So­no un’il­lu­sio­ni­sta, creo lo spa­zio

La co­reo­gra­fa ame­ri­ca­na Meg Stuart ri­ce­ve­rà in giu­gno il Leo­ne al­la Car­rie­ra del­la Bien­na­le di Ve­ne­zia, do­ve por­te­rà «Built to La­st». «Mi af­fa­sci­na il pro­ces­so dell’ef­fi­me­ro, bal­lan­do puoi cam­mi­na­re in mon­di rea­liz­za­ti da te»

La Lettura - - Maschere Danza - Di VALERIA CRIPPA

Da ol­tre 25 an­ni viag­gia at­tra­ver­so ter­ri­to­ri ar­ti­sti­ci di­ver­si, ti­ran­do il sen­so del tem­po co­me un ela­sti­co. Da una par­te, l’idea di eter­ni­tà in­stil­la­ta in Built to La­st, spet­ta­co­lo che apri­rà in giu­gno il 12° Fe­sti­val in­ter­na­zio­na­le di Dan­za Con­tem­po­ra­nea del­la Bien­na­le di Ve­ne­zia. Dall’al­tra, l’este­ti­ca del dis­sol­vi­men­to e del­la vul­ne­ra­bi­li­tà che cor­rom­pe Bles­sed, in sce­na nei gior­ni scor­si al Cen­tre Pom­pi­dou di Pa­ri­gi. La dan­za del­la co­reo­gra­fa ame­ri­ca­na Meg Stuart oscil­la tra que­sti po­li. È lei il Leo­ne d’Oro del­la nuo­va Bien­na­le Dan­za di­ret­ta dal­la ca­na­de­se Ma­rie Choui­nard: il pre­mio al­la car- rie­ra le sa­rà as­se­gna­to a Ve­ne­zia il 22 giu­gno.

In pas­sa­to il Leo­ne d’oro è sta­to vin­to da Cun­nin­gham, For­sy­the, Bau­sch, Ky­lián, Childs. Co­me si sen­te in que­sta gal­le­ria di gi­gan­ti? La mo­ti­va­zio­ne del pre­mio re­ci­ta che «ha sa­pu­to svi­lup­pa­re un nuo­vo lin­guag­gio e un nuo­vo me­to­do a ogni crea­zio­ne»: è una ne­ces­si­tà per lei que­sta spin­ta ver­so l’igno­to?

«So­no ono­ra­ta dal pre­mio, For­sy­the e Cun­nin­gham so­no sta­ti miei mae­stri. Non la­vo­ro su un so­lo ge­ne­re, co­me il clas­si­co, mi in­ter­ro­go su che co­sa sia e pos­sa es­se­re la dan­za. La in­cro­cio con tea­tro, psi­co­lo­gia, fan­ta­sy, idee di per- ce­zio­ne, la muo­vo ver­so l’astra­zio­ne con­cen­tran­do­mi su­gli estre­mi, sull’ener­gia, sul­le li­nee. In al­tri la­vo­ri mi con­cen­tro sull’uma­ni­tà e sull’espres­sio­ne del­le espe­rien­ze del­la vi­ta. Que­sto spet­tro co­sì am­pio mi dà mol­ta li­ber­tà».

I suoi ge­ni­to­ri era­no di­ret­to­ri di tea­tro. Quan­do ha ca­pi­to che la dan­za sa­reb­be sta­ta il suo ca­na­le d’espres­sio­ne ar­ti­sti­ca?

«Quan­do da pic­co­la sen­ti­vo mu­si­ca, a un con­cer­to o da un di­sco, chiu­de­vo gli oc­chi e im­ma­gi­na­vo per­so­ne che dan­za­va­no. In un rac­con­to, in una nar­ra­zio­ne, ho sem­pre pen­sa­to che ci fos­se un sen­so ra­di­ca­to nel pu­ro mo­vi­men­to per par­la­re del­la con­di­zio­ne uma­na. Pri­ma che po­tes­si dan­za­re mol­to be­ne, ho ap­pro­fon­di­to gli stu­di. Dan­za mo­der­na, dan­za crea­ti­va, bal­let­to, cor­sa; ho la­vo­ra­to in al­cu­ni spet­ta­co­li tea­tra­li dei miei ge­ni­to­ri. Ero con­cen­tra­ta su ciò che po­te­vo fa­re con il mio cor­po e lo al­le­na­vo».

Co­me la­vo­ra con i dan­za­to­ri in una crea­zio­ne? Pro­po­ne lo­ro una sor­ta di cor­ni­ce da cui par­ti­re?

«Sì, in­nan­zi­tut­to ab­boz­zo una bre­ve azio­ne, un con­tat­to da cui vor­rei par­ti­re, un’en­tra­ta e al­cu­ne li­nee che si svi­lup­pa­no. Poi im­prov­vi­sia­mo a lun­go in­tro­du­cen­do pic­co­le nuo­ve idee. E im­prov­vi­sia­mo an­co­ra. Quin­di en­tra in gio­co un te­sto, op­pu­re as­se­gno un com­pi­to ai dan­za­to­ri e in sa­la pro­ve, pas­so do­po pas­so, svi­lup­pia­mo il la­vo­ro ri­guar­dan­do il ma­te­ria­le in vi­deo».

Co­me sce­glie i suoi dan­za­to­ri?

«Guar­do la lo­ro tec­ni­ca, le at­ti­tu­di­ni. Cer­co in­ter­pre­ti con una fan­ta­sia mol­to svi­lup­pa­ta e un’in­tel­li­gen­za vi­va­ce che com­pren­da­no ciò che fan­no ma al­lo stes­so tem­po si af­fi­di­no, gio­can­do in ar­mo­nia il pro­prio ruo­lo nell’in­sie­me del pro­get­to, sen­za che l’ego pre­val­ga. De­vo­no ave­re pro­prie idee ar­ti­sti­che e un’este­ti­ca del­la dan­za da con­di­vi­de­re con me».

Nei suoi spet­ta­co­li è rin­trac­cia­bi­le una co­stan­te ve­na di hu­mour. Co­me l’iro­nia può aiu­ta­re l’uo­mo a ca­pi­re la real­tà?

«Cre­do pos­sa agi­re co­me un ve­lo pro­tet­ti­vo, cioè a non far sen­ti­re la gen­te in una si­tua­zio­ne di co­mo­do né di col­pa men­tre guar­da sé stes­sa e le pro­prie om­bre in mo­do em­pa­ti­co. Crean­do aria e spa­zio in una co­reo­gra­fia, l’iro­nia en­tra in con­tat­to e si in­si­nua nell’in­con­scio del­lo spet­ta­to­re sen­za for­za­re».

Qual è la re­spon­sa­bi­li­tà del­la dan­za co­me for­ma d’ar­te?

«In un mon­do che abi­tia­mo sem­pre più in mo­do vir­tua­le, con una di­stan­za dai no­stri cor­pi da cui ri­sul­tia­mo di­scon­nes­si, so­no im­por­tan­ti la pre­sen­za, la sen­sua­li­tà e la tat­ti­li­tà dell’espe­rien­za tea­tra­le. La dan­za ol­tre­pas­sa la pa­ro­la, si con­net­te a una fon­te uni­ver­sa­le, par­la in mo­do com­ples­so sen­za for­ni­re mo­no­li­ti­ci giu­di­zi po­si­ti­vi o ne­ga­ti­vi, la­vo­ran­do con ele­men­ti ba­si­ci co­me il pe­so e la gra­vi­tà, lo spa­zio, le for­ze che sfug­go­no al con­trol­lo, l’in­ti­mi­tà fi­si­ca del no­stro cor­po e i sen­si at­tra­ver­so i qua­li ci in­ter­fac­cia­mo con il mon­do. Po­ten­zial­men­te la dan­za ci ren­de più com­pas­sio­ne­vo­li ed em­pa­ti­ci per co­mu­ni­ca­re con il pub­bli­co».

Ha crea­to nel 1994 a Bru­xel­les la com­pa­gnia Da­ma­ged Goods (mer­ce ava­ria­ta) e in un’in­ter­vi­sta ha di­chia­ra­to: «Dan­zo per­ché vo­le­vo fa­re il ma­go ma non so­no bra­va con gli og­get­ti». È os­ses­sio­na­ta dal­le co­se? E qual è la ma­gia del­la dan­za?

«So­no af­fa­sci­na­ta dal pro­ces­so dell’ef­fi­me­ro, dal dis­sol­vi­men­to del­le co­se che spa­ri­sco­no e dei ge­sti che sva­ni­sco­no. Ciò smuo­ve la ri­cer­ca di so­lu­zio­ni per fron­teg­gia­re l’in­sta­bi­li­tà e la pre­ca­rie­tà del­la vi­ta. Con la dan­za co­strui­sci spa­zi con le brac­cia do­ve puoi im­ma­gi­na­re mon­di in cui cam­mi­na­re. Non so­no co­se in sen­so con­cre­to, com­mer­cial­men­te mi­su­ra­bi­li, ma con le qua­li ognu­no può en­tra­re in con­tat­to in mo­do ener­ge­ti­co. Amo l’il­lu­sio­ni­smo del tea­tro, lu­ci, co­stu­mi. La dan­za è pu­ra ma­gia, fa viag­gia­re il cor­po in pae­sag­gi im­ma­gi­na­ri».

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