¿EL FUTURO ES EL ARTE INMERSIVO?
Tendencias. Cada vez más, el público espera “experiencias” multisensoriales antes que la “mera contemplación” de piezas. La empresa Superblue ofrece inmersiones profundas en obras de James Turrell, JR, teamLab y otros artistas.
Podría decirse que todo comenzó con una discusión sobre cobrar entrada o no. Era a fines de 2015 y Pace, la galería neoyorquina de primerísimo nivel con puestos de avanzada en Londres y Beijing, planeaba abrir su nuevo espacio en Silicon Valley con una exposición del colectivo de arte japonés teamLab. Parecía una buena opción: el objetivo de Pace Art+Technology, como se llamó la nueva sede, era acercar el arte a la gente de tecnología, y los entornos electrónicos altamente cinéticos y coloridos del teamLab son una celebración envolvente del arte, la ciencia, la tecnología y la naturaleza. Pero entonces la gente de teamLab dijo: “Van a cobrar entrada, ¿no?”.
Marc Glimcher, director ejecutivo de Pace, quedó perplejo. “Les dije que no se podía vender entradas”, recordó hace muy poco. “¿Por qué no?”, le preguntaron.
Porque “las galerías de arte venden obras de arte, no entradas”, respondió.
Entonces nos está diciendo que el negocio de ustedes es solamente venderles obras a los ultra-ricos.
“¡No, no!”, pero, aun así, Glimcher se dio cuenta de que tenían razón: el arte no siempre es una mercancía. Así que terminaron cobrando entrada, pero lo más importante es que la semana pasada Glimcher manifestó: “Ese fue el germen de una idea disruptiva”.
Esa “idea disruptiva” está a punto de materializarse, según el anuncio del pasado martes 4 acerca de una nueva empresa de riesgo que pretende reinventar la forma de exhibir arte. Superblue, como se llama, abrirá una serie de centros de arte vivencial (CAVs, para abreviar) que no venderán objetos preciosos como hacen las galerías convencionales. Ofrecerán experiencias artísticas: inmersiones profundas en obras de artistas como JR, fotógrafo francés que se dedica a temas como migración, desplazamiento y encarcelamiento, y James Turrell, famoso artista del movimiento Light and Space cuya gigantesca instalación en el Museo Guggenheim hace siete años fue descripta por The New York Times como “un espectáculo meditativo”.
Está programado que Superblue abra primero en Miami, para diciembre, en una construcción industrial abandonada que está cruzando la calle desde el Museo Rubell, una de las principales colecciones de arte contemporáneo.
Con sus más de 4.600 metros cuadrados, será lo suficientemente grande para presentar a diversos artistas a la vez y las muestras se prolongarán hasta 18 meses, mucho más tiempo que una exposición en una galería. En conjunto, Glimcher, presidente de Superblue, y Christy MacLear, empresaria cultural y estratega que será la directora ejecutiva, esperan abrir varios centros de este tipo en Estados Unidos, Europa y Asia. No es casualidad que la directora general Marcy Davis provenga del Cirque du Soleil, compañía que revolucionó el circo antes de verse empujada a la quiebra a raíz del coronavirus.
Superblue no será la primera empresa de arte inmersivo. Una compañía llamada Artechouse ha montado espacios de arte experimental de menor escala en Washington, Miami Beach y el mercado Chelsea de Nueva York, y teamLab llegó a asociarse con un desarrollador inmobiliario japonés en teamLab Borderless, una enorme vitrina en el muelle de Tokio que atrajo a 2,3 millones de personas en su primer año, la mayoría estadounidenses que superaron a cualquier otro país aparte del propio Japón.
Tanto Artechouse como teamLab Borderless cobran un precio de admisión y Superblue hará lo mismo, por valor de algo menos de 40 dólares en Miami, con participación de los artistas en las utilidades. “Se podría decir que es una evolución del mecenazgo del coleccionista al público”, comenta Christy MacLear. “Desde el coleccionista que posee la obra hasta el público que se relaciona directamente con el artista”.
Además de compartir los ingresos de las entradas con sus artistas, Superblue espera encargarles la creación de nuevas obras, darles apoyo financiero directo a quienes se inician y, en otros casos, ayudarlos a conseguir encargos de obras de arte público por parte de ciudades, festivales y similares. La inversión en tales obras puede llegar a millones de dólares: véase “Las luces de la bahía”, monumental instalación de luz de Leo
Villareal en el puente de la bahía de San Francisco-Oakland, cuyo montaje costó US$ 8 millones en 2013 y otros US$ 4 millones para hacerla permanente en 2016, sin contar las facturas de electricidad. Villareal forma parte del grupo Superblue –“decimos vagamente que es una red”, observa Christy MacLear– y como varios otros, entre ellos JR, teamLab y Turrell, también está representado por Pace. Otros no y según MacLear
las dos empresas son independientes. Cuánto se espera que cueste todo esto parece ser un secreto muy bien guardado.
Las instalaciones de arte inmersivo existen al menos desde fines de la década de 1950, cuando artistas pop emergentes como Jim Dine y Claes Oldenburg montaron “ambientes” anárquicos en el sótano de la Iglesia neoyorquina Judson Memorial en Greenwich Village. A mediados de los 60, Robert Rauschenberg y Andy Warhol se asociaron a ingenieros de los laboratorios Bell de AT&T para crear obras con elementos tecnológicos destinadas a que se las experimentara en lugar de que se las admirase. Más recientemente, el “Infinity Mirrored Room” de Yayoi Kusama (aproximadamente, espacio reflejado al infinito y conocido en español como “Cuarto Espejo / In finito”) en la Galería David Zwirner de Chelsea y el “Rain Room” (cuarto o espacio de lluvia) de Random International en el Museo de Arte Moderno de Nueva York tuvieron gente haciendo cola durante horas para experimentar algunos momentos de... ¿era arte? No importa. “Parecía la eternidad”, le dijo un fan de Kusama a The New York Times, refiriéndose no a las casi tres horas de espera que había soportado bajo un clima invernal sino a los 45 segundos de los que dispuso para pasar entre las luces titilantes de la simulación del infinito llevada a cabo por la artista con el tamaño de un armario en el que se entraba.
Sin embargo, incluso mega galerías como Zwirner o Pace están mal preparadas para manejar este tipo de trabajos. Sus patrimonios comerciales son obras de arte que se venden por siete cifras en dólares o más, de creadores como Jeff Koons, Alexander Calder, Chuck Close, David Hockney, Mark Rothko y Julian Schnabel. De todos modos, aclara Glimcher, “tenderemos hacia las instalaciones, lejos de los objetos físicos, sabiendo que el dinero está puertas afuera y no puertas adentro. La forma en que íbamos a recuperar el dinero puertas adentro era vendiendo cuadros”.
Afortunadamente para Glimcher, los coleccionistas siguen comprando cuadros, o los compraban hasta que atacó el coronavirus. (Como otras galerías, Pace ha despedido a un importante contingente de empleados; la inmensa sede nueva que abrió en Chelsea en septiembre pasado estuvo cerrada durante meses y ha reabierto hace muy poco, sólo con cita previa).
Pero para un público más amplio, y en particular para los más jóvenes, los objetos de arte ya no son los dibujos que fueron alguna vez. Esto forma parte de un cambio mucho más grande en favor de las experiencias de inmersión y en contra del consumismo en general. Durante bastante más de una década, los analistas de tendencias vienen notado una preferencia creciente por las experiencias por sobre las cosas. “Y esto es doblemente cierto con el coronavirus”, señala B. Joseph Pine II, coautor con James H. Gilmore de The Experience Economy (Economía de la experiencia) libro que declara que el eje de los negocios hoy ya no son los bienes y servicios sino las experiencias. La pandemia, añade, “nos impulsa a hacer una pausa y pensar, ¿qué nos hace felices? ¿Qué significa la vida? Tenemos suficientes cosas”.
Para la gente de Pace, el camino de las experiencias pasa por Silicon Valley, donde Glimcher –cuyo padre, Arne Glimcher, hoy de 82 años, fundó la galería hace 60 años y la convirtió en una potencia– forjó una nutrida red de contactos. El más decisivo de ellos fue la multimillonaria activista Laurene Powell Jobs, viuda y heredera del cofundador de Apple, Steve Jobs, que se unió a Glimcher para financiar la nueva empresa a través del Colectivo Emerson, su vehículo de inversión para el cambio social. Otra figura clave es Mollie Dent-Brocklehurst, ahora cofundadora de Superblue, que montó la sucursal de Pace en Londres en 2010 y más tarde encabezó Future/Pace, primer intento de la galería de irrumpir en el arte experiencial. Con el tiempo esto llevó a una iniciativa llamada PaceX que fue la precursora inmediata de Superblue.
“Me dijo Laurene que no se va a llamar PaceX, disculpas”, dice Glimcher. “Estamos rompiendo todas las reglas y tenemos que inventar algo nuevo. Todo este quiebre de reglas lo hizo pensar en Der Blaue Reiter (El jinete azul), movimiento artístico radical que surgió en Alemania antes de la Primera Guerra Mundial. Uno de los empleados más jóvenes escuchó a Glimcher y regresó con Superblue.
“Me dije ‘es lo peor que he escuchado’”, recuerda Glimcher, “pero no pude sacármelo de la cabeza”. Se lo mencionó a su maestro de meditación, Thom Knoles, antiguo protegido del yogui Maharishi Mahesh que inició en la meditación trascendental a Los Beatles en los años 60. Según Glimcher, Knoles le dijo que la palabra Krishna es en sánscrito lo que en inglés es “superblue” (superazul), aparentemente una traducción libre, pero no importaba. Superblue sería.
¿Y los artistas? “Me encantó, me encantó, me encantó la idea”, responde JR, contactado por teléfono cuando regresaba de un rodaje en suburbios parisinos de bajos ingresos. “Empecé a trabajar y a intercambiar ideas”. Ralph Nauta y Lonneke Gordijn, de Studio Drift, sienten en gran parte lo mismo. “Por suerte ahora existen esta energía y este movimiento donde encaja nuestro trabajo”, comenta Nauta y agrega que “no hay mercado” para el tipo de arte que hacen ellos, como los 300 drones con luces que hicieron volar en mayo por el centro de Rotterdam en celebración de la salud y la libertad.
“Nunca he vendido nada”, dice Es Devlin, artista de Superblue radicada en Londres que diseñó una asombrosa escenografía para la aclamada puesta en escena de Sam Mendes de The Lehman Trilogy, una caja de vidrio giratoria de 74 metros cuadrados en la que el ascenso y caída de una dinastía americana ocurre como dentro de un gigantesco adorno navideño. Más recientemente, Devlin organizó un coro compuesto por personas vestidas como personajes de retratos del Louvre para el desfile de moda femenino otoño/invierno de Louis Vuitton, con música de Bryce Dessner, de la banda de rock The National. Tampoco a ella la representa la galería, sino que trabaja con un manager.
“Está bien claro que soy un animal teatral”, agrega, de modo que al menos no parece tener problemas con que se cobre entrada. ¿Funcionará Superblue? “Sabremos más después de haberlo intentado”, concluye Es. “Háganme la pregunta de aquí a un año”.