El arte ha muerto y vive en Margarita Paksa
Son unos 20 trabajos producidas por esta pionera. Muestran cómo se cruzan creación y tecnología.
“El arte”, en luces blancas amarillentas. “Viva el arte”, en verde y rojo que contrastan. “Ha muerto”, en azul frío. Las tres frases dispuestas como los rayos de un sol que alumbra en neón. El arte ha muerto, viva al arte (1979/2005) es una de las obras más emblemáticas de Margarita Paksa, artista plástica argentina que hace ya cuatro décadas estaba produciendo material que todavía en el presente es moderno.
La muestra Un mundo revuelto, que inauguró el miércoles 13 y se puede ver hasta el 24 de abril en la galería Herlitzka + Faria, propone un recorrido que resulta ideal para conocer el trabajo de esta precursora del arte conceptual desde la vigencia de sus ideas, o revisitar la producción desde varias de sus obras no tan vistas.
Lejos de intentar una retrospectiva, la muestra se centra en el recorte para destacar puntos clave de las herramientas, temáticas y procedimientos de los que Paksa fue pionera. Un poco más de 20 obras producidas entre los años 1967 y 2006 alcanzan para ver el conceptualismo político que exploró y el cruce del arte con la tecnología con el que experimentó antes que nadie.
A la vista de todos, pero a la vez con muy bajo perfil, Paksa fue tejiendo su carrera artística en una escalada de becas y premios prestigiosos en paralelo a la docencia y la investigación. Toda persona que haya pasado por la estación Ángel Gallardo de la línea B de Subterráneos de Buenos Aire vio, aunque no se haya fijado, su obra Las flores de mi país (1991), un mural cerámico colorido y casi formal. Nacida en 1932, fue parte de la generación de artistas del Instituto Di Tella y en sus inicios participó de las muestras fundacionales Experiencias 67 y Experiencias 68 con dos propuestas de avanzada, que todavía parecen pensadas en el futuro.
El primer año mostró 500 watts4.635 ciclos-4,5 kilociclos, una instaque era un espacio totalmente a oscuras en el que el público generaba sonidos al ser expuesto a células fotoeléctricas. En 1968 hizo Comunicaciones, en donde había un arenero con las siluetas de dos amantes y desde un wincofón sonaba un disco con jadeos, especialmente grabados y editados para la obra.
“Me preguntaba a mi misma si luego de los sucesos de mayo del 68 había tenido dificultades para continuar con mi obra, y debo responder que sí las tuve. Tuve un problema ético: ¿qué sentido tenía expresarme con el minimalismo frente al momento de profundas revueltas que estaba viviendo el mundo y el hambre y la miseria imperantes en nuestro país?”, reflexionó hace tiempo, recapitulando su alejamiento del arte por cuatro años en los que se dedicó exclusivamente a dar clases en una villa en La Tablada.
Y ese mismo cuestionamiento que la alejó de su trabajo artístico fue el la hizo volver con otra mirada. Desde los 70, Paksa pone con su obra en entredicho la supuesta neutralidad del lenguaje, señala lo que hace ruido, muestra lo que incomoda.
Nacida en 1933, está jubilada y re
tirada de la docencia y del arte hace varios años, pero no por eso olvidada o relegada. Después de su retrospectiva consagratoria en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires en 2012, creció el interés internacional por su obra. De pronto, el mundo tomaba nota, con su redescubrimiento, de la importancia imperecedera de su trabajo.
“El código binario es una cualidad mística donde el UNO ha hecho todo desde la nada y el CERO es la nada”. La frase, en neón, está sobre un código de barras gigante que se prende y apaga, con su sonido clac, clac, en blanco y negro, todo monocorde, lento, persistente. Este mural de luz de la serie Pisa Fibonacci (2009), que abre la muestra, son 54 tubos fluorescentes de 120 centímetros cada uno que se rigen por la secuencia matemática descubierta por el científico italiano en el siglo XIX. Aparece en configuraciones biológicas, como la disposición de las ramas de los árboles; también se usa en computación, entre otras cosas. Y fue inspiración para Paksa, que juega con todo esto.
El resto de la exhibición es un recorrido ecléctico que va del ready made al collage, pasando por la tecnología, el dibujo y hasta la poesía visual.
En esta amplitud hay apenas una porción de la multiplicidad de soportes con los que ha trabajado Paksa, pero es una una porción que muestra, literal y simbólicamente, todo lo que está y la sociedad o el ser humano evitan ver.
Mapas intervenidos con aviones de guerra y pulmones explotando como una bomba, la palabra BASTA casi oculta en una hoja cuadriculada, la firma de la autora en un sello, notilación
cias de la guerra de Irak y el contenido del horror en tres cuadros escritos en símbolos castellanos, árabes y hebreos.
En El avance urbano (1996), por ejemplo, un portón de hierro está por
caer, pero no sucede porque lo sostiene una cadena, sobre una porción de pasto que asoma, entre el peligro y el escape.
En el otro extremo de su arco, pero a pasos en la galería, hay cuatro de sus Dibujos Rorschach (1983), los test intervenidos por mapas, entre otras cosas, con acuarelas y aerógrafos. También está parte de su serie Ojos
ciegos (1977), en donde crea casi un vocabulario compuesto por caras enojadas o angustiadas, puños cerrados, manos extendidas, televisores, cepillos de dientes, semáforos, genitales masculinos, pechos femeninos, paraguas.
Todo lo expuesto tiene un punto de reflexión y el conjunto de la obra es como si fuera un mensaje cifrado que en realidad está contando un momento de la historia, una preocupación por una coyuntura, una denuncia, un llamado a la acción.
El hilo narrativo es el pensamiento, la introspección, la política, lo matemático, la ciencia, el psicoanálisis y hasta lo místico. La creadora es Margarita Paksa, una artista para siempre joven, eternamente contemporánea.