­ma del cor­po è un os­ser­va­to­rio e uno stru­men­to pri­vi­le­gia­to di co­mu­ni­ca­zio­ne. Pen­so a tut­te le mi­gra­zio­ni, al­le nuo­ve cul­tu­re, al­la pos­si­bi­li­tà con cui sto­rie dif­fe­ren­ti pos­so­no tro­va­re un pun­to di con­tat­to e di scon­tro, la­vo­ri per­for­ma­ti­vi che met­to­no in­sie­me per­so­ne ana­gra­fi­ca­men­te di­ver­se, pro­fes­sio­ni­sti e non pro­fes­sio­ni­sti. Non amo par­ti­co­lar­men­te il coin­vol­gi­men­to di non pro­fes­sio­ni­sti, perché mi sem­bra stia di­ven­tan­do una mo­da, un con­te­ni­to­re vuo­to che riem­pie al­tri ti­pi di ne­ces­si­tà. Og­gi so­no af­fa­sci­na­to dal rap­por­to con l’in­tel­li­gen­za ar­ti­fi­cia­le, con la real­tà au­men­ta­ta. Pon­go­no do­man­de mol­to im­por­tan­ti sul fu­tu­ro del­lo spet­ta­co­lo dal vi­vo, sul­la di- men­sio­ne in­di­vi­dua­le del­la frui­zio­ne e di quel­la col­let­ti­va, sul ruo­lo del cor­po in re­la­zio­ne al tem­po e ai con­fi­ni spa­zio-tem­po­ra­li. Way­ne McG­re­gor ci in­ve­ste da an­ni… UMBERTO AN­GE­LI­NI — Sì, pen­so an­che al la­vo­ro di Ale­jan­dro G. Iñár­ri­tu al­la Fon­da­zio­ne Pra­da di Milano ( Car­ne y Are­na, 2017-2018, ndr): c’è una col­lo­ca­zio­ne del pro­prio cor­po, un’espe­rien­za ar­ti­sti­ca che ri­bal­ta com­ple­ta­men­te quel­lo a cui sia­mo abi­tua­ti og­gi. RO­BER­TO ZAP­PA­LÀ — La pa­ro­la di­ver­si­tà è as­so­lu­ta­men­te cal­zan­te. Mi oc­cu­po di cor­po, ma cer­co di espri­me­re l’idea di con­tem­po­ra­nei­tà in mo­do di­ver­so. Mi pia­ce ci­ta­re Du­ke El­ling­ton che di­ce­va: «C’è la mu­si­ca bel­la e poi l’al­tra». Non ci de­vo­no es­se­re stec­ca­ti, la ri­cer­ca dev’es­se­re in­tel­li­gen­te, po­si­ti­va, col­lo­ca­ta nel po­sto giu­sto al mo­men­to giu­sto, al­tri­men­ti può fa­re male. In an­ni pas­sa­ti ha di­strut­to an­che mol­to pub­bli­co quan­do si se­gui­va­no le or­me di Pi­na Bau­sch, pren­den­do tut­to ciò che fa­ce­va di im­mo­bi­le, ba­sta­va ave­re un ve­sti­ti­no si­mi­le al suo… L’era del­la sot­to­ve­ste…

RO­BER­TO ZAP­PA­LÀ — ... che ha di­strut­to il pub­bli­co. Bi­so­gna in­som­ma sa­per­la col­lo­ca­re. Non è un caso che la pro­sa si sia av­vi­ci­na­ta mol­tis­si­mo al­la dan­za, ne­gli ul­ti­mi vent’an­ni mol­to tea­tro è fisico. Non tut­te le com­pa­gnie che noi ospi­tia­mo co­me cen­tro di pro­du­zio­ne mi piac­cio­no. Non so­no paz­zo, è ri­spet­to per il pub­bli­co, co­me di­ce­va An­ge­li­ni. Cre­do che in un luo­go co­me Ca­ta­nia, che è acer­bo ri­spet­to ad al­tre zo­ne, sia ne­ces­sa­rio mo­stra­re più lin­guag­gi pos­si­bi­li. Se fa­ces­si so­lo quel­lo che pia­ce a me, in­stra­de­rei il pub­bli­co. I numeri mi fan­no un po’ pau­ra, nei nuo­vi det­ta­ti del mi­ni­ste­ro. Ri­ten­go che la quan­ti­tà di spet­ta­co­li che ci vie­ne ri­chie­sta non in quan­to com­pa­gnia, ma a li­vel­lo di ospi­ta­li­tà ri­spet­to ai sol­di, sia ec­ces­si­va. Do­ves­se usci­re da que­sto fo­rum un’in­di­ca­zio­ne che ab­bia ca­rat­te­re di pro­po­sta, per me oc­cor­re pen­sa­re più al­la qua­li­tà che ai numeri perché per l’ar­te i numeri mi sem­bra­no una co­sa bie­ca.

Les Ita­liens di Parigi han­no dan­za­to in Uz­be­ki­stan in una si­tua­zio­ne sur­rea­le tra gli sceic­chi. Dun­que c’è an­che la fia­ba… ALES­SIO CAR­BO­NE — Stia­mo fa­cen­do i sal­ti mor­ta­li per in­ca­stra­re i no­stri spet­ta­co­li con quel­li dell’Opé­ra. Tra un’ora an­dia­mo in sce­na in un bal­let­to di Cry­stal Pi­te… TUT­TI — In boc­ca al lu­po, scal­da­te­vi in­tan­to…

ALES­SIO CAR­BO­NE — Si­mo­ne fa­rà ora una crea­zio­ne sul te­ma del Fi­gliol Pro­di­go per i Giar­di­ni dell’Alham­bra e il fe­sti­val di Gra­na­da, fac­cia­mo le pro­ve nei gior­ni di ri­po­so. Poi, per quan­to ri­guar­da il nu­me­ro de­gli spet­ta­co­li, beh, è trop­po an­che all’Opé­ra di Parigi: al­me­no 200 spet­ta­co­li all’an­no tra i due tea­tri Gar­nier e Ba­stil­le, e sia­mo 154 bal­le­ri­ni. Co­sì si ri­du­ce la quan­ti­tà del­le pro­ve e di con­se­guen­za, pur­trop­po, an­che la qua­li­tà. Il pe­ri­co­lo nu­me­ro uno del­la dan­za è pro­prio la con­ta­bi­li­tà che non do­vreb­be ave­re a che fa­re con l’ar­te. Il se­con­do ne­mi­co è il tem­po: og­gi con i so­cial si va mol­to in fret­ta. Una car­rie­ra si co­strui­sce gior­no do­po gior­no, con­tra­ria­men­te a quel­lo che si ve­de in un ta­lent in tv in cui in un me­se un bal­le­ri­no di­ven­ta fa­mo­sis­si­mo e rie­sce a gua­da­gna­re mol­ti sol­di. La real­tà è che una car­rie­ra, nel clas­si­co o nel con­tem­po­ra­neo, si co­strui­sce su 8 an­ni di stu­dio, sen­za bru­cia­re al­cu­na tap­pa, pe­na il ri­schio di esau­ri­re, di bru­cia­re, la car­rie­ra in un an­no.

RO­BER­TO BOL­LE — Il più in­si­dio­so ne­mi­co del­la dan­za, og­gi, in un’isti­tu­zio­ne co­me la Sca­la, è an­co­ra l’età pen­sio­na­bi­le, perché era sta­ta ri­dot­ta nel 2010 a 45 an­ni, nel 2014 ri­por­ta­ta a 46 con fi­ne­stre che au­men­ta­no sem­pre di più, ora si va in pen­sio­ne a 46 an­ni e 7 me­si, l’an­no pros­si­mo a 47 an­ni, ogni due an­ni au­men­ta di 3 me­si. All’Opé­ra è 42. ALES­SIO CAR­BO­NE — Me­no male. RO­BER­TO BOL­LE — Chi va in pen­sio­ne li­be­ra spa­zio per i gio­va­ni. Al­la Scuo­la ora ci so­no 200 al­lie­vi, sfor­na­no tan­ti di­plo­ma­ti che poi non rie­sco­no a en­tra­re in com­pa­gnia. In con­clu­sio­ne, qual è l’ar­ma vin­cen­te per por­ta­re la dan­za nel fu­tu­ro?

ARIEL­LA VI­DA­CH — Il co­rag­gio di ri­schia­re. Nu­tri­re il va­lo­re che l’ar­te può da­re al­la no­stra esi­sten­za.

RO­BER­TO DE LEL­LIS — La crea­zio­ne di re­ti strut­tu­ra­te di col­la­bo­ra­zio­ne tra en­ti an­che di­ver­si (fe­sti­val, tea­tri di pro­sa, cen­tri di pro­du­zio­ne), con obiet­ti­vi mi­ra­ti a pro­du­zio­ni con­di­vi­se o al­la dif­fu­sio­ne.

RO­BER­TO ZAP­PA­LÀ — Ab­bat­te­re i mu­ri tra i lin­guag­gi crea­ti­vi, spe­cie all’in­ter­no del­la dan­za stes­sa. La dan­za è una e una sola: quel­la di qua­li­tà.

RI­NO DE PA­CE — La dif­fu­sio­ne ca­pil­la­re di una cul­tu­ra del­la dan­za e del mo­vi­men­to a par­ti­re dall’in­fan­zia, per nu­tri­re di bel­lez­za e far cre­sce­re in sa­lu­te og­gi gli in­ter­pre­ti, i co­reo­gra­fi e an­che il pub­bli­co di do­ma­ni.

UMBERTO AN­GE­LI­NI — Ri­co­no­sce­re al­la dan­za lo sta­tus di os­ser­va­to­rio pri­vi­le­gia­to, po­li­ti­co ed este­ti­co, del­la re­la­zio­ne tra cor­po, na­tu­ra e tec­no­lo­gia.

ALES­SIO CAR­BO­NE — Non aver pau­ra di osa­re man­te­nen­do la tra­di­zio­ne, per ri­ma­ne­re al pas­so con il tem­po.

SI­MO­NE VA­LA­STRO — L’av­ve­ni­re del­la dan­za è nel­le ma­ni dei gio­va­ni co­reo­gra­fi, la cui mis­sio­ne è di con­ti­nua­re a crea­re emo­zio­ni, non con numeri di bra­vu­ra, ma con ope­re d’ar­te, de­sti­na­te a esplo­ra­re la con­di­zio­ne uma­na, met­te­re in cri­si le ideo­lo­gie, i si­ste­mi di pen­sie­ro, la con­ce­zio­ne con­so­li­da­ta del mon­do.

RO­BER­TO BOL­LE — Ri­ma­ne­re sin­to­niz­za­ti sul­la con­tem­po­ra­nei­tà, sen­za rin­ne­ga­re la tra­di­zio­ne. Perché pre­ser­var­la si­gni­fi­ca va­lo­riz­za­re la me­mo­ria per­met­ten­do­le di ave­re un do­ma­ni. La dan­za è un’ar­te vi­va.

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