SANTIAGO GARCÍA SÁENZ: PINTAR, ESE SUTIL EXORCISMO
Colección Fortabat. Con épica de inclusión, la primera muestra antológica del artista argentino le da un lugar singular en el arte de los 80. Su obra, con su marca de mística y sordidez, está atravesada por la pandemia de HIV.
Tal vez suene por demás exagerado hablar de la obra de Santiago García Sáenz como “un secreto a voces”. Nacido en 1955, el artista desplegó una carrera que lo mantuvo siempre en el circuito, con muestras, premios, obras en espacios públicos y amistades profundas con colegas de su generación, como Liliana Maresca, celebradas en trabajos compartidos. De algún modo, sin embargo, su obra sigue resultando una sorpresa a los ojos de los espectadores. La organización de su acervo y archivo, comenzada en 2012 por galería Hache en conjunto con su familia, cobra entonces una épica de rescate, y “Quiero ser luz y quedarme”, la muestra que la Colección Fortabat le dedica por estos días, parece consagrarlo definitivamente como un artista original y significativo, dentro de la historia reciente del arte argentino.
Curada por Santiago Villanueva y Pablo León de la Barra, la muestra resulta la primera antológica del artista (fallecido en 2006) y lo instala dentro de una genealogía de exposiciones que la Colección viene realizando en los últimos años, colaborando en la construcción de aquella historia del arte de los 80 y 90, tan rutilante como dolorosa, que recién se empieza a escribir. Antes, sus salas acogieron las obras de otros significativos de esa época, como Marcelo Pombo, Benito Laren y Omar Schiliro, además de la exposición colectiva que curó en 2019 Francisco Lemus, orientada a rescatar a las artistas mujeres en torno a la galería del Centro Cultural Ricardo Rojas.
Pero el caso de García Sáenz va más allá de todas las catalogaciones que la historia intente hacer. De formación autodidacta, reconoció haberse inspirado, durante un tiempo, en la pintura del (ya por ese entonces) maestro Yuyo Noé. Cultor del trash y del reviente de la primavera democrática de los 80, su obra corre, sin embargo, por otros carriles. Expone en el Recoleta y en el Bellas Artes, cuando el resto de su generación converge en los espacios del under. Y pinta (y cómo) cuando la mayoría de los artistas se vuelca hacia otras prácticas más delirantes, en un espectro que abarca desde las instalaciones más sesudamente conceptuales, hasta la performance, o la reivindicación de denostadas labores domésticas, como el bordado.
Que García Sáenz fue un pintor prolífico queda evidenciado ahora, en las más de seis salas en que su obra ha sido dividida a instancias de la curaduría. Que fue un pintor de oficio, lo demuestra la delicadeza de tonos que convergen en cada uno de sus lienzos, como si el artista se hubiera dedicado, por un tiempo fuera del tiempo, simplemente a aplicar capas casi traslúcidas de óleo (lo cual ya es toda una proeza) para hacer que la luz emerja desde el fondo, con una fuerza inquebrantable.
Es esa luz la que lo vuelve un místico. Esa luz, más allá de aquel otro dato curioso, para un artista de fines de siglo, que es la casi omnipresente temática religiosa de sus cuadros. Hijo de la clase aristócrata argentina, García Sáenz fue uno de esos personajes un poco anfibios, que pueden sobrevivir en un medio y otro al mismo tiempo. De día podía formar parte de aquella “elite” social asociada a la vida de campo, que practicaba férreamente el catolicismo como modo de pertenencia. De noche, deambular buscando amor por las esquinas más sórdidas de algunos barrios porteños. Tal vez por eso tuvo dos talleres, uno el campo familiar en el interior de la provincia de Buenos Aires (donde pasaba largas temporadas). Otro junto a su amigo, el también artista José Garófalo, en el corazón del Once.
Sin querer ser una muestra cronológica, Quiero ser luz y quedarme arranca indefectiblemente por el principio, mostrando algunas de sus obras más tempranas. Pero la estridencia de los primeros lienzos (el díptico “Guerra” y “Paz”, por caso, dedicados a Malvinas, y “Autorretrato con adicción”) deja rápidamente paso a una paleta más suave, y a otro tipo de motivos. Tal vez por aquella doble condición de aristócrata y artista (o mejor dicho de lo que significaba ser artista en los 80 y 90) García Sáenz parece camuflar dolor entre sus capas y capas de óleo; o en sus paisajes (sean selvas paradisíacas, o ciudades infernales siempre redimidas por algún halo de luz); o en sus pequeñas figuras, que recuerdan la pintura ingenua del aduanero Rousseau, otro extraviado de su tiempo, que como él confiaba en la pintura, en medio de un mundo en crisis.
“En su momento conocido principalmente como un pintor religioso y naif —escriben los curadores—, con esta exposición y, ayudados por la distancia en el tiempo, pretendemos darle la vuelta a algunas lecturas pasadas para mostrar a un artista que, detrás de esa religiosidad —aunque fundamental para entender las tensiones y contradicciones en su vida y obra— presenta una gran complejidad debido en parte a la manera en que enfrenta a través de su trabajo los temas relevantes de su tiempo”.
Las salas se organizan a partir de diversas series, que el pintor llevó adelante a través de los años, y en las que aparecen temas en apariencias tan distantes como el atentado a la AMIA, la identidad latinoamericana y la crisis del sida. Por la proliferación de pequeños cristos y hospitales, no es un dato menor considerar su experiencia con el vih como un motivo fundamental de su pintura, hablando de motivo como motivación, como motor y norte, y no como mero asunto a representar.
Aunque García Sáenz pertenece a una generación diezmada por aquella pandemia, y vio a muchos de sus afectos morir vícti
mas de esa enfermedad, él mismo la padeció en relativo silencio. En sus pinturas abundan, sin embargo, los mártires sangrantes, los cristos conectados a sus pequeños sueros, los hospitales construidos con bóvedas que semejan basílicas, las camas, y el dolor de los pacientes, como una suerte de discreto exorcismo.
En otra de las salas, en cambio, los cristos (hay muy pocos hombres que no sean Cristo en sus pinturas, y casi ninguna mujer) parecen estar a punto de organizarse en fiestas orgiásticas y fantasías eróticas, en algún edificio abandonado a la noche porteña. “Creemos estar presentando una lectura homoerótica de la obra de García Sáenz que él mismo no pudo en su momento realizar”, comenta al respecto Santiago Villanueva. Sus muchedumbres de cristos en cuero y vaqueros hacen pensar en Pier Paolo Pasolini, para quien también la imaginería católica era un aliciente fundamental de las imágenes… y la herejía cobraba forma de erotismo.
García Sáenz se mueve con soltura entre la más ferviente imaginería religiosa. Desde ese sentido de pertenencia es que desarma los mandatos para ubicar sus dioses humanos con gesto melancólico en medio de una Buenos Aires asediada por la violencia. O su decálogo de mártires condenados, en medio de edenes inspirados en la selva paraguaya y entre ruinas jesuíticas, y sus Ecce Homo atados a palmeras.
Su viaje por el continente americano lo marca profundamente, y a partir de esa experiencia realiza la serie Te estoy buscando América, que se ubica en la muestra en una sala aparte. Aquí las etéreas capas de pintura dejan lugar a una pincelada más cargada, de un material más espeso (esmalte sintético), casi como si estuviese pintando con tierra. Pero con una tierra llena de brillos. Estas obras son un paréntesis pagano dentro de su procesión de mártires y santos, pero la búsqueda de la fe permanece, y entonces emergen las divinidades propias de las culturas precolombinas, y la fuerza de la naturaleza en clave de naranjas y verdes.
Casi al margen del resto del recorrido, aparecen sus autorretratos, en los que el artista se representa o bien pintando, o bien practicando alguno de los santos sacramentos. Con sus perspectivas rebatidas y su aire votivo, estas telas, de formas y tamaños aleatorios, parecen ex votos populares, y la pequeña sala cobra entonces espíritu de capilla, o de altarcito pagano. Rindiendo culto con ternura a la pintura, García Sáenz consiguió lo que todo buen santo que se precie: entender que el paraíso mide lo que un lienzo, y que solo refulge con verdadero brillo en el medio de la más oscura noche.