EL LENTO BAILE DEL REGRESO
Panorama. Cuatro protagonistas de la danza argentina cuentan los desafíos que enfrentó la disciplina desde marzo de 2020, y preparan sus cuerpos para volver al espacio compartido.
Dos personas que se mueven estrechamente enlazadas, los cuerpos sudorosos y las respiraciones agitadas; podríamos estar describiendo una escena amorosa, pero en este caso es igualmente el retrato vivo de un ensayo de danza. Con tal intercambio de fluidos, qué otra cosa podía esperarse que una semi parálisis de la profesión a partir de la diseminación planetaria del Covid. Pero la danza continuó activa bajo formas virtuales; ciertamente, pálido sucedáneo de la vida real, aunque con resultados estimulantes.
Desde que comenzaron los ensayos, las palabras “hisopado”, “burbuja”, “parejas convivientes” y “protocolos” pasaron a integrar el vocabulario diario de la danza profesional. Así empezó el regreso en la ciudad de Buenos Aires: el Ballet del Colón y el Ballet Contemporáneo del San Martín prepararon obras para una temporada tardía pero temporada al fin. La danza independiente vuelve de a poco en pequeños formatos y el Buenos Aires Ballet prepara un programa para este domingo 8 de agosto. Cuatro protagonistas hablan aquí del futuro que imaginan cuando el Covid sea algo del pasado.
Paloma Herrera dirige el Ballet del Teatro Colón. En 2020 la compañía presentó por streaming grabaciones de años anteriores y una obra nueva virtual de Matías Santos, integrante del Ballet. Pero desde fines de 2020, con el ritmo fluctuante de los confinamientos, ya se comenzó a ensayar en vivo una obra flamante. “Imposible pensar – dice Paloma Herrera– en los grandes ballets que habíamos planeado ni en traer coreógrafos de afuera. Era una buena oportunidad para los bailarines, como Maximiliano Iglesias, interesados en coreografiar. Le propuse que creara una pieza para streaming en condiciones estrictas: pocos bailarines, sin contacto entre ellos, sin escenografía ni cambios de vestuario y con un número limitado de músicos. La obra se presentó por primera vez en diciembre pasado, filmada y sin público. En el escenario quedaba escenografía de la última ópera previa a la pandemia y como no había técnicos para moverla se utilizó como telón de fondo la platea vacía, un efecto muy interesante. Parecía que en marzo todo se arreglaba, pero aun así armé una temporada adaptada a la pandemia: no El lago de los cisnes, que mueve a una multitud entre bailarines, personal para el vestuario y técnicos y con tanto movimiento atrás como el que se ve en el escenario. Pensé entonces en Giselle, con sus dos actos y sin grandes cambios de escenografía. Es como una obra de transición.
–¿El primer programa cómo está conformado?
–Teníamos ya Vendaval, de Maximiliano Iglesias, pero la velada tenía que completarse con otra obra; yo ya estaba ya en contacto con Alejandro Cervera, porque iba a hacer una Carmen para el Ballet, que finalmente se canceló. Le planteé las mismas condiciones que a Maximiliano. Tenemos así un programa muy contrastado; una obra de un coreógrafo maduro y experimentado como Cervera y otra de un creador joven en su primera experiencia. Uno utiliza música de Piazzolla; el otro, de Tchaikovsky. Y los lenguajes son muy diferentes.
–¿Qué cambió el Covid para una compañía de danza?
–Los que sobrevivan creo que saldrán fortalecidos. Aquellos que siguieron en sus casas con su práctica diaria, aunque fuera tomados de un mueble, volvieron muy bien a los ensayos. No hubo ningún lesionado. Cuando me imagino ensayando hoy una gran producción, como Romeo y Julieta, con tanta gente y movimiento, me pregunto, “¿cómo alguna vez hicimos algo así?”. Y sin embargo, al regresar al ensayo, todo fluyó, como si nunca nos hubiéramos detenido.
Del zoom al escenario
El Ballet Contemporáneo del San Martín prácticamente no se detuvo desde que comenzó la cuarentena en marzo de 2020. Dice su directora Andrea Chinetti: “Dos días después estábamos haciendo las clases por zoom y comenzamos el montaje, también por zoom, de Boquitas pintadas de Oscar Araiz, que iba a estrenarse en mayo. Con material de esos ensayos se hizo un video que se difundió para el público. Durante el año hubo talleres de creación de algunos bailarines de la compañía, una obra de Diana Theocharidis y otra de la coreógrafa francesa Sophie Laplane, todo virtual. Este año iniciamos los ensayos del programa que estrenamos en julio, con las clases y los ensayos en grupos separados y burbujas. Sumamos en 2021 una invitación a escuelas y compañías de danza de las provincias para que compartan las clases del Ballet Contemporáneo, una o dos veces por semana. Es un acercamiento importante.
–¿Cómo son los protocolos para el Ballet del San Martín?
–Para este nuevo programa de homenaje a Piazzolla, tenemos en el elenco a cinco parejas de convivientes que interpretan los dúos; quienes no lo son, pueden estar en contacto no más de un minuto y medio. Las entradas al escenario están muy planificadas, los ensayos son con barbijo, necesitamos muchos más camarines y los bailarines buscan ellos su vestuario y se peinan y maquillan solos.
–¿Qué imaginás que habrá cambiado cuando termine la pandemia?
–Primero me pregunto si terminará alguna vez la pandemia. Al menos siento que estamos lejos de que termine. Dicen que las relaciones humanas cambiaron de algún modo positivo, aunque no estoy segura de si la gente está más amable o más comprensiva. En todo caso, creo que tomamos conciencia de lo efímero de la vida. Pero creo que algo que va a dejarnos la pandemia son las herramientas tecnológicas. La danza necesita la presencia viva, por supuesto, pero hay muchas cosas, como esta misma entrevista que estamos haciendo por zoom, las resolvemos a distancia. También algo nuevo es que aumentamos mucho en Instagram la actividad del Ballet gracias a nuestro asistente Diego Poblete. Todas las semanas subimos fotos y cada jueves hacemos una emisión en vivo, conversaciones de los bailarines con personalidades nacionales o extranjeras.
Contra el marchitamiento
Federico Fernández, primer bailarín del Teatro Colón, dirige además una compañía privada, el Buenos Aires Ballet, dedicada fundamentalmente al repertorio de la danza académica e integrada por bailarines de compañías oficiales: “Vimos al principio cómo nos cambiaba el cuerpo y aparecían ciertas dolencias; nos sentíamos un poco marchitados. Pero como teníamos tiempo disponible, empezamos a conectarnos entre nosotros. En 2020 presentamos dos funciones grabadas de nuestro archivo y en noviembre, un programa nuevo con nosotros en escena y los espectadores en sus casas. Un número detrás de otro, apenas un apagón, y obras creadas especialmente con distanciamiento, salvo Guillermo Tell de Bournonville, fácil de adaptar porque los bailarines casi no se tocan. Conservamos así a nuestro público y en parte también se reno
vó, atraído por un programa distinto. –¿Cómo les resultaba estar en el escenario y que no hubiera aplausos?
–Rarísimo; por eso invité a Maricel De Mitri, gran bailarina del Teatro Colón ahora retirada, que hizo una apertura: con su voz y su peso escénico contó sin dramatismo nuestra situación y nuestra necesidad de bailar. Me sentí orgulloso: la primera compañía que salió a escena sin tener nada; porque no tenemos nada. Querría decir que la profesión viene castigada desde antes de la pandemia, que simplemente la puso en evidencia. Sobre todo para los artistas independientes que van a tener aún menos espacios, si pensamos en las salas que tuvieron que cerrar. Pierden los artistas independientes, pero pierde la danza en general.
–¿Cómo ves a los bailarines con quienes trabajás?
–Una mayoría forma parte de compañías oficiales y tiene un sueldo; otros no. Pero en todos hay unas ganas enormes de bailar. Ensayamos cinco o seis horas por día y compartimos la misma alegría y entusiasmo, como si fuera la primera función de nuestras vidas en el Teatro Colón.
Danza autogestiva
Maximiliano Navarro, un muy interesante coreógrafo joven formado en el Taller de Danza del San Martín, había empezado a trabajar antes de la pandemia con cuatro bailarines y sobre dos ejes: la identidad y su relación con la idea de la sombra. Quiso, por otra parte, que los propios bailarines manejaran las luces. Con la llegada del Covid su ánimo se derrumbó: “Me preguntaba cómo trabajar con los bailarines, cómo dirigir a cada uno en su casa. Las herramientas virtuales me parecían muy frías. En un momento me dije, ‘¿por qué lo estoy haciendo?’. Y vi que no me interesaba ir por ese camino. Detuve todo, pero me presenté a los subsidios de Prodanza y eso me sirvió para pensar detenidamente en el proyecto, ponerlo en palabras y recuperar el entusiasmo. Pasé a crear un solo para mí, pero mi asistente estaba en Rosario y en el zoom se perdían los efectos de luz que estaba buscando. Finalmente, adapté la idea para un dúo y empezamos a ensayar en mi casa porque no tenía dinero para alquilar una sala. En fin, armamos una burbuja entre los tres.
–Esta situación extrema del confinamiento, ¿te llevó a reflexiones hacia adelante?
–Me hizo ver que se puede seguir “haciendo” de otra manera; interrumpí los ensayos pero continué escribiendo y pensando en qué cosas quiero decir. Estas circunstancias tan difíciles me mostraron que, o el arte te expulsa porque no te aferrás a él; o lo abrazás y no lo soltás más. Antes nos movíamos de una manera un poco automática: hacer, hacer y hacer sin pensar demasiado. Ahora hubo mucho tiempo para formularnos preguntas.