Li­ke Li­fe: Me­tro­po­li­tan Mu­seum di New York

il cor­po nel­la scul­tu­ra de­gli ul­ti­mi set­te se­co­li al Me­tro­po­li­tan Mu­seum di New York

QMagazine - - SOMMARIO - di Ca­lo­ge­ro Pir­re­ra

La mo­stra Li­ke Li­fe: Sculp­tu­re, Co­lour and the Bo­dy (1300-Now) in­da­ga la pra­ti­ca de­gli scul­to­ri che ne­gli ul­ti­mi set­te se­co­li si so­no ci­men­ta­ti con la rap­pre­sen­ta­zio­ne del­la fi­gu­ra uma­na, at­tra­ver­so un’an­to­lo­gia di cir­ca cen­to­ven­ti ope­re pro­ve­nien­ti da tut­to il mon­do. Il cor­po uma­no è sta­to da sem­pre uno dei te­mi più im­por­tan­ti di cia­scu­na espres­sio­ne ar­ti­sti­ca, in quan­to es­so si con­fi­gu­ra co­me il pro­ta­go­ni­sta di ogni ti­po di espe­rien­za. L’ar­ti­sta lo ha rap­pre­sen­ta­to in di­ver­si mo­di, oscil­lan­do tra un esa­spe­ra­to rea­li­smo e un’idea­liz­za­zio­ne che ha per­si­no rag­giun­to, so­prat­tut­to a par­ti­re dal se­co­lo scor­so, una raf­fi­gu­ra­zio­ne astrat­ta e fuo­ri dal tem­po. La mo­stra sce­glie di rac­con­ta­re que­sta “an­tro­po­mor­fiz­za­zio­ne tri­di­men­sio­na­le” pri­vi­le­gian­do il cor­po uma­no co­me si­mu­la­cro di se stes­so, espli­ci­ta­to dal­la ten­sio­ne dell’ar­ti­sta ver­so la ve­ro­si­mi­glian­za, spes­so as­si­sti­ta dall’uso mi­me­ti­co del co­lo­re e dal sa­pien­te trat­ta­men­to del­la ma­te­ria nel­lo spa­zio, nel ten­ta­ti­vo di in­gan­na­re la na­tu­ra con la crea­zio­ne ar­ti­sti­ca di un cor­po che pos­sa es­se­re per­ce­pi­to dal­lo spet­ta­to­re co­me una fi­gu­ra­zio­ne tra­su­dan­te uma­ni­tà. Tut­ta­via, nel­lo stes­so mo­men­to, al­tri ar­ti­sti han­no ca­ri­ca­to que­sta ten­den­za rea­li­sti­ca di ele­men­ti espres­sio­ni­sti, che in ma­nie­ra più espli­ci­ta han­no af­fron­ta­to cri­ti­ca­men­te la

psi­co­lo­gia, co­sì co­me l’es­se­re so­cia­le dell’in­di­vi­duo. Il pun­to di par­ten­za di Li­ke Li­fe è la scul­tu­ra me­die­va­le eu­ro­pea, espres­sio­ni­sta quan­to gli stes­si ar­ti­sti espres­sio­ni­sti del No­ve­cen­to. Qui il cor­po non ha quell’ar­mo­nia o quell’equi­li­brio pre­sen­te ten­den­zial­men­te in tan­ta scul­tu­ra del Ri­na­sci­men­to, del Neo­clas­si­ci­smo, e so­prat­tut­to del­la Gre­cia clas­si­ca, do­ve la fi­gu­ra uma­na a tut­to­ton­do, rap­pre­sen­ta­ta se­con­do un ca­no­ne apol­li­neo di bel­lez­za, è la pro­por­zio­ne del tut­to, co­me le scul­tu­re de­gli atle­ti e de­gli dei cui vie­ne esal­ta­ta la clas­si­ca nu­di­tà ana­to­mi­ca, esem­pio e uni­tà di mi­su­ra del­la stes­sa ar­mo­nia dell’uni­ver­so. Gli scul­to­ri con­tem­po­ra­nei, ere­di di en­tram­be le tra­di­zio­ni, ci han­no mo­stra­to il cor­po uma­no in ope­re con­ce­pi­te se­guen­do sia l’este­ti­ca del na­tu­ra­li­smo (al­le vol­te fi­no all’esa­spe­ra­zio­ne

iper­rea­li­sti­ca, co­me nel ca­so di Dua­ne Han­son) che quel­la espres­sio­ni­sta, av­val­sa­si di de­for­ma­zio­ni, tra­sfor­ma­zio­ni e con­cet­tua­liz­za­zio­ni del cor­po uma­no (ten­den­za in par­te già rav­vi­sa­ta nel Go­ti­co e nel Ma­nie­ri­smo). Ogni cul­tu­ra ha pro­dot­to una spe­ci­fi­ca rap­pre­sen­ta­zio­ne del cor­po, al­le vol­te crean­do dei ve­ri e pro­pri ca­no­ni di rap­pre­sen­ta­zio­ne. La mo­stra ci per­met­te di leg­ge­re que­sto per­cor­so gra­zie ad al­cu­ni in­te­res­san­ti ac­co­sta­men­ti, do­ve due o più cul­tu­re (nel­lo spe­ci­fi­co: mo­men­ti del­la rap­pre­sen­ta­zio­ne an­tro­po­mor­fa nel­lo spa­zio) ven­go­no mes­se a con­fron­to, mo­stran­do­ci co­me ognu­na ab­bia ema­na­to una vi­sio­ne di sé nel­la sto­ria, di­ven­tan­do una “for­ma sim­bo­li­ca” ca­pa­ce di por­ta­re e vei­co­la­re i va­lo­ri e le ten­sio­ni cul­tu­ra­li del suo tem­po. Un dia­lo­go tra il pas­sa­to e il pre­sen­te che mo­stra dun­que il mo­do dell’uo­mo di ve­de­re se stes­so, e so­prat­tut­to quan­to la per­ce­zio­ne e la rap­pre­sen­ta­zio­ne del cor­po, pur cam­bian­do este­ti­che e ma­nie­re, ruo­ti sem­pre at­tor­no al­la pre­sen­za uma­na, al­la sua car­na­li­tà quan­to al­la sua es­sen­za. Co­sì, ad esem­pio, una fi­gu­ra di San Se­ba­stia­no scol­pi­ta da Alon­so Ber­ru­gue­te nel­la Spa­gna dell’ini­zio del XVI se­co­lo, dia­lo­ga con una scul­tu­ra po­li­cro­ma di Re­za Ara­me­sh, rea­liz­za­ta in­ve­ce di re­cen­te, che mo­stra un gio­va­ne pa­le­sti­ne­se umi­lia­to e spo­glia­to, in di­sar­mo. L’ero­tiz­za­zio­ne del­la sua fi­gu­ra ha in­fat­ti co­me pre­ce­den­te l’ico­no­gra­fia di San Se­ba­stia­no, tra­di­zio­nal­men­te ri­trat­to in pie­di, le­ga­to a un al­be­ro o a una co­lon­na, men­tre il suo cor­po vie­ne tra­fit­to da nu­me­ro­se frec­ce; il te­ma era ca­ro agli ar­ti­sti del Ri­na­sci­men­to pro­prio per la cen­tra­li­tà che si da­va al cor­po nu­do, e mar­to­ria­to, del gio­va­ne ex cen­tu­rio­ne ro­ma­no con­ver­ti­to­si al Cri­stia­ne­si­mo.

Que­sto per­cor­so è gui­da­to da ope­re di ar­ti­sti co­me Do­na­tel­lo, El Gre­co, An­to­nio Ca­no­va, Au­gu­ste Ro­din, Ed­gar De­gas, fi­no ai con­tem­po­ra­nei Loui­se Bour­geois, Me­ret Op­pe­n­heim, Jeff Koons e Yin­ka Sho­ni­ba­re. Ad ac­com­pa­gna­re le ope­re d’ar­te ci so­no an­che re­li­quie, ma­ni­chi­ni e mo­del­li ana­to­mi­ci, che do­cu­men­ta­no, ad esem­pio, il rap­por­to che la rap­pre­sen­ta­zio­ne scien­ti­fi­ca del cor­po ha avu­to con l’ar­te stes­sa: si pen­si al­la cu­rio­sa “au­toi­co­na” di Je­re­my Ben­tham (1748 – 1832), fi­lo­so­fo e giu­ri­sta in­gle­se che, pri­ma di mo­ri­re, ave­va la­scia­to pre­di­spo­si­zio­ni pre­ci­se cir­ca il trat­ta­men­to del suo ca­da­ve­re, il qua­le, do­po una dis­se­zio­ne, do­ve­va es­se­re trat­ta­to, ri­co­sti­tui­to e col­lo­ca­to in una ve­tri­na, esat­ta­men­te co­me una scul­tu­ra. In mo­stra ar­ri­va dall’In­ghil­ter­ra la sua ef­fi­gie, che in­fat­ti com­pren­de: il suo sche­le­tro, la te­sta di ce­ra, i ve­sti­ti, il cap­pel­lo, la se­dia e il suo ba­sto­ne da pas­seg­gio. Tut­to è ri­com­po­sto a si­mu­la­re la sua pre­sen­za, il suo cor­po è lì e si pro­fes­sa im­mor­ta­le, pri­gio­nie­ro den­tro una ve­tri­na.

Char­les-Hen­ri-Jo­se­ph Cor­dier, (Fren­ch, 1827–1905) La Ca­pres­se des Co­lo­nies, 1861 Al­ge­rian onyx-mar­ble, bron­ze, gilt bron­ze, ena­mel, and whi­te mar­ble wi­th so­cle The Me­tro­po­li­tan Mu­seum of Art, New York, Eu­ro­pean Sculp­tu­re and De­co­ra­ti­ve Arts Fund, 2006

Wil­lem Da­nielsz van Te­tro­de (Ne­ther­lan­di­sh, ca. 1525– 1580) Her­cu­les, ca. 1545–60 Pain­ted ter­ra­cot­ta Quen­tin Foun­da­tion, Lon­don. Pho­to: Mag­gie Ni­m­kin, New York

Greer Lank­ton, Ra­chel, 1986 Pa­pier-mâ­ché, me­tal pla­tes, wi­re, acry­lic paint, and mat­te me­dium Col­lec­tion of Eric Ce­pu­tis and Da­vid W. Wil­liams, pro­mi­sed gift to the Art In­sti­tu­te of Chi­ca­go. Greer Lank­ton Ar­chi­ves Mu­seum. Pho­to: The Art In­sti­tu­te of Chi­ca­go / Art Re­sour­ce, NY

Yayoi Ku­sa­ma, (Ja­pa­ne­se, born 1929) Phal­lic Girl, 1967 Man­ne­quin wi­th mi­xed me­dia 61 × 34 1/4 × 16 15/16 in., (155 × 87 × 43 cm) Col­lec­tion Ca­ro­li­ne de We­ste­n­holz © Yayoi Ku­sa­ma Pho­to: ©Ta­te, Lon­don 2017

Marc Quinn, (Bri­ti­sh, born 1964) Self, 1991 Blood, Stain­less Steel, Per­spex, and Re­fri­ge­ra­tion Equi­p­ment 81 7/8 × 24 13/16 × 24 13/16 in. (208 × 63 × 63 cm) Pri­va­te Col­lec­tion © Marc Quinn Stu­dio, Cour­te­sy Marc Quinn stu­dio

Re­za Ara­me­sh, (Bri­ti­sh, born 1970) Ac­tion 105: An Israe­li sol­dier poin­ts his gun at the Pa­le­sti­nian you­th asked to strip do­wn as he stands at a mi­li­ta­ry chec­k­point along the se­pa­ra­tion bar­rier at the en­tran­ce of Be­thle­hem, Mar­ch 2006, 2017 Han­d­car­ved po­ly­chro­me li­mewood, glass eyes and con­cre­te plin­th. 37 3/16 × 8 1/4 × 10 1/4 in. (94.5 × 21 × 26 cm) Plin­th: 39 3/8 × 21 5/8 in. (100 × 55 × 55 cm) Cour­te­sy of the ar­ti­st and Lei­la Hel­ler Gal­le­ry

Jeff Koons, (Ame­ri­can, born York, Penn­syl­va­nia, 1955) Bu­ster Kea­ton, 1988 Po­ly­chro­med wood 66 × 47 7/8 × 27 1/8 in. (167.6 × 121.6 × 68.9 cm) Pri­va­te Col­lec­tion, Cour­te­sy Da­vid Zwir­ner, New York/Lon­don/Hong Kong © Jeff Koons

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