De las montañas cuyanas al arte africano,
Inició su obra escultórica hacia 1952 en París. El ambiente post surrealista, psicoanalítico y existencialista la ayudó a reinventarse, a convertirse en crisálida. En una revisión introspectiva, Penalba recuperó recuerdos topológicos de su patria, de la naturaleza salvaje que tanto había observado, y los reelaboró como esencia de su obra abstracta, como propia necesidad espiritual. En ella, el paisaje estaba asociado a los primeros recuerdos y sensaciones de los lugares que, entre tanta infelicidad, le habían dado refugio. Penalba guardó en el fondo de sí misma aquellas formas sintéticas de variadas texturas y aquellas sensaciones de mar, de movimiento, de cambio.
A través de la experimentación con la arcilla, que fue su material preferido, ya que no le imponía ninguna belleza o expresión a priori, buscó construir un arte simple, puro y potente. La creadora entraba en trance, en una especie de ritual, involucrando todo su cuerpo y espíritu con el barro.
Su obra se puede catalogar dentro de la abstracción sensible pero combina rasgos de diferentes estilos. Del surrealismo tomó la relación con su mundo interior, se nutrió también del existencialismo y del misticismo (reflejados en su admiración por las catedrales góticas), del primitivismo totémico y misterioso explorado por el psicoanálisis (visible en su interés por el arte precolombino y africano, o por la gestualidad ancestral y el dinamismo de la caligrafía japonesa). A su vez, al nivel de la técnica, su obra es formal y rigurosa y se aprecia que conocía muy bien las relaciones armónicas académicas aunque se diera el lujo de jugar con equilibrios inestables. También, persuadida por el informalismo, en ocasiones le con-
firió una materialidad brutal al bronce, a la vez que experimentó con bases rústicas y de diferentes materialidades.
Esta artista formada en la modernidad creó sus diferentes series de obras en los años 50: verticales o totémicas, dobles, por elementos separados, caracolas, aladas, orolirios y formas voladoras con las que logró el traspaso hacia lo contemporáneo. Con estas tipologías experimentó en múltiples repeticiones, ritmos y cambios de escala. Buscó contrastes entre texturas, brillos y opacidades, lo rústico y lo refinado. También alternó con la materia pesada de la arcilla fundida en bronce o en cemento, que a fines de la década desmaterializó mediante el uso de las resinas poliéster y las transparencias del vidrio, y jugó con el resplandor del dorado pulido, con el acero inoxidable y la alpaca.
Pasó de las primeras maquetas, bocetos y petits, a la conjunción con la arquitectura
y la monumentalidad del espacio público en 1959, a la vez que aprendía también a trabajar en lo milimétrico de las joyas en plata y oro, en diseños de porcelanas y tapices, reivindicando a los objetos de uso cotidiano.
Sus primeras obras, los tótems, representaban lo primitivo de sí misma. Si bien parecen cerrados, tenían una cavidad donde ella colocaba “símbolos de la vida” que, a la vez, estaban protegidos con una fuerte coraza. Más tarde comprendió que se trataba de signos de gestación y que aquel misticismo tenía que ver con su soledad y con la timidez que debía soltar.
Obsesionada con la dualidad y el desdoblamiento libre de las formas, inició casi al mismo tiempo su serie de Dobles, esculturas que en su interior se unen y se separan como el yin y el yang, con tensiones carnales entre lo masculino y lo femenino, en formas
que están abrazándose y a la vez combatiendo.
A mediados de los 50 trabajó en sus Caracolas, de formas elípticas, ovoides, donde exploró la germinación, el nacimiento de la vida. Alrededor de 1956 comenzó sus obras por elementos separados, las cuales tenían ya un carácter monumental, aunque inicialmente fueran pequeñas. Eran formas puntiagudas, triangulares, autónomas, que salían desde una base plana y dialogaban entre sí formando un todo, originando ritmos y juegos de sombras.
A partir de 1958, con las llamadas “obras Aladas” buscó atrapar el vuelo en un instante. Sobre un eje vertical, superponía planos horizontales y oblicuos con pesos descentrados, que se elevan a la vez que se tuercen creando ritmos contrastantes, con gran dinamismo e inestabilidad. En 1959 desarrolló una variación de esta serie, los Orolirios, pensados como esculturas murales.
Y de una combinación entre éstas nacieron obras de carácter contemporáneo, que apelaban a humanizar el espacio público, donde estas formas salían de la tierra misma, como en la Universidad de St. Gallen, Suiza (1963). Y se transformaron en Formas voladoras, de livianas resinas poliéster encastradas en paredes de vidrio en su stand para Saint Gobain en 1960. Otras formaban parte interna o externa de edificios como la gran fachada curva del Hakone Museum, Japón (1969).
En toda su obra, la metamorfosis es una categoría clave para comprender su pensamiento, en el cual su deseo se transforma en escultura para liberar sus tabúes y seducir.
Victoria Giraudo es curadora en el Malba y fue responsable de la muestra de Alicia Penalba en ese museo, en 2016.