Pin­to­res de to­dos los tiem­pos re­tra­ta­ron a sus ma­dres. Cua­dros inol­vi­da­bles de las mu­sas in­dis­cu­ti­das.

Las ma­dres fue­ron, son y se­rán fuen­te de ins­pi­ra­ción pa­ra gran­des artistas. An­ti­ci­pán­do­nos a su día, una se­lec­ción de re­tra­tos inol­vi­da­bles que in­mor­ta­li­zan es­te eterno y gran amor lial.

Break - - Break Fast - Por: Héc­tor Ve­láz­quez.

Exis­ten mu­chos más re­tra­tos ma­ter­nos que pa­ter­nos. Su­pon­go que se de­bía a que ellas te­nían más dis­po­ni­bi­li­dad pa­ra po­sar. Ellos, en cam­bio, tra­ba­ja­ban y so­lían es­tar fue­ra de ca­sa. Aun­que hay otro ras­go bas­tan­te co­mún en­tre las ma­dres de los artistas, -sos­tie­ne la his­to­ria­do­ra del ar­te y con­fe­ren­cis­ta so­bre la ma­te­ria, Ju­liet Hes­le­wood, en su li­bro “40 gran­des artistas re­tra­tan a sus ma­dres (2010)- y es que so­lían ser las que ani­ma­ban a sus hi­jos en sus ca­rre­ras. Los pa­dres, en ge­ne­ral, que­rían que se de­di­ca­ran a pro­fe­sio­nes más prác­ti­cas”.

El re­tra­to que Ja­mes Mcneill Whistler (1834-1903) creó pa­ra su ma­dre na­ció de un he­cho for­tui­to. Aquel día de 1871, quien de­bía po­sar, una mo­de­lo con­tra­ta­da por el pintor es­ta­dou­ni­den­se es­pe­cia­li­za­do en re­tra­tos y gra­ba­dos, fal­tó a la ci­ta. Y la pro­pues­ta pa­ra An­na Mat­hil­da Whistler no se hi­zo es­pe­rar. La se­ño­ra pu­so una so­la con­di­ción: ser in­mor­ta­li­za­da sen­ta­da. El óleo, que mi­de 144,3 cm. × 163 cm., y se lo co­no­ce co­mo “Re­tra­to de la ma­dre del ar­tis­ta”, se ex­hi­be en el Lou­vre de Abu Dha­bi aun­que la obra es pa­tri­mo­nio del Museo de Or­say de Pa­ris.

“La ma­dre de Rem­brandt le­yen­do” da­ta de 1629 y mues­tra a una de las mu­je­res más pin­ta­das de la his­to­ria. El ho­lan­dés Rem­brandt Har­mens­zoon van Rijn (1606-1669), en­tre los má­xi­mos ex­po­nen­tes en pin­tu­ra de la Edad de Oro de los Paí­ses Ba­jos, te­nía en Neelt­je Wi­llems­doch­ter van Suyt­broeck (1568-1640) a su mo­de­lo pre­fe­ri­da. Neelt­je es­ta­ba ca­sa­da con Har­men Ge­rritsz van Rijn, pro­pie­ta­rio de un mo­lino de mal­ta pa­ra cer­ve­za en las ori­llas del río que ro­dea la ciu­dad de Lei­den, y con él tu­vo 10 hi­jos, en­tre ellos a Rem­brandt. “Re­tra­to de la ma­dre del ar­tis­ta a sus 63 años de edad”

es la de­no­mi­na­ción que re­ci­be un di­bu­jo he­cho a car­bo­ni­lla por el pintor más re­co­no­ci­do del Re­na­ci­mien­to ale­mán: Al­ber­to Du­re­ro (1471-1528). Fe­cha­do en 1514 mues­tra a Bar­ba­ra Hol­per dos me­ses an­tes de fa­lle­cer, una ma­dre pro­lí­fi­ca que con­ci­bió jun­to al or­fe­bre Al­ber­to Du­re­ro El Vie­jo, con 18 des­cen­dien­tes. El di­bu­jo se en­cuen­tra en Ale­ma­nia, en el Museo Kup­fers­tich­ka­bi­nett Ber­lin. Fei­ge Ite era la ma­dre de Marc Cha­gall (1887-1985), el pintor van­guar­dis­ta na­cio­na­li­za­do fran­cés pe­ro na­ci­do en Ví­tebsk ( Bie­lo­rru­sia). La mu­jer, que pa­rió y crió a 10 ni­ños, fue re­tra­ta­da por su hi­jo en una ac­ti­vi­dad ne­ta­men­te ho­ga­re­ña en 1914. “Ma­dre cer­ca del horno” se lla­ma la obra. Es el mis­mo Mark Zak­ha­ro­vich Sha­ga­lov (nom­bre real del ar­tis­tal) quien cuen­ta en sus me­mo­rias par­cia­les pu­bli­ca­das en 1931: - “Yo quie­ro ser pintor. Ayú­da­me ma­má. Acom­pá­ña­me, va­mos, va­mos. Hay un lu­gar en la ciu­dad; si me ad­mi­ten y ter­mino los cur­sos, sal­dré de allí he­cho to­do un ar­tis­ta. ¡Es­ta­ría tan con­ten­to!”. -“¿Qué? ¿Pintor? Tú es­tás lo­co. Dé­ja­me me­ter el pan al horno. No me mo­les­tes, que me es­tá es­pe­ran­do el pan”. -“Ma­má, no pue­do más. ¡Por fa­vor!”. -”Dé­ja­me en paz.» Pe­ro, fi­nal­men­te, fue la úni­ca que com­pren­dió su ta­len­to y lo en­vió, con 19 años, al atelier del úni­co pintor que exis­tía en la lo­ca­li­dad, el maestro Yehu­da Pen (1854-1937), uno de los más im­por­tan­tes del re­na­ci­mien­to ar­tís­ti­co ru­so, pa­ra lue­go pa­sar a la en­se­ñan­za for­mal en San Pe­tes­bur­go en la es­cue­la de la So­cie­dad de Pa­tro­ci­na­do­res del Ar­te.

Cuan­do fa­lle­ció su ma­dre, en 1867, Paul Gau­guin (1848-1903) se en­con­tra­ba en la In­dia; ve­nía re­co­rrien­do el mun­do co­mo ma­rino mer­can­te des­de los 17 años. El do­lor por la pér­di­da de Ali­ne Ma­rie Cha­zal Tris­tán ter­mi­nó em­pu­ján­do­lo ha­cia la be­bi­da. La re­la­ción en­tre el pintor post­im­pre­sio­nis­ta y aque­lla be­lla mu­jer des­cen­dien­te de una adi­ne­ra­da fa­mi­lia peruana, fue pro­fun­da­men­te idí­li­ca. Paul per­dió a su pa­dre, pe­rio­dis­ta, sien­do muy pe­que­ño en un via­je que los lle­va­ba ha­cia Pe­rú. Ali­ne viu­da a los 23 años, per­ma­ne­ce­ría en Li­ma has­ta 1855. Seis años des­pués de su re­gre­so a Fan­cia, Ali­ne con­trae­ría ma­tri­mo­nio con Gus­ta­vo Aro­sa, fo­tó­gra­fo y co­lec­cio­nis­ta de obras de ar­te, una im­por­tan­te in­fluen­cia en la vi­da del jo­ven Gau­guin. El re­tra­to se hi­zo en 1889 en “La ca­sa ama­ri­lla” de Vin­cent Van Gogh, en la ciu­dad fran­ce­sa de Ar­lés, y la ins­pi­ra­ción fue una fo­to que el pintor

guar­dó has­ta el fi­nal de sus días. “La ma­dre del ar­tis­ta” se en­cuen­tra en la Staats­ga­le­rie Stutt­gart (Ale­ma­nia).

El 8 de oc­tu­bre de 1888, el maestro ho­lan­dés Vin­cent Van Gogh ( 1853-1890) es­cri­bía a su her­mano Theo: “Es­toy ha­cien­do un re­tra­to de ma­dre pa­ra mí. No so­por­to la fo­to­gra­fía sin co­lor y es­toy in­ten­tan­do ha­cer uno con un co­lor ar­mo­nio­so, co­mo la veo en el re­cuer­do”. El re­sul­ta­do fue “Re­tra­to de la ma­dre del ar­tis­ta”, pin­tu­ra al óleo so­bre te­la de 40.6 cm. x 32.4 cm que ac­tual­men­te for­ma par­te del pa­tri­mo­nio del Nor­ton Si­mon Mu­seum de Pa­sa­de­na, Ca­li­for­nia (Es­ta­dos Uni­dos). Ars­hi­le Gorky (1904-1948) pintor ar­me­nio na­cio­na­li­za­do es­ta­dou­ni­den­se, re­pre­sen­tó el ex­pre­sio­nis­mo abs­trac­to co­mo po­cos y en “El ar­tis­ta y su ma­dre” tie­ne a una de sus obras cum­bres, don­de el amor tras­cien­de el do­lor y la muer­te. La pin­tu­ra, que cuen­ta con dos ver­sio­nes (una guar­da­da en New York y la otra en Was­hing­ton), na­ció a par­tir de una fo­to­gra­fía que As­hi­le se sa­có jun­to a su ma­dre Shus­han en 1912 en Ar­me­nia, cuan­do for­ma­ba par­te del te­rri­to­rio del Im­pe­rio Oto­mano. En 1915 hu­yen­do de los tur­cos , Shus­han en­fer­ma de ina­ni­ción y fa­lle­ce en los bra­zos de su hi­jo. Ese hi­jo que tar­da­ría 10 años en dar por cul­mi­na­da es­ta obra de ar­te sin igual, que tie­ne un detalle: las ma­nos de la mu­jer sin de­fi­nir, sin ter­mi­nar. “Cuan­do al­go es­tá ter­mi­na­do, -de­cía Gor­ki en 1947 -sig­ni­fi­ca que eso es­tá muer­to, ¿no es así? Yo creo en la per­du­ra­bi­li­dad. Yo nun­ca ter­mino una pin­tu­ra: so­la­men­te de­jo de tra­ba­jar en ella por un tiem­po. Me gus­ta pin­tar por­que es al­go que nun­ca lle­go a ter­mi­nar…”

En Lu­cian Freud (1922-2011), el nie­to del pa­dre del psi­coa­ná­li­sis Sig­mund Freud, ha­lla­mos una de las má­xi­mas ex­pre­sio­nes del amor mu­tuo que re­pre­sen­ta la re­la­ción ma­dre e hi­jo. Freud co­men­zó a re­tra­tar a Lucy, po­co des­pués de la muer­te de su es­po­so y pa­dre de Lu­cian: Ernst Freud (1892-1970), si­tua­ción que la arras­tró a un cua­dro de­pre­si­vo que in­clu­yó un in­ten­to de sui­ci­dio. A par­tir de allí, el hom­bre na­ci­do en Ber­lín (Ale­ma­nia), pe­ro que a los 11 años con el as­cen­so del na­zis­mo hu­yó a In­gla­te­rra, adop­ta des­de 1972 un plan de res­ca­te de su pro­ge­ni­to­ra, una ru­ti­na amo­ro­sa­men­te em­pe­ci­na­da por re­tra­tar­la de to­das las ma­ne­ras po­si­bles. Has­ta el mo­men­to de su muer­te, en 1989, Lu­cien la vol­vió el cen­tro de su ar­te, ha­cién­do­la po­sar en­tre ocho y nue­ve ho­ras dia­rias, ca­si to­dos los días. “La ma­dre del pintor des­can­san­do” mues­tra a la mu­jer ten­di­da en una ca­ma, ves­ti­da y cal­za­da, ab­so­lu­ta­men­te re­la­ja­da. Las me­di­das de es­te óleo so­bre te­la son 105.4cm. x 127 cm. y per­te­ne­ce a un co­lec­cio­nis­ta pri­va­do.

An­ne Eli­sa­beth Ho­no­ri­ne Au­bert siem­pre apo­yó a su hi­jo Paul Cé­zan­ne (1839-1906) en su me­ta por trans­for­mar­se en pintor. De he­cho, so­lo ella y su her­ma­na Ma­rie, eran las úni­cas que sa­bían que asis­tía al´ E co­le Mu­ni­ci­pal Li­bre de Des sin pa­ra es­tu­diar di­bu­jo, a la mis­ma vez que cum­plía con el de­sig­nio de su pa­dre Louis Au­gus­te de es­tu­diar de­re­cho en la Uni­ver­si­dad de Aix. So­lo la per­se­ve­ran­cia de es­ta ma­dre lo­gra­ría con­ven­cer al tes­ta­ru­do co­mer­cian­te de som­bre­ros, de que el jo­ven Paul de­bía de­di­car­se de lleno al ar­te. Pa­rís es­pe­ra­ba al fu­tu­ro “pa­dre de la mo­der­ni­dad” pa­ra ha­cer su des­tino. Su ma­dre mu­rió en 1897 a la edad de 83 años y co­mo re­cuer­do amo­ro­so de su hi­jo que­dó “Ma­dre del ar­tis­ta”, pin­tu­ra al óleo de 55 cm. x 39 cm., con­ce­bi­da en 1867. Se en­cuen­tra en la ga­le­ría 217 del Museo de Ar­te Saint Louis (Es­ta­dos Uni­dos).

Pa­blo Pi­cas­so (1881-1973) re­cor­da­ba a su ma­dre Ma­ría Pi­cas­so y Ló­pez co­mo una mu­jer es­tric­ta pe­ro ado­ra­ble. A los 15 años pin­tó un re­tra­to úni­co de ella por dos mo­ti­vos: la no­ta­ble be­lle­za rea­lis­ta de la obra y por per­te­ne­cer a la es-

ca­sa pro­duc­ción pic­tó­ri­ca pre cu­bis­ta del ma­la­gue­ño. Cin­co años más tar­de, a los 20, Pi­cas­so cam­bia­ría de es­ti­lo pa­ra con­fi­gu­rar la eta­pa de pa­le­ta azu­la­da e ir mu­tan­do has­ta lle­gar a lo que fi­nal­men­te des­en­ca­de­nó en la crea­ción del cu­bis­mo. “Re­tra­to de la ma­dre del ar­tis­ta”, que se ex­hi­be en el Museo Pi­cas­so de Bar­ce­lo­na, mi­de 49,8 cm. × 39 cm. y se uti­li­zó en ella la téc­ni­ca de pin­tu­ra al pas­tel. Fue crea­da en Bar­ce­lo­na, ciu­dad a la que la fa­mi­lia ha­bía lle­ga­do des­de 1895 y don­de Pa­blo re­si­dió in­ter­mi­ten­te­men­te has­ta 1904, cuan­do co­men­zó a vi­vir en Pa­rís.

El “Pop Art” tie­ne en Andy Warhol (1928-1987) a su má­xi­mo ex­po­nen­te. Ter­cer hi­jo de un ma­tri­mo­nio de in­mi­gran­tes que lle­ga­ron a los Es­ta­dos Uni­dos des­de Es­lo­va­quia, en ple­na tor­men­ta de la Pri­me­ra Gue­rra Mun­dial (en un pe­río­do en que el te­rri­to­rio es­lo­va­co pa­sa de ser par­te del Im­pe­rio Aus­trohún­ga­ro a in­te­grar una na­ción lla­ma­da Che­cos­lo­va­quia). Su ma­dre, Ju­lia Za­vacky War­ho­la, fue una in­com­pa­ra­ble com­pa­ñe­ra pa­ra él, que de­mos­tra­ba ha­bi­li­dad pa­ra el can­to, la ilus­tra­ción (di­bu­ja­ba le­tras que va­lie­ron la ad­mi­ra­ción de su hi­jo) y las ma­nua­li­da­des en ge­ne­ral. Am­bos pro­fun­di­za­ron la­zos cuan­do An­drew, a los ocho años, en­fer­mó de una do­len­cia del sis­te­ma ner­vio­so que lo de­ja ca­si pos­tra­do en una ca­ma du­ran­te va­rios me­ses y lo con­de­na a car­gar con una sa­lud dé­bil por el res­to de su in­fan­cia. A par­tir de en­ton­ces, Andy des­cu­brió su fa­na­tis­mo por las re­vis­tas de ce­le­bri­da­des que le re­ga­la­ba su ma­dre, el di­bu­jo y el co­lla­ge, un mix de ele­men­tos que con­for­ma­ron el pri­mer es­ca­lón en la crea­ción fi­gu­ra­ti­va de un hom­bre que, con el co­rrer de los años, se trans­for­ma­ría en “el ar­tis­ta del si­glo XX. Su ma­dre fa­lle­ció en 1971. An­dej­ko era el tér­mino de ori­gen es­lo­va­co, que sig­ni­fi­ca “pe­que­ño be­bé Andy”, con el que Ju­lia apo­dó al ar­tis­ta y lo em­pleó has­ta el fi­nal. El re­tra­to de “Ju­lia War­ho­la”, con­ce­bi­do por su An­dej­ko en 1974 co­mo si se tra­ta­ra de una ce­le­bri­dad, fue he­cho en tin­ta se­ri­grá­fi­ca y pin­tu­ra de po­lí­me­ro sin­té­ti­co so­bre lien­zo, mi­de 101,6 cm. x 101,6 cm. y for­ma par­te del pa­tri­mo­nio del Museo Andy Warhol ubi­ca­do en el ba­rrio North Sho­re de Pit­ts­burgh ( Pen­sil­va­nia – Es­ta­dos Uni­dos). Warhol uti­li­zó sus pro­pios de­dos pa­ra cu­brir la ima­gen de su pro­ge­ni­to­ra, ba­jo ca­pas y ca­pas de pin­tu­ra de di­fe­ren­tes co­lo­res. ❖

PA­BLO PI­CAS­SO

PAUL GAU­GUIN

JA­MES MCNEILL WHISTLER

DU­RE­RO

VIN­CENT VAN GOGH

LU­CIAN FREUD

MARC CHA­GALL

REM­BRANDT

ARS­HI­LE GORKY

PAUL CEZANNE

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