“Hice una puesta radical y poco condescendiente para el espectador”
Leila Tschopp habla de “Pintura inhumana”, su nueva exposición, que fue curada por Mariana Obersztern y se puede visitar gratis en ArtHaus.
La nueva muestra de Leila Tschopp (Buenos Aires, 1978) abre en la planta baja de ArtHaus una situación que se expresa en el título Pintura inhumana, consiguiendo crear un clima especial que transforma la sala completamente. Fue curada por Mariana Obersztern, quien ya desde el texto destaca la imbricación entre las pinturas y las arquitecturas que las albergan. Esas obras van desde los lienzos hacia su presencia tridimensional: “Empatan aquí con las emociones batientes: glorietas inconclusas, esquinas falsas y pasillos escorzados funcionan en las pinturas como cámaras de reverberancia que desde sus formaciones deshabitadas acrecientan el rigor existencial”, expresa en el análisis curatorial.
Tschopp se graduó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en 2002 y luego asistió al taller de Análisis de Obra del artista Tulio de Sagastizábal. Participó en residencias internacionales en New York, Maine y Santa Mónica, en Estados Unidos; México y Alemania.
Y recibió las becas de The Pollock-Krasner Foundation, New York, Estados Unidos (2012); Fondo Metropolitano de Buenos Aires (2012); del Fondo Nacional de las Artes (2008 y 2016) y de la Colección Oxenford (2020).
–¿Cómo pensaste la muestra?
–Fue a partir de la invitación, que es como vengo trabajando desde hace un tiempo, ya que hay algo del espacio que voy a usar que me aporta la sala: puede ser la paleta, el tono emocional. Me gustan las instalaciones como idea de montar un espacio sobre otro ya existente, porque ves otra sala no sólo en el recorrido, sino en el clima. Cuando comencé a trabajar, pensé en comprimir la altura repitiendo la estructura del techo que es compartimentada, de tonos negros y grises muy oscuros. Organicé el espacio creando estas organizaciones modulares que funcionan como grilla o reja y jaula en cierto modo, para condicionar la experiencia del espectador.
-¿Qué efecto buscabas?
-Las pinturas se ven como interceptadas y aunque no suelo trabajar con la figura humana, aquí aparecen esos cuerpos esquematizados como en una gestualidad de la que no estamos seguros si son visiones o cuerpos materiales.
–¿La idea de lo inhumano ya había aparecido?
–No sé si en esa categoría. Es el espacio el que me sugiere un clima. En este caso, trabajé la idea de lo inhumano como contexto, como hábitat y también como una doble connotación que traje a la arquitectura, comprimiendo la espacialidad y generando una relación con aquello en lo que nos cuesta reconocernos, en lo incierto, lo otro, cierta crueldad que nos desconcierta como si no fuera propio.
Su paleta ha cambiado completamente desde su anterior muestra en Galería Hache. Si bien hacía referencia al fuego, era cálida por completo. Ahora predominan los grises, los negros y el contraste de unas luces frías conseguidas por unas líneas blancas en combinación con unos amarillos que no funcionan como algo cálido. El espacio de la sala no solo se complejiza por las estructuras de rejas que interceptan el recorrido, sino por la dinámica que alternan unos chapones grises con un rol fundamental, aun cuando las pinturas luego se autonomicen de la instalación.
Según Leila, este material apareció en una conversación al recorrer el espacio con María Teresa Constantín, directora de visuales de Arthaus, quien le presentó a Andrés Buhar, el director general.
“Andrés tiene una planta donde trabaja con estos materiales para modular y darle otras formas. Me fascinó porque tiene una superficie lisa al tacto, pero suma una cierta textura visual que lo hace apenas iridiscente, algo que le otorga una frialdad que me gustaba mucho emparentar con mis pinturas. También me preocupa la ecología de las muestras, estas arquitecturas temporarias que luego de desarmadas pueden reciclarse. En La casa de fuego trabajé con unas estructuras de caño que vengo reciclando pero que tienen un volumen menor ya que las guardo en mi taller. Para mí la puesta en escena, cierta composición teatral o escenográfica es atrayente. Por eso me resulta interesante trabajar con Mariana Obersztern como curadora, porque ella es directora teatral y en conversaciones que fuimos teniendo me ayudaba a construir otras imágenes, me disparaba hacia otras ideas”.
–El espacio transmite la estructura de la instalación que juega con esa compresión, pero a la vez tiene lugares vacantes que permiten captar cierta sensación física al recorrerla.
–Hice una puesta radical y poco condescendiente para el espectador. Los materiales son fríos, todo gris; los personajes son enigmas; el espacio no sabemos si es interior o exterior; algo persiste en lo enajenado del recorrido para que se sienta como la ‘temperatura’ de lo construido. Ya había trabajado la idea del desierto como paisaje que nos abisma, nos aísla, y también como metáfora de algo que nos desorienta sin puntos de referencia, de lo repetido que te confunde. Pero acá se agrega el juego del enrejado, potente y duro, más esas superficies que dan reflejo de las chapas y algo nuevo que aparece ahora en mi forma de pintar, ya que a esas geometrías rectas les agrego una sutil textura al soporte que dialoga con esas geometrías neutralizadas. ▪