UNA CITA ESPERADA CON EL MAR
Colectiva. Tras permanecer diez meses cerrado, el museo MAR reabrió sus puertas con una muestra de once artistas marplatenses, algunos de ellos consagrados, como Matías Duville y Daniel Joglar.
Después de diez meses cerrado debido a las restricciones de la pandemia, el sábado 9 de enero reabrió sus puertas en Mar del Plata el museo MAR (Museo de Arte Contemporáneo de la Provincia de Buenos Aires), con un protocolo de visita y medidas de seguridad bien observadas por el personal que ha quedado disponible. Esperada por todos, la muestra curada por su actual director Daniel Besoytaorube, El orden y el accidente –título que deriva del poema homónimo perteneciente al libro de Octavio Paz Conjunciones y disyunciones– se despliega en dos salas con las propuestas de once artistas formados en la ciudad, residentes algunos y otros ya instalados en otras locaciones, pero considerados referentes. Aun cuando sus trayectorias son más o menos reconocidas, ese grado de pertenencia con Mar del Plata parece operar como un hilo conductor que los atraviesa: cierta pasión por lo cotidiano, encontrar la poesía en los objetos simples y dar con el material que está más a la mano, como punto de partida para un corpus de obra que en los diálogos de las dos salas se integra y se fortalece. El título, pensado en función del modo de producción de cada artista, se cargó de nuevas resonancias donde el accidente de lo inesperado obligó a tomar decisiones todo el tiempo, que incluyeron múltiples presentaciones por las redes que fortalecieron el deseo de visitar las salas, manifiesto hoy en una lista de espera que cubre ampliamente los días habilitados.
El recorrido se inicia en el exterior del edificio, con un dispositivo al que se puede conectar auriculares propios. Se escucha en él la obra sonora de Mariana Pellejero, que ya fuera presentada en espacio Silencio (Dispositivo Sonoro Poético Visual), un emprendimiento de los artistas Camila Sánchez y Facundo Pereyra, que se encuentra a pocas cuadras del museo. Si bien se producen activaciones programadas, el sistema ubicado fuera de la vidriera permite acceder en todo momento al transeúnte a una conexión que lo introduce en otro tiempo. Subiendo la escalera de acceso a las salas, el mismo espacio se recupera en una reproducción fotográfica, en versión muda y a gran escala. Facundo Pereyra, además de la gestión cultural, integra el Proyecto Fauna PF que produce obras con esténcil en toda la ciudad. Jugando con ese mismo placer de descubrir ideas en la calle, Pereyra reunió una cantidad de carteles publicitarios desechados, cargados de esa materialidad que sin duda expresa una historia, a los que interviene borrando algunas partes más las letras de la palabra VENTA hasta dejar visible END. Una notable instalación de pinturas de “origen no autoral’, casi una invocación a que algo termine, la obra así dispuesta se comunica como FIN (Pensamientos gráficos 2013-2020).
Con otra potencia de color están los seis retratos de la serie Imagínate tú (2018) de Laura Spivak. Concebida a partir de fotos personales y de amigos que “retratan momentos plácidos donde aparentemente no sucede nada relevante”, como reconoce Spivak, pero que tienen su marca para representar lo humano bajo una tipología muy personal de colores planos.
Muy cerca se ubica el despliegue de paredes amarillas con falsos arcos de medio punto que integran el conjunto de obras de Daniel Basso reunidas bajo el título “Algunas ideas en ecocuero” (2020), en las que se apropia de objetos descartados. Cargados con un pop cotidiano, cierta ingenuidad y simpleza reconocible, a los que el artista le modifica algunas pequeñas partes hasta volverlos ready mades ayudados.
Valeria Gopar ocupa un módulo que distribuye el espacio con un gran despliegue de piezas integradas en la instalación “La síntesis del día (Diario íntimo visual)”, 2020. Mediante un plan cotidiano en tiempos de aislamiento, Gopar, residente en Mar del Plata, fue recuperando pequeñas anotaciones gráficas en 192 obras de hojas caligráficas y placas de mdf sobre bastidores rígidos, sin un código expreso reconocible, que surgen de su inspiración a través de un sonido, la disposición de restos en la vereda, señales que ella dibujó y luego pasó a soportes planos.
Es muy interesante la obra “Tu recuerdo, mi reliquia # 2”, de 2020, donde Margarita Wilson-Rae acopla objetos reunidos en su taller pertenecientes en gran parte a su familia, pues “no solo me importa el objeto como tal –dice– sino también las historias, su capacidad evocativa”. Utilizando procedimientos domésticos como apilar, enrollar, plegar o envolver, piensa la obra como una escena donde el color es un aglutinante con capacidad de dotar de una atmósfera a esos elementos que aparecen pintados, teñidos, encerados, laqueados. La calidad táctil es fundamental y está armada sobre figuras protagónicas: seis llantas de maquinarias agrícolas, un fardo cilíndrico, dos mástiles de antiguas embarcaciones que constituyen la verticalidad más marcada.
Inés Drangosh hace un interesante contrapunto con Daniel Joglar, en tanto la materialidad de sus obras tienen una marcada levedad, con procedimientos diferentes. Drangosch reutiliza cortinas sobre las que borda palabras o frases que provienen de sus lecturas de poemas. La temporalidad de bordar, “con dos puntos conocidos”, como aclara, se basa en lecturas de poemas, de los que a veces rescata al autor. Sobre una mesa, se encuentran una serie de pequeñas obras con el título de “Relaciones personales”. Son de distintas épocas y provienen del impacto que reconoce cuando dice “esto es algo”. Destaca un libro de poemas a los que Inés les aplica una cinta de papel que, al retirarla, levanta en parte el texto mientras la cinta queda como un rulo al costado, el juego de leerlo se ve clausurado y parece conseguir una representación de cómo la memoria puede quedarse con lo que le interesa.
Daniel Joglar vuelve a realizar “Red”, 2006-2020, donde instala 1.500 rosarios luminosos en un cuarto oscuro al que ingresa una persona por vez. Realizada para la 29ª Bienal de Pontevedra, España, y exhibida también en el Centro Cultural Recoleta, aquí tiene menos espacio de circulación, pero mantiene la posibilidad de un momento de introspección. Otra obra de Joglar es “Carta Astral”, 2020, una recuperación de los clásicos dibujos geométricos que unen puntos con imanes, lanas y varillas de madera.
Matías Duville, Nicolás Robbio y Florencia Reisz ocupan la sala contigua de un modo inquietante con obras hechas de elementos mínimos que adquieren otro valor en el contexto de una sala tan amplia. Duville exhibe varios tiempos, tanto los primeros dibujos sobre seda hechos con birome, como las carbonillas sobre papel donde destaca “Decomposition”, 2014, un cuerpo yacente iluminado cenitalmente que posee una carga de dramatismo que a veces atraviesa su obra. En “Time Drill” (taladro del tiempo, 2013), un tronco petrificado fijado con acero forjado descansa en el piso desafiando el uso probable de cada uno. Florencia Reisz, artista proveniente del grabado, expande la técnica en una instalación que tiene una reminiscencia a las estructuras primarias. Un gran vidrio trabajado con tinta de grabado en densidades de azules se desprende tanto del piso como de la pared para relacionarse con unos planos trabajados a lápiz directo sobre la pared en contrapunto con un plano negro que dinamiza y transforma el conjunto en escultura de gran tamaño. Nicolás Robbio presenta una obra de 13 metros de ancho de su serie Estudios de tensión de 2011. Con una soga náutica, marca dos flechas contrapuestas sostenidas en la mitad por una rama, ‘es la idea de la geometría como utopía’ dice y modifica físicamente la fuerza vertical de la gravedad, convirtiéndola en fuerza horizontal. Construidas de memoria y materia, de abstracción y geometría, estas piezas nos trasladan a ejercicios de imposibilidad que no dejan de ser lógicas del dibujo.