Da his­tó­ria e da ar­te

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irin­tos

“O quê?”, per­gun­ta­rá o lei­tor. A res­pos­ta é ex­ten­sa: o trân­si­to de for­mu­la­ções cul­tu­rais en­tre ge­o­gra­fi­as, os di­le­mas e as fe­ri­das do en­rai­za­men­to do emi­gran­te, a vi­o­lên­cia e a dis­cri­mi­na­ção que so­bre ele se aba­te, as re­la­ções en­tre a Fran­ça e a Ar­gé­lia. As pro­mes­sas fa­lha­das de um sé­cu­lo XX. Os trau­mas, mas tam­bém as me­mó­ri­as.

Pai­sa­gem fo­ra de cam­po

É o equi­li­bro en­tre a crí­ti­ca e a me­mó­ria, en­tre a re­fle­xão e a ex­pe­ri­ên­cia dos sen­ti­dos, que tor­na As Raí­zes Tam­bém se Cri­am no Be­tão uma ex­po­si­ção se­du­to­ra e vi­o­len­ta. Es­cu­ta­se, vê-se e (co­mo se ve­rá) chei­ra-se. No cen­tro da pri­mei­ra sa­la, uma cons­tru­ção de me­tal re­pli­ca a ar­qui­tec­tu­ra de um edi­fí­cio das ban­li­eu­es (su­búr­bi­os) pa­ri­si­en­ses. E há mú­si­ca, sons. Vêm de ex­cer­tos de dois fil­mes fran­ce­ses, em te­le­vi­so­res si­tu­a­dos nos can­tos da sa­la: Pé­pé le Mo­ko, de Ju­li­en Du­vi­ver (1937) e Mé­lo­die en sous-sol (1963), de Hen­ri Ver­neuil, am­bos pro­ta­go­ni­za­dos por Je­an Ga­bin. O pri­mei­ro dá a ver ima­gens, do­cu­men­tais e fei­tas em es­tú­dio, da cas­bá de Ar­gel; no se­gun­do, ve­mos a per­so­na­gem in­ter­pre­ta­da pe­lo ac­tor a atra­ves­sar uma ur­ba­ni­za­ção em obras, cru­zan­do-se com tra­ba­lha­do­res (que, pe­lo so­ta­que, pa­re­cem por­tu­gue­ses) em bus­ca da ca­sa on­de vi­veu. É um ho­mem que não re­co­nhe­ce a pai­sa­gem.

Da Chi­na, via email, on­de tem es­ta­do nos úl­ti­mos di­as, Ka­der At­tia jun­ta-se a es­ta vi­si­ta. E acres­cen­ta: “Os dois ex­cer­tos re­me­tem pa­ra o mes­mo con­tex­to, em­bo­ra em dé­ca­das di­fe­ren­tes. Des­cre­vem lu­ga­res on­de vi­vi com a mi­nha fa­mí­lia: a cas­bá de Ar­gel e a zo­na de Sar­cel­les, em Pa­ris”. Mas há ou­tro as­pec­to a sa­li­en­tar: “É que a ar­qui­tec­tu­ra e a es­pe­ci­fi­ci­da­de ur­ba­na da cas­bá te­ve uma for­te in­fluên­cia na­que­le que é o pai da ha­bi­ta­ção so­ci­al mo­der­na de Sar­cel­les. Fa­lo de Le Cor­bu­si­er”. A in­fluên­cia da ar­qui­tec­tu­ra do Ma­gre­be no mo­do co­mo um cer­to mo­der­nis­mo con­ce­beu a ar­qui­tec­tu­ra dos su­búr­bi­os de Pa­ris ma­ni­fes­ta-se na sa­la se­guin­te, mais si­len­ci­o­sa, em que fo­cos de luz ilu­mi­nam o desfile de co­la­gens e as­so­ci­a­ções vi­su­ais. Gru­pos de ado­les­cen­tes à es­pe­ra do fu­tu­ro, tra­ba­lha­do­res da cons­tru­ção ci­vil, edi­fí­ci­os, pai­sa­gens de ur­ba­ni­za­ções nos ar­ra­bal­des de Pa­ris, vis­tas so­bre a cas­bá. Ar­qui­tec­tu­ra ver­na­cu­lar e mo­der­na, afri­ca­na e eu­ro­peia nu­ma dança nem sem­pre har­mo­ni­o­sa. Por mo­men­tos, tu­do se so­bre­põe, tu­do se con­fun­de, num cur­to-cir­cui­to que ain­da não se apa­gou. Pa­ra Ka­der At­tia es­ta sa­la co­me­ça a mos­trar o que os fil­mes ain­da es­con­di­am: “O ci­nis­mo da pro­mes­sa de um con­for­to que a ha­bi­ta­ção so­ci­al su­pos­ta­men­te ofe­re­ce­ria, es­pe­ci­al­men­te em Sar­cel­les, on­de vi­vi. Aqui­lo que fi­cou ‘fo­ra de cam­po’ nes­ses fil­mes, que não ve­mos. Uma ci­da­de de po­bre­za, cri­me, vi­o­lên­cia po­li­ci­al, bair­ros de­gra­da­dos”.

E das co­la­gens e da his­tó­ria da ar­qui­tec­tu­ra, o ar­tis­ta trans­por­ta-nos pa­ra o pre­sen­te, con­vi­dan­do-nos a ver o ví­deo Les hé­ri­ta­ges du corps: le corps post­co­lo­ni­al. É um mo­men­to de de­sa­ce­le­ra­ção, da pau­sa, de es­cu­ta. Fi­ló­so­fos, psi­có­lo­gos, an­tro­pó­lo­gos e ati­vis­tas co­men­tam vi­o­lên­cia po­li­ci­al que, em Fe­ve­rei­ro de 2017, nos ar­re­do­res de Pa­ris, bru­ta­li­zou o jo­vem Théo Luha­ka. E des­se even­to, dis­cur­sam so­bre os di­le­mas da as­si­mi­la­ção e da in­te­gra­ção, so­bre o de­se­jo de vi­si­bi­li­da­de e in­vi­si­bi­li­da­de da­que­les que são ne­gros, ma­gre­bi­nos, mu­çul­ma­nos, emi­gran­tes em Fran­ça. O for­ma­to lem­bra a ex­pe­ri­ên­cia de cer­tos do­cu­men­tá­ri­os da te­le­vi­são, nos quais é da­do tem­po e à es­pa­ço às pes­so­as. Pa­ra que pos­sam fa­lar.

Um lu­gar pa­ra os aman­tes

“Vi­ve­mos num mun­do do­mi­na­do pe­la ve­lo­ci­da­de e pe­lo con­su­mo es­pon­tâ­neo de tu­do. Gos­to de tor­nar as coi­sas mais len­tas, de ou­vir aque­les que ra­ra­men­te es­cu­ta­mos”, diz o ar­tis­ta. “Por is­so, nos meus fil­mes, en­tre­vis­to aca­dé­mi­cos e não aca­dé­mi­cos. Há tan­ta gen­te que tem coi­sas pa­ra nos di­zer se as ou­vir­mos. Se ar­ran­jar­mos tem­po pa­ra de­sa­ce­le­rar, po­de­mos pen­sar na pos­si­bi­li­da­de de re­pa­rar as nos­sas vi­das, mes­mo quan­do há coi­sas que não são re­pa­rá­veis”. Nou­tra sa­la, a re­fle­xão dá lu­gar ao mo­vi­men­to do cor­po so­bre uma ines­pe­ra­da ins­ta­la­ção. Ca­mi­nha­mos so­bre ré­pli­cas de te­lha­dos da cas­bá (fei­tos dos mais di­ver­sos ma­te­ri­ais) que pre­en­chem a to­ta­li­da­de do chão en­quan­to na pa­re­de ve­mos, pro­jec­ta­da, a ima­gem de um edi­fí­cio mo­der­no, co­nhe­ci­do co­mo Tour Le Ro­bes­pi­er­re, em Vi­try-surSei­ne, Île-de-Fran­ce. A ar­qui­tec­tu­ra e a so­ci­e­da­de as­so­ma de no­vo, nu­ma re­la­ção ines­ca­pá­vel.

“Es­se edi­fí­cio foi cons­truí­do, pa­ra os mi­gran­tes que ha­bi­ta­vam as bi­don­vil­les, co­mo si­nó­ni­mo do su­ces­so da mo­der­ni­da­de, reu­nin­do uma es­té­ti­ca ra­di­cal a uma fun­ci­o­na­li­da­de éti­ca. Com a ins­ta­la­ção dos te­lha­dos, quis lem­brar sig­ni­fi­ca­do dos ter­ra­ços na cul­tu­ra me­di­ter­râ­ni­ca do Nor­te de Áfri­ca. É um lu­gar pa­ra on­de fu­gi­mos do té­dio, um lu­gar pa­ra os aman­tes, pa­ra aque­les que que du­ran­te o Ra­ma­dão que­rem fu­mar e di­ver­tir-se”. A ideia de jun­tar as du­as pe­ças sur­giu de­pois de uma con­ver­sa com o cu­ra­dor Del­fim Sar­do. “Os sig­ni­fi­ca­dos dos dois ti­pos de ar­qui­tec­tu­ra, uma ver­na­cu­lar, or­gâ­ni­ca, ao ou­tra ver­ti­gi­no­sa e ver­ti­cal, com­bi­nam mui­to bem”, con­si­de­ra o ar­tis­ta. “A jus­ta­po­si­ção cria um ter­cei- ro tra­ba­lho, que é da­do pe­lo som. So­bre os te­lha­dos, evo­cam-se os fan­tas­mas da vi­da ur­ba­na”.

As evo­ca­ções tor­nam-se mais au­to­bi­o­grá­fi­cas na sa­la se­guin­te, on­de en­con­tra­mos uma du­na fei­ta de cous­cous em que Ka­der re­pli­cou as ha­bi­ta­ções da ci­da­de for­ti­fi­ca­da de Ghar­daia (Ar­gé­lia), ou­tra in­fluên­cia na ar­qui­tec­tu­ra de Le Cor­bu­si­er, e so­bre­tu­do um pra­to no qual o ar­tis­ta de­po­si­tou ma­la­gue­ta, cra­vi­nho e hor­te­lã cu­jos chei­ros inun­dam a sa­la. A re­fe­rên­cia à me­mó­ria de um pas­sa­do faz-se pe­la en­tra­da do mun­do ex­te­ri­or no es­pa­ço da ar­te. Tra­ta-se de uma pe­ça cen­tral na ex­po­si­ção pois di­a­lo­ga com o fil­me fi­nal, la me­moi­re ( Re­flec­tir a me­mó­ria), cu­jo te­ma é a per­da e o trau­ma. Per­da de mem­bros do cor­po, per­da do pas­sa­do, per­da do con­tac­to com ou­tros. Cor­tes e fe­ri­das que nem sem­pre são re­pa­rá­veis, mas que a cul­tu­ra e os afec­tos (dos ou­tros) po­dem con­so­lar ou tor­nar me­nos do­lo­ro­sas. E daí, fa­zer cres­cer raí­zes.

Co­pi­as que são ori­gi­nais

Na ex­po­si­ção de Ju­an Araújo, os ca­mi­nhos são ou­tros. Mais la­bi­rín­ti­cos (o tí­tu­lo é uma ci­ta­ção de uma obra de Jor­ge Luís Bor­ges), mas de­ter­mi­na­dos pe­las nar­ra­ti­vas da his­tó­ria da ar­te mo­der­na. É uma ex­po­si­ção cons­ti­tuí­da por du­plos, es­pe­lhos, có­pi­as, ci­ta­ções e re­mis­sões, exer­cí­ci­os mi­mé­ti­cos. Uma teia de sen­ti­dos, cir­cuns­tân­ci­as, ecos, em que o vi­si­tan­te ora re­co­nhe­ce ima­gens e obras ou se perde na pu­ra ex­pe­ri­ên­cia das for­mas e das su­per­fí­ci­es. Na pri­mei­ra sa­la, ve­mos um re­cor­te de uma BD apro­pri­a­da por Roy Li­ch­tens­tein, per­ten­cen­te à co­lec­ção do Al­len Mu­seum, em Cle­ve­land, EUA. O ve­ne­zu­e­la­no pin­tou-a, re­pro­du­zin­do as­sim o ori­gi­nal a par­tir do qual o ar­tis­ta vi­ria a fa­zer a sua pin­tu­ra. Mas não é o úni­co ori­gi­nal na sa­la. Um me­tro ao la­do, eis a pri­mei­ra BD que ins­pi­rou Roy Li­ch­tens­tein e tam­bém ela pin­ta­da por Ju­an Arau­jo. Mas há mais: ve­mos tam­bém a pa­le­ta ori­gi­nal e a re­pro­du­ção des­sa BD, le­ve­men­te es­ba­ti­da. E ain­da uma pa­le­ta que re­pli­ca a tra­ma pic­tó­ri­ca fei­ta de pon­tos que ha­bi­tu­al­men­te as­so­ci­a­mos ao ar­tis­ta nor­te-ame­ri­ca­no. Tu­do pin­ta­do por Ju­an Arau­jo. Es­te in­te­res­se pe­la có­pia e ori­gi­nal, pe­lo pro­ces­so, re­pe­te-se, na mes­ma sa­la, com versões es­pe­lha­das de uma pin­tu­ra de Bar­nett New­man: uma cor­res­pon­de à ori­gi­nal, ou­tra ao seu in­ver­so.

O tra­ba­lho de Araújo com obras pre­e­xis­ten­tes não sur­ge programada, não é ló­gi­co, mas fru­to de con­tex­tos e cir­cuns­tân­ci­as es­pe­cí­fi­cas. A ideia de tra­ba­lhar com Roy Li­ch­tens­tein sur­giu no âm­bi­to de um con­vi­te pa­ra par­ti­ci­par na Tri­e­nal de Cle­ve­land, mais exac­ta­men­te na Ca­sa Weltzhei- mer/John­son, de­se­nha­da por Frank Lloyd Wright. Foi aí que en­con­trou os re­cor­tes de BD e as pin­tu­ras de Li­ch­tens­tein (a his­to­ri­a­do­ra de ar­te e crí­ti­ca El­len H. John­son, uma das pro­pri­e­tá­ri­as da ca­sa, foi uma per­so­na­li­da­de mui­to pró­xi­ma des­se e ou­tros ar­tis­tas que, com frequên­cia, lhe ofe­re­ci­am obras).

“Os te­mas, as idei­as pa­ra ca­da ex­po­si­ção ou gru­po de obras sur­gem de­pois de vi­a­gens, de pes­qui­sa”, com­ple­men­ta o ar­tis­ta. “Há um de­se­jo de di­a­lo­gar com o lo­cal, se­ja atra­vés da ar­qui­tec­tu­ra do edí­fi­cio on­de ex­po­nho ou com a his­tó­ria e a tra­di­ção da ar­qui­tec­tu­ra e da ar­te do país. Os con­tex­tos são fun­da­men­tais, se­jam os lu­ga­res on­de vou ex­por ou as pes­qui­sas que es­tou a de­sen­vol­ver. Foi o que acon­te­ceu com pin­tu­ras de Miguel Ân­ge­lo. Re­a­li­zei­as pa­ra a mi­nha pri­mei­ra in­di­vi­du­al nu­ma ga­le­ria na Itália”.

As pin­tu­ras a que se re­fe­re são das ja­ne­las da Bi­bli­o­te­ca Me­di­cea Lau­ren­zi­a­na de Flo­ren­ça. Des­co­bri­mo­las co­lo­ca­das no in­te­ri­or de um es­pa­ço ex­po­si­ti­vo que, si­na­li­za­do por li­nhas no chão e do tec­to, cria a sen­sa­ção de en­clau­su­ra­men­to. À vol­ta da­que­le, por sua vez, es­tão pin­tu­ras dos fres­cos da Vi­la dos Mis­té­ri­os de Pom­peia e uma ou­tra, tal­vez ain­da mais mis­te­ri­o­sa: a de uma das cé­le­bres e per­di­das pin­tu­ras que Mark Roth­ko re­a­li­zou pa­ra as pa­re­des do edi­fí­cio Four Se­a­sons em No­va Ior­que. Ju­an Arau­jo não re­ve­la qu­al­quer enig­ma, alu­de ape­nas à his­tó­ria e su­ge­re afi­ni­da­des en­tre as ja­ne­las, as pa­re­des e as te­las de Roth­ko. En­tre a ar­qui­tec­tu­ra e a pin­tu­ra, atra­ves­san­do sé­cu­los.

Mark Roth­ko re­a­pa­re­ce nou­tra pin­tu­ra. Tra­ta-se de um car­taz do fil­me De­ser­to Ver­me­lho (1964), de Mi­che­lan­ge­lo An­to­ni­o­ni, que nos re­cor­da a ami­za­de pes­so­al en­tre am­bos, o in­te­res­se ar­tís­ti­co que os dois ar­tis­tas ma­ni­fes­ta­ram pe­la cor. É uma por­ta de en­tra­da pa­ra um con­jun­to de tra­ba­lhos, em que a prá­ti­ca da apro­pri­a­ção cria fic­ção: no cor­re­dor, es­tão ou­tras pin­tu­ras-re­vis­tas, tra­ba­lhos on­de a ver­ten­te con­cep­tu­al se har­mo­ni­za com vir­tu­o­sis­mo sur­pre­en­den­te de Ju­an Arau­jo. São ca­pas in­ven­ta­das da Na­ti­o­nal Ge­o­graphic, que no­ti­ci­am ca­tás­tro­fes apo­ca­líp­ti­cas em Ca­ra­cas. Ri­os de la­va, ex­plo­sões, nu­vens tó­xi­cas anun­ci­am um mun­do pós-hu­ma­no e a ani­qui­la­ção da na­tu­re­za. Ou­tra ca­pa, ago­ra da re­vis­ta ve­ne­zu­e­la­na Eli­te, faz alu­são ao ter­ra­mo­to (pas­sa­do, fu­tu­ro?) na ca­pi­tal ve­ne­zu­e­la­na com uma pin­tu­ra das tor­res de El Si­len­cio, em Ca­ra­cas (tam­bém co­nhe­ci­das co­mo Tor­res Del Cen­tro Si­món Bo­lí­var), edi­fí­cio que sim­bo­li­za as pro­mes­sas e os fa­lhan­ços da mo­der­ni­da­de ar­qui­tec­tó­ni­ca, so­ci­al, eco­nó­mi­ca e po­lí­ti­ca na Ve­ne­zu­e­la. Na ex­po­si­ção é o tra­ba­lho que mais evi­den­cia o co­men­tá­rio po­lí­ti­co, aque­le em que as nar­ra­ti­vas da ar­te e da ar­qui­tec­tu­ra es­pe­lham as con­vul­sões dos so­ci­ais e po­lí­ti­cas.

“Sim, sem dú­vi­das. A ar­qui­tec­tu­ra, so­bre­tu­do na Amé­ri­ca La­ti­na, en­con­tra-se li­ga­da ao con­tex­to so­ci­al, eco­nó­mi­co e po­lí­ti­co. Mas na sa­la em que di­a­lo­go com a re­si­dên­cia Ol­ga Ba­e­ta [de­se­nha­da em São Pau­lo por João Vi­la­no­va Ar­ti­gas e Car­los Cas­cal­di em 1956 e re­pre­sen­ta­ti­va da ar­qui­tec­tu­ra bru­ta­lis­ta bra­si­lei­ra], a distribui­ção mon­dri­a­na das co­res no es­pa­ço ha­bi­ta­ci­o­nal di­fe­ren­ci­an­do as áre­as tam­bém de­ve ser con­si­de­ra­do um ac­to po­lí­ti­co do ar­qui­tec­to”. O ar­tis­ta re­fe­re-se às ten­sões en­tre a mo­der­ni­da­de eu­ro­peia, com as su­as li­nhas ge­o­mé­tri­cas, im­po­si­ti­vas e uma ar­qui­tec­tu­ra que lhes ser­ve co­mo con­tra­pon­to, tra­zen­do o ver­de in­do­má­vel da na­tu­re­za pa­ra o in­te­ri­or, co­mo se po­de cons­ta­tar na quin­ta sa­la. É um dos mo­men­tos mais bo­ni­to da ex­po­si­ção, com o ar­tis­ta a ex­pri­mir, a pro­fes­sar o seu gos­to —pin­tan­do — pe­las fo­to­gra­fi­as de Lui­sa Lam­bri, pe­la ar­qui­tec­tu­ra de Li­na Bo Bar­di e Os­car Ni­e­meyer, por uma pin­tu­ra de Kan­dinsky. Sem es­con­der as ten­sões ou os de­sen­con­tros que as cons­ti­tu­em no mes­mo es­pa­ço. Tam­bém Ju­an Arau­jo pa­re­ce à pro­cu­ra de raí­zes, co­mo a úl­ti­ma sa­la tão bem de­mos­tra. Ne­la, es­tão pin­tu­ras que fez na Vil­la Plan­chart de Gio Pon­ti, em Ca­ra­cas, con­si­de­ra­da um íco­ne de ar­qui­tec­tu­ra mo­der­na ve­ne­zu­e­la­na, pin­tu­ras em que ho­me­na­geia o abs­tra­ci­o­nis­mo do ar­tis­ta ve­ne­zu­e­la­no Ale­jan­dre Ote­ro, con­ta­mi­nan­do a or­dem ge­o­mé­tri­ca da pin­tu­ra des­te com o re­fle­xo de uma fi­gu­ra hu­ma­na.

Uma ex­po­si­ção re­me­te pa­ra o mun­do que ex­ce­de o da ar­te: a rua, o con­fli­to so­ci­al. A ou­tra vin­ca-se no ter­ri­tó­rio au­to-re­fle­xi­vo da pin­tu­ra, com as su­as his­tó­ri­as e nar­ra­ti­vas

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