CHAPOTEAR EN EL ME­DI­TE­RRÁ­NEO

Una de las obras de dan­za más fuer­tes de 2018 fue Fran­quear la no­che, del fran­cés Ra­chid Ou­ram­da­ne, que pu­so a bai­lar a ni­ños mi­gran­tes.

Revista Ñ - - SUMARIO 29.12.2018 - POR LAURA FALCOFF

La Bie­nal de dan­za de Lyon reúne des­de ha­ce 36 años to­das las co­rrien­tes y ten­den­cias ima­gi­na­bles de la dan­za con­tem­po­rá­nea. En su re­cien­te edi­ción 2018 una obra se re­cor­tó con una ex­tre­ma sin­gu­la­ri­dad: Fran­quear la no­che, del co­reó­gra­fo Ra­chid Ou­ram­da­ne, que res­plan­de­ció, pa­ra­dó­ji­ca­men­te, con un te­ma os­cu­ro y te­rri­ble: el de los mi­gran­tes que via­jan des­de las cos­tas de Áfri­ca bus­can­do un im­pro­ba­ble re­fu­gio en Eu­ro­pa y que tan­tas ve­ces mue­ren aho­ga­dos en el Me­di­te­rrá­neo. Fran­quear la no­che une en la es­ce­na bai­la­ri­nes pro­fe­sio­na­les con ni­ños y ado­les­cen­tes mi­gran­tes y mien­tras tras­cu­rre es­te re­la­to que con­mue­ve has­ta las lá­gri­mas con las ar­mas más no­bles y más be­llas, un agua real in­va­de el es­ce­na­rio en un olea­je in­ce­san­te.

–Ra­chid, un as­pec­to sor­pren­den­te de su obra, en­tre otros, es có­mo lo­gró que no se de­bi­li­ta­ra la po­ten­cia es­cé­ni­ca con es­ta mez­cla de pro­fe­sio­na­les y ama­teurs y que to­dos pa­re­cie­ran for­mar par­te de una úni­ca… –...¿co­mu­ni­dad? Un bai­la­rín pro­fe­sio­nal pue­de re­pro­du­cir siem­pre igual un mis­mo ges­to; el ama­teur, no. En es­te ca­so la co­reo­gra­fía no exi­gía una gran pre­ci­sión, es una co­reo­gra­fía de ac­cio­nes. Fue ne­ce­sa­rio en­ton­ces que el vir­tuo­sis­mo del pro­fe­sio­nal se fun­die­ra con el ges­to co­ti­diano y que los ama­teurs apren­die­ran a mo­ver­se en el es­ce­na­rio, a per­ma­ne­cer tran­qui­los sin ha­cer na­da du­ran­te un lar­go ra­to, a eli­mi­nar los mo­vi­mien­tos in­vo­lun­ta­rios.

–¿Sue­le ha­cer es­te ti­po de mez­clas?

–En ge­ne­ral tra­ba­jo con per­so­nas que con­tie­nen en ellas al­gún ti­po de di­fe­ren­cia y con fre­cuen­cia gen­te que vie­ne de otros lu­ga­res: re­fu­gia­dos que tu­vie­ron que aban­do­nar su país por mo­ti­vos po­lí­ti­cos –us­te­des tie­nen en la Ar­gen­ti­na una tre­men­da his­to­ria al res­pec­to–, víc­ti­mas de tor­tu­ra, gen­te des­pla­za­da por cues­tio­nes cli­má­ti­cas. En ca­da ca­so in­ten­té que las di­fe­ren­cias nos sir­vie­ran pa­ra re­mi­tir­nos a quié­nes so­mos. No son tan­to pro­yec­tos so­bre ellos sino so­bre no­so­tros. No se tra­ta de re­du­cir­los al sta­tus de mi­gran­tes o de re­fu­gia­dos: el mo­do de mi­rar­los es nues­tro.

–¿Tie­ne otras obras en es­ta lí­nea?

–En mi pie­za an­te­rior reuní tes­ti­mo­nios de gen­te que ha­bía su­fri­do tor­tu­ras. Pe­ro no hu­bie­ra si­do éti­co ha­cer­los re­vi­vir ca­da vez lo que ha­bían vi­vi­do. Pre­fe­rí fil­mar los tes­ti­mo­nios e in­cluí a una bai­la­ri­na que en un mo­men­to da­do co­mien­za a gi­rar rá­pi­da y vio­len­ta­men­te. Con fre­cuen­cia la gen­te se emo­cio­na has­ta las lá­gri­mas, pe­ro es la to­ta­li­dad la que con­mue­ve; có­mo la dan­za se en­cuen­tra con la pa­la­bra, con el tex­to: el mo­vi­mien­to de gi­rar es abs­trac­to, pe­ro en cier­ta for­ma com­ple­ta el tes­ti­mo­nio.

–En Fran­quear la no­che los chi­cos mi­gran­tes no ha­blan ni hay tam­po­co tes­ti­mo­nios in­di­rec­tos de ellos.

–No po­día pe­dir­les que ha­bla­ran de sus ex­pe­rien­cias. Por eso usé tex­tos to­ma­dos de can­cio­nes de Da­vid Bo­wie y de Bob Dy­lan – “Hé­roes” y “Gol­pean­do en las puer­tas del pa­raí­so”, en los que hay re­fle­jos poé­ti­cos de sus su­fri­mien­tos; se es­cu­chan en off frases co­mo “qui­sie­ra na­dar co­mo los del­fi­nes” o “ma­má, es­tá muy os­cu­ro aquí”.

–¿El con­cep­to to­tal de la pie­za es­ta­ba des­de el prin­ci­pio?

–So­lo la idea del agua y de la in­men­si­dad. Que­ría tam­bién co­la­bo­rar con el vi­deas­ta Meh­di Med­da­ci y que hu­bie­ra una mul­ti­tud en el es­ce­na­rio.

–Des­pués del es­treno, al­gu­na gen­te se pre­gun­ta­ba por qué mos­trar es­ta obra al pú­bli­co bien ali­men­ta­do y ele­gan­te­men­te ves­ti­do de la Ope­ra de Lyon. ¿Qué se pro­po­nía us­ted trans­mi­tir­les? –Es una gran cues­tión: ¿por qué mos­trar es­te tra­ba­jo en esa ins­ti­tu­ción pres­ti­gio­sa? Es un po­co mi his­to­ria. Mis obras se ven en lu­ga­res muy dis­tin­tos: una fa­ve­la en Bra­sil, un ga­ra­je, en la ca­lle, en un par­que, en un tea­tro enor­me o pe­que­ño; en lu­ga­res don­de hay ten­sio­nes po­lí­ti­cas o don­de exis­te una to­tal li­ber­tad de ex­pre­sión. Pe­ro me gus­ta tam­bién co­rrer las fron­te­ras e in­ci­tar a ver de una ma­ne­ra di­fe­ren­te, di­cho en dos sen­ti­dos: que ese pú­bli­co vea a es­tos ni­ños y ado­les­cen­tes de una ma­ne­ra dis­tin­ta por­que el ar­te exis­te en to­dos la­dos y se tra­ta só­lo de re­ve­lar­lo. Y que los chi­cos se­pan que hay lu­ga­res abier­tos pa­ra ellos. Es es­tú­pi­do pen­sar que tal obra es­tá di­ri­gi­da al pú­bli­co de la Ope­ra y tal otra, a jó­ve­nes mar­gi­na­les. Creo que hay que con­fron­tar­se a las di­fe­ren­cias; no ha­cer siem­pre las co­sas pa­ra gen­te que ya co­no­ce­mos y que per­te­ne­ce a la mis­ma cla­se so­cial.

–El re­cur­so del agua que en­tra al es­ce­na­rio en olea­jes im­pli­ca un cos­to im­por­tan­te, su­pon­go, pe­ro la obra no se­ría lo mis­mo sin ella.

–No, no lo se­ría. La re­fe­ren­cia al Me­di­te­rrá­neo es fun­da­men­tal, pe­ro en reali­dad el re­cur­so es sim­ple y eco­nó­mi­co: una gran lo­na con bor­des ba­jos y ma­qui­nis­tas que con es­cu­rri­do­res van em­pu­jan­do el agua. –Us­ted co­men­tó en la con­fe­ren­cia pre­via al es­treno que los chi­cos, des­pués de tra­ba­jar un año con ellos, no que­rían su­bir a es­ce­na. –Fue­ron só­lo tres o cua­tro y par­ti­cu­lar­men­te va­ro­nes. Me de­cían: “Me en­can­ta ha­cer la dan­za con us­ted y con los com­pa­ñe­ros, pe­ro no quie­ro que me mi­ren”. Les ex­pli­qué que yo que­ría trans­mi­tir cier­tas ideas des­de el es­ce­na­rio, que ellos eran las me­jo­res per­so­nas pa­ra ha­cer­lo y pa­ra de­fen­der es­tas ideas.

–En 2010 es­tre­nó con una com­pa­ñía ru­sa la obra Bors­he­viks. ¿Po­dría co­men­tar al­go so­bre ella? –Fue un pro­yec­to so­bre qué es ser bai­la­rín en Ru­sia; qué lu­gar exis­te pa­ra los ar- tis­tas que se ven a sí mis­mos co­mo de van­guar­dia y de qué ma­ne­ra sa­lir de su lar­ga his­to­ria de aca­de­mi­cis­mo. Y es tam­bién una obra so­bre las fron­te­ras de hoy, co­mo de­jar el pro­pio país y có­mo re­gre­sar. Hay en ella mu­chos tes­ti­mo­nios de bai­la­ri­nes que se plan­tean la al­ter­na­ti­va en­tre so­bre­vi­vir co­mo ar­tis­tas en el pro­pio país o ir­se al ex­tran­je­ro. El tí­tu­lo es­tá to­ma­do de “bors­he­vik”, nom­bre de una plan­ta co­mes­ti­ble que pa­sa­do cier­to tiem­po se trans­for­ma en ve­neno; la obra es en­ton­ces una me­tá­fo­ra so­bre la idea de “si me que­do, qui­zás des­pués de un tiem­po se­rá de­ma­sia­do tar­de”.

–¿Y el so­lo La muer­te pú­di­ca?

–Fue un so­lo que creé pa­ra mí en 2004; par­tí de El jo­ven y la muer­te, de Ro­land Pe­tit [una pie­za icó­ni­ca es­tre­na­da en 1946 con Jean Ba­bi­lée y lue­go bai­la­da por gran­des in­tér­pre­tes] pe­ro con tec­no­lo­gía de hoy. Bus­qué en goo­gle “el jo­ven y la muer­te” y apa­re­cie­ron mu­chas re­fe­ren­cias: los jó­ve­nes ka­mi­ka­zes mu­sul­ma­nes, o aque­llos que se sui­ci­dan pa­ra lue­go apa­re­cer en In­ter­net, o quie­nes se matan des­pués de fu­si­lar gen­te co­mo ocu­rre en Es­ta­dos Uni­dos. Hay en la obra un dis­po­si­ti­vo en vi­deo con es­te ti­po de imá­ge­nes y yo las atra­vie­so sin trans­for­mar­me; “ha­blo” así de la pues­ta en es­ce­na de la muer­te jo­ven a tra­vés de la vía que sea: los me­dios, In­ter­net o el ar­te. –¿Cuál es la in­fluen­cia más im­por­tan­te que us­ted re­ci­bió co­mo ar­tis­ta?

–Me for­ma­ron dos es­cue­las: una ar­tís­ti­ca – la dan­za, el tea­tro, el ci­ne ex­pe­ri­men­tal– y la otra, la es­cue­la de la vi­da, en la que se apren­de to­dos los días con lo que ocu­rre al­re­de­dor de uno. Cre­cí en el mes­ti­za­je cul­tu­ral de mis orí­ge­nes, el Ma­greb, el Áfri­ca del Nor­te, Fran­cia, que me hi­cie­ron co­te­jar dos ver­sio­nes: en la es­cue­la es­tu­dia­ba la his­to­ria de Fran­cia; cuan­do vol­vía a mi ca­sa me con­ta­ban la his­to­ria de sus co­lo­nias.

En­tre­vis­ta al co­reó­gra­fo Ra­chid Oru­ram­da­ne

Fran­quear la no­che tra­ba­ja con el con­flic­to dra­má­ti­co de los mi­gran­tes que via­jan de Áfri­ca a Eu­ro­pa bus­can­do una vi­da me­jor.

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