MAR, BOSQUE Y SUEÑOS COMESTIBLES
Nicola Costantino. La artista rosarina ahonda en esta entrevista en los secretos de Real absoluto, su nueva muestra individual en el MAR, que dialoga con la inquietante obra de El Bosco y se detiene en formas de vida abisales y fluorescentes.
El museo de arte contemporáneo de Mar del Plata (MAR) inauguró, ya en plena temporada de verano, Real absoluto, la muestra individual de la conocida artista Nicola Costantino. Presentando tres instalaciones en varias de las inmensas salas del primer piso del museo – “El verdadero jardín nunca es verde”, “Pardés” y “Abisal”–, Costantino da a conocer en esta exposición obra inédita: el último trabajo mencionado es creación reciente. Y el nombre marca datos que lo diferencian de trabajos anteriores: “abisal” refiere a lo que se encuentra más allá de la zona del talud continental; aquello que corresponde a profundidades de más de dos mil metros bajo el nivel del mar.
En un encuentro exclusivo con Ñ durante el montaje de Real absoluto, la artista rosarina comenta sobre sus obras nuevas, las producciones anteriores y sus comienzos: aquellos primeros años en Rosario, cuando todavía era una estudiante de arte de la Universidad Nacional de esa ciudad. Luciendo mameluco (look que Costantino adopta durante la preparación de sus exposiciones), con los cabellos teñidos algunos tonos más claros que lo usual, la creadora sostiene: “Abisal es un trabajo nuevo. Estoy fascinada con estos seres que habitan en las profundidades marinas y que se relacionan con lo absoluto: imagino como ‘abisal’ algo que se separó, que se deslinda totalmente de nuestra realidad cotidiana”.
–¿Qué te llama la atención del tema nuevo que estás comenzando a abordar?
–Que el mundo del mar está lleno de pequeñas formas de vida, bacterias, organismos que ni podemos imaginar y que se desconocen, o de los que se conocen unos pocos. A una profundidad como la de las Fosas Marianas (cerca de Filipinas, el mayor punto de abismo debajo del agua) flotan, nadan, se mueven miles de formas de vida fluorescentes. “Abisal” es también así: destella.
–El animal central de tu instalación tiene algo de calamar gigante y tentáculos o pelos…
–Sí, es sinuoso. Observo vidas y formas marinas, de lo profundo. Una y otra vez.
–En “Pardés” (“paraíso” en hebreo) y en “El verdadero jardín...”, hay una fuerte presencia de lo vegetal. ¿Por qué esa presencia recurrente? –En los últimos años empecé a sentir la importancia del universo vegetal. Nos ha venido salvando siempre a todos de las macanas que nos mandamos. Pero también las instalaciones se vinculan a “El jardín de las delicias”, el tríptico de El Bosco.
–¿Cómo nació la relación con el complejo trabajo de El Bosco?
–Por un lado aparece el concepto de diorama (escenas o decorados usuales en el siglo XIX, que iban rotando, otorgando al espectador la sensación de inmersión en un paisaje, por ejemplo). Pero al mismo tiempo iba pensando sobre cómo abordar la obra de El Bosco; iba ensayando. Entonces se me ocurrieron estos seres andróginos que además, llevan en sus caras algo similar a una máscara de gas: son calcos de una boca humana, de la que sale un hocico de cerdo y de la que cuelga también un cogote de pollo. –¿Cómo estructuraste estos objetos?
–Armé las esculturas con plásticos, con silicona, gomas. Cuando terminé y ví que era bastante fuerte, bastante impresionante, recién ahí sentí que la conexión con El Bosco podía entrar por algún lado. Entonces seguí trabajando en esa línea.
–En las dos instalaciones relacionadas con los bosques y lo vegetal aparecen estos seres andróginos. ¿Quiénes son?
–Representan cruces de universos, por eso está “la Leandra”, una chica trans. Y está vestida como una figura de hada, con un vestuario similar a las formas de un “white ghost”, esa orquídea que sólo produce una flor blanca por vez (su nombre científico es Dendrophylax lindenii). Y esta es otra forma que me fascina: la de la orquídea. Porque es un eslabón entre lo animal y vegetal.
–”La Leandra” aparece como un personaje principal de “Pardés”.
–Sí. Pero en esta instalación es importante, además del cruce de universos, que se trata de un bosque. Una especie de paraíso en donde todo está ofrecido de una forma muy diferente a la que nosotros estamos acos-
tumbrados. Otra cosa que es definitoria aquí es que, en este bosque, todo es comestible: las flores, algunos objetos…
–Desde tus comienzos en los años 90 en Rosario, tu ciudad natal, mantuviste una fuerte relación con la comida, como pudo verse, por ejemplo, en “Cochon sur canapé”, de 1992. –Cuando era chica empecé trabajando con lo que sabía hacer, que era cocinar y coser (mi madre tenía una fábrica de ropa y una boutique, de ahí que yo conocía ese mundo). Por eso mis dos primeros trabajos fueron “Peletería humana” y “Cochon...”. Pero de este último (mi primera muestra, en el Museo Castagnino) no hay, prácticamente, registro. Recuerdo que la inauguración fue una performance con participación del público: había una cama de agua con una forchetta (un lechón deshuesado) a la que rodeaban pollos al spiedo. Entre todos estos animales había un lechoncito embalsamado. Pero el público lo que quería era, obviamente, comer (Costantino sonríe).
–¿De dónde sacaste el lechón embalsamado? -Bueno, me anoté en un curso de taxidermia en el Museo de Ciencias Naturales de Rosario. Esa experiencia me sirvió luego para desarrollar toda mi obra.
–En esos años no existía la variedad de cursos sobre técnicas y materiales escultóricos que existe ahora…
–¡No, para nada! De hecho recuerdo que, cuando quería aprender a manejar algún plástico o algún vidrio, iba hasta las fábricas que trabajaban con esos materiales y les preguntaba si me dejaban quedarme ahí, en un rincón, mirando. Así aprendí.
–Después vino el Taller de Barracas, organizado por la Fundación Antorchas.
-Sí. Surgí de la primera camada del Taller de Barracas. Y esa experiencia me sirvió mucho: en parte porque aprendía con artistas como Pablo Suárez y en parte porque yo ya tenía, en ese entonces, ganas de dejar Rosario e irme a vivir a Buenos Aires.
–¿Cómo surgió esa posibilidad?
–Fue justamente gracias al Taller de Barracas: eramos la primera “promoción” y necesitaban asistentes. Entonces Pablo Suárez me ofreció trabajar ayudando en el desarrollo de las ediciones del Taller.
–Del trabajo “El jardín...”, ¿qué destacarías? –Que es un mundo en clave femenina, a pesar de que aparecen también los seres andróginos. Quise hacer aparecer en esta instalación diversos arquetipos de figuras femeninas. Hasta aparezco yo varias veces, entre ellas una con mi hijo Aquiles, representando la leyenda del más veloz entre los hombres pero con una única vulnerabilidad: su talón.