Diversidad fashion contra el racismo inglés, por Gonzalo Mases
Los 80, el colectivo inglés Buffalo Boys creó una estética contestataria que confrontaba revistas como “Vogue” o “Harper’s Bazaar”. Su legado multicultural se revaloriza en tiempos de Brexit.
En la década del ochenta el punk y el new wave agitaban la escena cultural inglesa, mientras las políticas conservadoras de Margaret Thatcher se endurecían y las tensiones raciales provocaban disturbios en las calles. Sin Internet ni celulares, la vida transcurría offline y en tiempo real. En este contexto emerge el colectivo Buffalo, un grupo de estilistas, fotógrafos y modelos que se propuso cuestionar los valores victorianos mediante artículos editoriales que celebraban la diversidad cultural. Ante el surgimiento de un nacionalismo radical pro Brexit y los discursos antimigrantes, algunas marcas retoman aquel estilo en sus publicidades, y hasta en la redacción de manifiestos, mientras académicos y especialistas en moda advierten la necesidad de pensar hoy el legado de su estética multicultural.
En marzo de 1985, en el preciso momento en el que los sindicatos mineros perdían su batalla contra el neoliberalismo de Thatcher, otra batalla se iniciaba en el campo cultural. El rostro de un niño ilustraba la portada de la revista inglesa The Face. A modo de manifiesto visual, el retrato del chico de mirada desafiante y sombrero de fieltro con la leyenda “Killer” anunciaba la llegada de la estética Buffalo. Con el East London como trinchera creativa, y mediante un historicismo subversivo, el colectivo comenzó a desplegar opiniones en las revistas i-D y The Face que cuestionaban el nacionalismo exacerbado de Margaret Thatcher.
A través de su obsesión por los chicos rudos, la cultura jamaiquina y los pueblos nativos de los Estados Unidos, el colectivo creó un estilo multicultural que coqueteaba con el discurso homoerótico y afianzaba, a su vez, la sensibilidad estética del New Man de los años ochenta. En el códex del estilo Buffalo, las jerarquías de la industria eran eliminadas y las prendas de diseñador aparecían combinadas con marcas de segunda mano. Las chicas aparecían vestidas como chicos y los hombres eran retratados luciendo sacos sastre con polleras de cuero o calzoncillos boxers y borcegos.
Mientras las publicidades reproducían los discursos sobre la apariencia y las publicaciones de moda legitimaban el sistema de tendencias en un frenesí de colores, estampados y volúmenes exagerados, la pandilla Buffalo se diferenciaba con originales historias y looks de feria americana que ponderaban el multiculturalismo y burlaban las fronteras de género. “Has-
ta cierto punto, el trabajo de este colectivo dio forma a un lenguaje que fusionó política y parodia. Sus discursos crearon un contradiscurso a revistas como Vogue o Harper’s Bazaar y se convirtieron en el centro de la construcción de lo que se ha definido como la industria de la creación de imágenes, que se caracteriza por introducir una especie de historia social en la narrativa de moda”, afirma Marco Pecorari, director del programa de Maestría en Moda de la Universidad New School Parsons París.
Post referéndum, el escepticismo sobrevuela las negociaciones del Brexit y sus ideólogos arremeten con narrativas xenófobas que recuerdan a aquella moral victoriana que el colectivo intentaba desafiar. Ante los discursos que construyen a la inmigración como la amenaza a los valores y estilo de vida ingleses, revistas y etiquetas de ropa recurren a las tácticas estéticas propias del movimiento Buffalo.“El colectivo representaba todo lo contrario al euroescepticismo y a la visión estrecha de un país que todavía no se ha dado cuenta de que su imperio ha colapsado hace rato”, explica el profesor en estudios culturales Royce Mahawatte. “El estilo que proponían por entonces resulta perfecto para la actual era digital, que es donde se libran muchas batallas ‘Brexit’. De hecho, creo que esta reiteración del estilo Buffalo es más explícitamente política que antes, porque ahora se habla más sobre el legado de la supremacía blanca en la vida cotidiana. La moda contemporánea está resistiendo el etnonacionalismo”.
Aunque algunas campañas y editoriales hacen una defensa del multiculturalismo limitándose a retratar a modelos de diferentes orígenes étnicos, marcas como Jigsaw van más allá con manifiestos pro inmigración. “El estilo británico no es 100% británico –proclaman los carteles publicitarios de la firma inglesa–. ‘No existe el 100% británico’. Sea cual sea tu opinión, en algún momento de tu ascendencia, alguien se mudó e inquietó a los vecinos. Porque ninguno de nosotros es el producto de quedarse quieto. Y no somos diferentes. Como marca de ropa, no podríamos hacer lo que hacemos si las personas no tuvieran la libertad de moverse. Sin la inmigración, estaríamos vendiendo bolsas de papa”,
Para el historiador del arte Marcelo Marino, se debe entender al colectivo Buffalo como un movimiento no solo creado en el seno de grupos de migrantes, sino también por británicos de diferentes contextos raciales que ya pertenecían a una segunda o tercera generación en el Reino Unido. De este modo, la clave está en preguntarse cuánto hizo el multiculturalismo del colectivo Buffalo por reafirmar el imaginario del ser británico. “Esa es la misma pregunta que se ocuparon de desoír ahora y que los llevó al abismo de un Brexit, que ni siquiera pueden definir con palabras. Buffalo, desde la moda, es otra verdad que les explota en la cara, sobre algo que debería ser una tremenda ventaja. Me refiero a la constitución cultural, diversa y riquísima, de estos países”.
Ray Petri fue quien bautizó al colectivo. El estilista lo había tomado prestado de Jacques Negrit, uno de los hombres de seguridad del legendario club nocturno de París Les Bains Douches. Por aquel entonces, los hombres corpulentos que trabajaban ahí lucían las clásicas chaquetas MA-1 de aviador y la inscripción “Buffalo” impresa en la espalda. La segunda acepción para el diccionario del colectivo hacía alusión a “Buffalo Soldier”, la canción de Bob Marley dedicada a los soldados negros de infantería que habían luchado en el ejército de los Estados Unidos contra los nativos americanos.
Fue también Petri quien inventó el concepto de estilista, no como alguien que sólo selecciona un atuendo de una colección de diseñador y lo complementa un poco, sino quien imagina y crea mundos visuales. Ray tenía la capacidad de combinar la alta costura con los nuevos diseñadores británicos; yuxtaponer de modo experimental piezas de segunda mano y artículos inusuales, como tocados hindúes o faldas envolventes para hombres. Impulsado por el trabajo creativo de Ray Petri, el grupo desafió las convenciones de “la moda aceptable”.
La forma de seleccionar a sus modelos eran aún menos convencionales. Cuando Jamie Morgan, uno de los fotógrafos, acudió a una agencia para pedir un modelo de raza negra, le propusieron a Nick Kamen. Sorprendido, Morgan les dijo que Kamen no era negro, sino apenas “mitad birmano”. La agencia le contestó que esa era la representación más cercana a la que podían aspirar. Ante la escasa y casi nula existencia de modelos de color en las agencias tradicionales, la tropa contracultural decidió buscar por su cuenta los rostros que representarían mejor su proclama en las revistas de culto.
Al igual que muchos de los integrantes del colectivo, los modelos que encarnaban esta retórica estética provenían de familias migrantes y de clase proletaria. Eran los descendientes de las grandes comunidades de minorías étnicas que, en los años 50 y 60, habían emigrado del Commonwealth para habitar las viviendas precarias del sur de Londres, sufrir el desempleo y el acoso racial por parte de la policía. Eran los sectores oprimidos por un sistema de clases inflexible que el gobierno de Thatcher reafirmaba. “En esa fisura y tensión entre la rigidez del sistema social, el multiculturalismo proveniente de un legado imperialista y un notable espíritu creativo, es que surgió el movimiento”, explica Marino.
En los términos del filósofo francés Michel de Certeau, contra la estrategia del conservadurismo inglés, el grupo de fotógrafos y estilistas comenzó a desplegar tácticas que construían representaciones subalternas a partir de sus estudios de campo en las calles londinenses y clubes nocturnos. Las premisas eclécticas del estilo Buffalo en modelos como los hermanos Barry y Nick Kamen (quienes llegaron a calificar su descendencia racial como “un producto total del colonialismo”), creó un espacio de resistencia ante el ejército de hombres ataviados por el imaginario hegemónico de la masculinidad. “Estas representaciones visuales no fueron solo travestismo o un desdibujamiento de género, sino que atestiguaron una cultura más amplia expresada en la cultura pop y la música, que ayudaron a desestabilizar la mirada normativa de la época”, comenta Pecorari.
La decisión de seleccionar modelos de color y de forjar un estilo rupturista da cuenta de una posición estética, que resulta a la vez política. La subcultura Buffalo se construyó a través de un estilo que reflejaba lo que estaba pasando en las calles. Fue una forma de practicar la política a través de la presentación de una identidad multicultural. Identidad que es rechazada en la actualidad por el nacionalismo inglés radical. A más de treinta años de su nacimiento, entonces, las premisas Buffalo siguen siendo válidas. Porque los discursos xenófobos siguen vigentes.