Un lugar para el encuentro con la mirada
El programador pablo Mazzola cuenta el detrás de escena de una de las salas porteñas que mejor sabe cuidar a su público y a las películas.
El cine continúa dando batalla” dice su hall, y en el mítico rincón de Diagonal Norte 1150, las salas del Cine Arte Cacodelphia siguen su camino. Un cine que fue puesto en valor, que sufrió la pandemia y que hoy con sus dos salas logró convertirse en un refugio para estrenos de esos que justifican existan las exhibiciones. Pablo Mazzola, programador de Cine Arte Cacodelphia, además curador y distribuidor (y fundador y programador del Festival Internacional de Cine de José Ignacio, Uruguay y director del Festival de Cine de General Pico, La Pampa) cuenta sobre el espacio que hoy es un hogar del cine: “El espacio Cine Arte Cacodelphia surge por el interés de quienes son sus socios Gastón y Sebastián Gallo, y Oscar Feito, que se preserve un lugar para el encuentro del cine en el cine. Donde se encuentran las salas sabemos que corresponde justamente al espacio del buen cine. Se asocia a una generación que se encontró con películas que hacen no solo al imaginario del buen cine, sino a la memoria del cine ‘arte’. Las salas han sido completamente renovadas en todos sus órdenes: en calidad de proyección con un equipamiento excepcional: proyectores láseres y sonido 7.1, con un diseño de salas orgánicas entre las pantallas y las butacas, con un diseño de insonorización externa generando una intimidad superlativa.
La dimensión de las salas permiten intimidad y calidad de proyección. Si te acercas al Cine Arte Cacodelphia no solo se vive un espacio de cine con memoria, sino que se renovó la calidad de proyección para que el espectador viva una experiencia gratificante. Creo que el espectador que busca esta experiencia cinematográfica necesita ser respetado”.
—En el panorama de las salas porteñas ¿cuál es el criterio a la hora de programar?
—Somos un complejo de tres salas de cine nuevas y al mismo tiempo, con historia, así lo define el espectador. Por lo que nos proponemos los estrenos en su dinámica comercial ortodoxa, para espectadores que tienen un lugar confortable para ver cine en el cine. No tenemos pochoclo. Se vive un silencio y un respeto al momento del encuentro. El cine que exhibimos es comercial, es de autor, es nacional, es europeo o americano independiente o Hollywood; son todos los géneros, lo que se privilegia es que haya un buen encuentro con el espectador. Y eso se construye con la audiencia. Se suma que podemos realizar o proponer ciclos o funciones alternativas semanales. Nos resulta significativo que se realicen semanas de cine, festivales o muestras. El lugar es idóneo para estas posibilidades culturales.
—¿Qué planes tienen a futuro, si hay planes, además de los estrenos?
—El futuro se define con la audiencia. Claramente está sucediendo qué películas elige la gente de manera espontánea. Para nosotros es la reafirmación que el acto de cine en el cine para un espectador que le gusta sentirse contenido es posible. El boca a boca invita al encuentro en nuestras salas. Somos jóvenes aún. Creemos que es un espacio para el cine-debate, las charlas, los espacios de diálogo. También nos proponemos que las experiencias cinematográficas se puedan asociar con la música, el arte, el evento, etc. Así está pensado Cine Arte Cacodelphia, escuchando propuestas.
“Lo que se privilegia es que haya un buen encuentro con el espectador.”
—¿Cómo deciden de la entrada? el costo
—Para que esta posibilidad funcione nos obliga a adecuarnos a la realidad. Así vamos, así lo pensamos. Sabemos que hay una audiencia que elige un consumo donde pueden pagar mucho dinero por una entrada más pochoclo, etc. Hay una audiencia que para que pueda tener un espacio de encuentro debe estar asociada a las situaciones de la realidad.
Empezó como actor, pero la profesión lo transformó a Claudio Tolcachir en sinónimo de dramaturgo, director, docente y creador de Timbre 4. Ahora vuelve a ese primer amor que es actuar. Hasta el 3 de marzo interpretará Rabia. Es un unipersonal basado en la novela de Sergio Bizzio, adaptado por Mónica Acevedo, María García de Oteyza, Lautaro Perotti y el mismo Tolcachir, estos últimos compartieron la dirección. Las funciones serán de jueves a domingo siempre en su emblemático Timbre 4, aunque debieron agregar funciones los miércoles 21 y 28.
—¿Por qué adaptar una novela?
—Nosotros en Timbre nos preguntamos qué queremos hacer o qué sería un desafío. El año pasado desde España, el Teatro de La Abadía nos pidió que propusiéramos un proyecto. Sentí que quería hacer un monólogo y me había fascinado esta novela. Estuvimos doce meses trabajando en la adaptación. Es de los textos que más me gustó y se me incrustó en el cuerpo a leerla. Tuve sensaciones, imágenes muy potentes de acción cuando lo leí. Un gran motor fue el no saber cómo hacerla. Estuvimos probando espacios y sentidos. Es lo más hermoso de nuestro trabajo hacer un laboratorio. Es una novela muy sensorial en el sentido de que el personaje escucha y huele desde las sombras. Mucho de lo que pasa lo intuye, lo ve detrás de una rendija y eso me parecía muy interesante teatralmente. Era invitar al público a cambiar el punto de vista y poder ver las cosas desde cerca y desde lejos. Está anclada en el thriller.
—¿Pasaste del interés de teatralizarla a querer actuarla?
—Tenía mucho deseo de actuar en general, pero no se me ocurren cosas para mí, pero sí sentí que el hecho de que lo hiciera sumaba más desafío. Además, nos daba la posibilidad de que Lautaro (Perotti) la codirigiera y yo actuara. El ser un unipersonal me daba la independencia, de hacerla en Mar del Plata y después nos fuimos a Montevideo. Es un espectáculo nuestro y lo podemos mover con ese espíritu.
—¿Cómo te definirías como intérprete?
—No me gusta mucho el tipo de trabajo de actor- show, el que evidencia destreza. Siempre intento desde la dirección y desde la actuación la idea de desaparecer, de ser lo más sintético posible para que la imagen sea la historia. Inclusive el pensamiento del espec tador sea el que el que crece y no el actor.
—Actor, director, dramaturgo o gestor cultural: ¿qué elegís?
—Ahora me siento primero padre, después me viene todo lo demás. Me veo en un teatro y después se van armando los roles. A mí me gusta estar en una sala de ensayo y me apasionan las clases. Diría que la actuación es la más agradecida en el sentido de que también cuando vos dirigís mucho tiempo, hay una relación extraña que te empieza a suceder con tu propio cuerpo, que se aleja. Es como si uno estuviera con tu cabeza, con tus emociones o estrategias, porque hay algo del cuerpo que no está tan presente al dirigir. Actuar fue volver a mi cuerpo y creo que
“Actuar fue necesario y creo que era algo que necesitaba para volver a mi cuerpo.”
El famoso creador, toda una escuela teatral en ambos lados del océano, vive en dos ciudades: es así como sus proyectos navegan entre Buenos Aires y Madrid. Le anticipa a PERFIL cómo es Rabia, su unipersonal basado en la novela de Sergio Bizzio y de otros trabajos de dirección teatral. Además, subraya su pasión como docente.
era algo que necesitaba, incluso para poder volver a escribir.
—¿Desde cuándo entablaste tu relación con España y por qué fundaste otra escuela Timbre 4 en Madrid?
—La primera vez que viajé fue en el 2007, para hacer Un hombre que se ahoga de Daniel Veronese. Al poco tiempo pude llevar La omisión de la familia Coleman. Era una fantasía mía, me moría por viajar y particularmente por Madrid. Tenía como una obsesión. Es una ciudad que tiene una energía muy abierta, te da la bienvenida y muy especialmente al teatro argentino. La gente que viene a ver nuestros espectáculos es de un nivel de generosidad, de amor y de respeto muy grande. Así se fue tejiendo como una historia. Amaba estar allá como como también amo estar en Argentina. Se armó una red de actores y de alumnos, que querían probar y luego se sumaron las propuestas para dirigir en el Teatro de La Abadía y en el Centro Dramático Nacional. Traté de encontrar un equilibrio entre los proyectos de Buenos Aires y los de España. Por eso abrimos una escuela para darle lugar a esos actores alucinantes que estábamos conociendo y también a los compañeros que se habían instalado allí. La sensación que tengo es que me gusta abrir puertas. Para mí hacer Timbre 4 fue animarme a escribir, dirigir y ahora me pasa en España.
—¿Qué ven los españoles en nuestro teatro?
—Ellos consideran que el teatro argentino es una maravilla y que todos los actores también lo son. Los españoles también tienen intérpretes descomunales, pero hay algo que a ellos les pasa con nosotros, que es que no ven “actuación”, específicamente eso es lo que más admiran. Llaman actor argentino a uno relajado, muy verdadero, sensible, no impostado, ni estilizado donde no se les ve la técnica. Por eso cuando veían los espectáculos de Daniel Veronese en los noventa o los Coleman tienen la sensación de estar asistiendo a un hecho de “verdad”. Se deslumbran porque no les ven el hilo, el truco, esto es lo que más los impresiona. También que nuestras producciones sean sencillas, frente a las enormes producciones que hay en Europa. Nuestros espectáculos son formalmente muy humildes, pero con una gran vitalidad. Lo nuestro es magia pura.
—¿Cuál es la fórmula para tener éxito sin hacer televisión?
—Trabajo con mi gente, puedo elegir qué cosas hacer y qué riesgos tomo. Creo que lo sentí desde muy pequeño. Tal vez haya tenido que ver con que crecí y viví en democracia. Siempre necesito mucha libertad. Nunca pude estar en un lugar donde me sintiera i ti obligado, estuviera desgano o no lo viviera emocionalmente fascinado con un trabajo. Necesito enamorarme y para mí, la libertad es elegir estar en Timbre 4. Un actor tiene muy pocas posibilidades de elegir su trabajo, hay una posición muy pasiva de esperar a que alguien te llame. Tal vez, por haberme criado en el teatro independiente o por personalidad, sentí que eso no podía ser mi vida y que había que hacer otra cosa. Entonces el otro gran hallazgo fue el grupo. No hice nada solo. De verdad lo digo, literalmente, no como una metáfora. Todo fue grupal, se llama cuatro, porque éramos ese número cuando empezamos con la escuela y hoy llevamos treinta años. Nuestra dinámica es que cualquier integrante del grupo dice “quiero hacer esto” y todos los demás nos organizamos para que esa persona pueda hacer su proyecto.
—¿Tu secreto es el grupo?
—Todo tuvo que ver mucho con el deseo personal y la conciencia grupal. Nos acompañamos muchísimo, cada uno en lo que está, en lo que quiere. Ahora el grupo español de Timbre 4 en Madrid es una extensión del de aquí. La gente que me rodea es extraordinaria, piensan en mí y me cuidan. Las primeras funciones de Rabia fueron para mis compañeros de Timbre 4, en el aula y sin escenografía.
Creo que si hay un éxito es la libertad, tratar de estar cerca del deseo y crecer bien.
—¿Hay más proyectos teatrales?
—Sí, voy a estrenar en marzo la comedia Mejor no decirlo, de Salomé Lelouch con Mercedes Morán e Imanol Arias, para La Plaza. Es muy divertida. La idea es que hay cosas que no se dicen. Muestra a un matrimonio que hablan de todo, al que le divierte mucho discutir. Si uno tiene un contrincante interesante, te hace pensar. Creo que al público también le va a interesar.
—¿Seguirás con las clases en Timbre 4?
“Nuestros espectáculos son formalmente muy humildes, pero con una gran vitalidad.”
—Estuve todo diciembre con las muestras. Ves a los alumnos apasionados, creciendo, entregados, comprometidos y trabajando hasta las cuatro de la mañana. Ensayan junto a los docentes. Pienso esta pasión y esta solidaridad también es mi país.