Tres trans atigradas
Entrevista a Marianella Morena. Después de convivir con un grupo de mujeres trans, la directora uruguaya cuenta el proceso de creación de su obra.
Una comida, un baile y una declaración como vertientes del encuentro íntimo. Así como la directora y dramaturga uruguaya Marianella Morena convivió en una residencia artística en medio del campo con un grupo de mujeres trans de Rivera (en la borrosa frontera de Brasil y Uruguay), Naturaleza trans replica esa cotidianeidad inasible a través de testimonios directos que transparentan la cercanía. Espiamos a través de una cerradura.
Antes de su llegada a Buenos Aires, Morena cuenta el modo en que el proceso radical que dio como resultado la obra que se estrena en el FIBA (y volverá luego al Teatro Solís de Montevideo) cambió su mirada sobre el mundo, como artista y ciudadana. –La obra es muy sincera respecto de su gestación. –Había una necesidad imperiosa de transmitir algo de lo vivido. Fue una experiencia que nació de vivir juntas y de la cercanía con el otro, y quería mantener ese contacto, más allá de lo escénico. Compartir la comida, lo cotidiano, como hacíamos durante la residencia, cuando el ensayo era lo doméstico y lo doméstico era lo escénico. Esta experiencia sirve para abrir un puente. Se tienen que seguir pensando modalidades de inclusión. Trabajar con proyectos testimoniales es un medio para que el teatro atraviese e incorpore al otro.
–Dada la especificidad del material, parecés colocarte en un lugar mucho más de editora que de dramaturga, en términos de discurso sobre las realidades de las chicas trans.
–No, claro. Ellas reciben un cuerpo que no las representa y luego representan otro cuerpo: esa es su historia. Yo solo organicé el material, toda la matriz dada por la frontera territorial, biológica, léxica, natural. Todo surge de ahí.
–¿Hubo resistencia a la hora de acompañar un proceso que te deja afuera tanto en términos de género como de lenguaje y estrato social? –La modalidad de trabajo fue la que permitió que las resistencias se fueran ablandando. Si no hubiéramos convivido, no sé si hubiéramos llegado a cierto grado de honestidad, de vaciamiento, de limpieza, de poder conectarnos los unos con los otros. Esta cuestión de ella, él, elle: la multiplicidad de géneros nos puede agobiar. La convivencia te deja en un lugar horizontal, porque estás desayunando, cenando o bailando reggaeton a la luz de la luna. Si no, te empezás a institucionalizar, adoptás un perfil académico. Me gusta quedar con el hueso, con algo más simple, más concreto, más frontal, y no con toda la ingeniería del lenguaje. De lo contrario, estamos cambiando para generar lo mismo de vuelta, lo rígido. Y eso puede ser peligroso. La inclusión es eso: sumar permisos, licencias en lo poético, en lo conceptual, en lo jurídico, en lo real.
–Al tratarse de personas sin formación artística, ¿cómo trabajaste la repetición del trabajo actoral?
–Las dirigí como actrices, si no es imposible, y queda todo en una cuestión amateur de taller. Estaban muy entusiasmadas por hallar una herramienta para tener voz, así que con el paso del tiempo fuimos encontrando un idioma común.
–¿En qué medida lo emparentás con tus puestas y obras previas, que tienen mucho trabajo de lenguaje?
–Es la obra de teatro documental más pura que hice. Me interesa transitar territorios en los que no me sienta tan cómoda o tan segura. Responde a la pregunta de qué significa ser un artista hoy en día. Qué es crear y no repetir una fórmula. Es muy peligroso andar dando sermones, saber lo que hay que hacer. Tenemos que entrar en una zona de riesgo, de fracaso. Este trabajo me enfrentó a una zona de niña que pregunta, y me resultó muy saludable como creadora y como ciudadana haber pasado por una experiencia así.