EN EL RECOLETA: UN CAMINO SINUOSO
Tras 9 meses cerrada, se puede volver a recorrer en el Recoleta una gran muestra que pone en diálogo obras de Wells, Hasper, Sobrino, Schiavi, Zech y otros geométricos contemporáneos.
La incertidumbre fue –se sabe– un constante de 2020, también en el arte. Un signo del terreno movedizo que debieron transitar artistas, curadores, museos, galeristas, fue la cantidad de exhibiciones que inauguraron en los primeros días de marzo y cerraron sine die apenas días después. Desde hace semanas es posible recorrer en el Centro Cultural Recoleta una de tantas que corrieron esa suerte. Curada por Laura Spivak y Julián Manzelli, El camino de las formas se inauguró el 5 de marzo y cerró una semana más tarde debido a las restricciones que impuso la pandemia. Las esculturas, instalaciones, pinturas, serigrafías de Luis Wells, Andrés Sobrino, Carola Zech, Cristina Schiavi, Graciela Hasper, Jimena Fuertes, Elian Chali y Cotelito quedaron allí, montadas para nadie, en la soledad de las salas 3, 4 y 5 del Recoleta, a la espera de una eventual reapertura. Por la calidad de las obras expuestas y por el esfuerzo que significó reunirlas en este diálogo de artistas contemporáneos –de diferentes generaciones y grados de consagración– que siguen transformando con su trabajo la enorme tradición de la abstracción geométrica en nuestro país, es digno de celebración que finalmente la muestra continúe abierta.
La particular arquitectura del Recoleta y la continuidad de estas tres salas que dan una gran vuelta en U parecen inmejorables para el recorrido de esta exposición que los curadores Spivak y Manzelli describen como “un posible recorrido o evolución del pensamiento abstracto en tres etapas: orden, caos y reconstrucción”. La muestra se inicia con obras de Andrés Sobrino (San Miguel de Tucumán, 1967), un conunto de pinturas de diversos formatos, colores y tamaños. Se trata de trabajos sin título –esmalte sintético sobre MDF y materiales varios– que Sobrino ya había mostrado en otras oportunidades, en esta ocasión montados de manera tal que los vuelve una gran instalación compuesta por formas geométricas simples de diferentes dimensiones. El espesor de las tablas sobre las que pinta y el brillo y materialidad del esmalte sintético que utiliza convierten a las obras de Sobrino en algo que está entre la pintura y el objeto: triángulos, círculos, cuadrados, rombos, hexágonos, rectas, diagonales –de un lado colgados en la pared, del otro, apoyados en el piso a veces cubriéndose parcialmente unos a otros– rodean al espectador casi como en una experiencia inmersiva.
De la nada, dicen los curadores, “aparecen las primeras figuras. Se ordenan, se clasifican, se estudian y a partir de ellas se construye el mundo. Pero la naturaleza del orden es efímera e inestable y da lugar al caos, fuente aleatoria de creación. (...) Finalmente nos enfrentamos a la reconstrucción, donde la abstracción se eleva al nivel simbólico y lúdico bajo el manto de la subjetividad”. El párrafo parece aludir al recorrido que propone la muestra, que se inicia en esas formas geométricas casi ideales de Sobrino, se complejiza en la misma sala con las dos grandes pinturas de Gachi Hasper y la gran instalación de Jimena Fuertes que le siguen, se convierte en algo lindante con el caos en la siguiente sala ocupada por la enorme escultura de Carola Zech bajo el techo donde Elian Chali pintó un fresco, y desemboca en la Sala 5, donde las obras de Cristina Schiavi, Luis Wells y Cotelito proponen, sin abandonar la geometría, una aproximación que se vincula con el juego y la subjetividad.
Realizadas en 2001 y pertenecientes a la Colección del MACBA, las dos pinturas de Hasper (Buenos Aires, 1966) son ejemplos de su trabajo con el color. En una de ellas se repiten cuadrados y rectángulos como dibujados con el pincel con acrílico de 7 u 8 colores, levemente rotados, que se entrelazan sobre el fondo blanco de la tela en una trama aparentemente simple donde sin embargo el ojo puede encontrar infinita complejidad. En la otra, el cruce de colores se da en una vibrante trama de líneas que juega con el plano de manera tal que parece componer una grilla con volumen.
En el fondo de la sala, de modo que el espectador la tiene en su campo visual desde que ingresa y se va acercado a ella, la instalación “Todo lo que no se ve existe”, de Jimena Fuertes (Buenos Aires, 1972), es casi un manifiesto de la artista. Se trata de “la manera que tenemos de invisibilizar lo que no queremos reconocer como diferente. Nos mimetizamos, nos reconocemos entre lo conocido. Pero somos sangre que fluye, río inevitable que no puede contenerse. La diferencia se hace visible, se transforma el paisaje, que pide ser otro”, ha dicho Fuertes de esta obra, que muchos recordarán haber visto en el espacio del Banco Ciudad en arteBA 2019.
La Sala 4 está completamente ocupada por la instalación escultórica “Como el viento II”, de acero plegado y policromado con pintura para autos e imanes, en la que Carola Zech trabajó todo el verano de 2020. Dice Zech: “La idea/metáfora del viento aparece manifestada en el procedimiento a partir del cual se ordenaron las piezas, ya que con la ayuda de un secador de pelo los volúmenes de madera balsa a escala que habitualmente utilizo en mi trabajo, encontraron una disposición dentro de una caja vacía de zapatos. Cayeron a causa de la gravedad, pero las trayectorias y coincidencias que realizan entre sí son independientes y azarosas. Replicando estas ubicaciones, dispuse los volúmenes metálicos luego en la sala 4 del Recoleta”. La metáfora del viento, explica la artista, hace referencia al azar como factor presente y determinante en la vida de las personas y sus vínculos; los encuentros accidentales, las situaciones imprevistas serían manifestaciones de esta realidad. “Nube/ Tajo/ Domicilo/ Peso”, la pintura de Elian Chali (Córdoba, 1988) sobre el techo abovedado de la sala, parece casi una ambientación de la obra de Zech.
El recorrido continúa en la última sala con dos obras de Cristina Schiavi (Buenos Aires, 1954) que funcionan de algún modo como una sola. Son “Living” (2008) y “Selección de animaciones en flash” (2005/ 2008/ 2011). La primera está hecha de cuerpos muy simples, como muebles de un living. La segunda, cuyo soporte en un monitor, podría verse como un televisor en ese living, igual que el retrato de una mujer –del todo figurativo y ajeno a la geometría– , que funciona como un cuadro del ambiente.
Lo que sigue podría ser una muestra en sí misma: una decena de piezas de la extraordinaria serie Toys de Luis Wells, pertenecientes a la Colección Maman Fine Art. Wells inicó sus Toys en 1964, cuando buscaba una mayor participación del espectador, que puede armar su versión de cada pieza más o menos a su gusto. Imperdibles.
El camino de las formas cierra con obras de Cotelito (1983), artista que incorpora la estética del animé a la geometría. Más que cierre, una apertura.