LA CORNADA MORTAL DE FEDERICO

Integrante del grupo teatral Piel de Lava, estrena Lorca, el teatro bajo la arena. El poeta granadino vuelve y reformula el canon con su obra maldita, la menos transitada.

Es probable que esa obra apenas conocida de Federico García Lorca, El público, haya sido para Laura Paredes un modo de afirmar en seco la imposibilidad de representarlo. ¿Pero qué tal si el fantasma que despierta de la décima Invocación vuelve ya despojado de la máscara? Lorca, el teatro bajo la arena, la nueva obra del Ciclo Invocaciones dirigida por Paredes y coescrita junto a su pareja, el cineasta Mariano Llinás, cita directamente la vocación del propio Federico por un teatro íntimo, auténtico, y así su cuerpo se reconstruye, palabra por palabra, con la insumisión que implica la verdadera fidelidad.

Al Lorca festejado y aplaudido, la actriz y directora –también integrante del grupo Piel de Lava–, solapa el invisible, el que postula que Romeo y Julieta pueden ser una piedra o un mapa, y así y todo amarse tan genuinamente. Y todo llega sin la pesada carga del drama. Es que Paredes es portadora de un humor sutil, casi inasible, capaz de hacernos sucumbir hasta las lágrimas, de risa o de llanto: como actriz, ante los versos estallados de la francesa etérea de Las cautivas, con su corsette y miriñaque, o mediante su hilarante varón de Petróleo (el boom del grupo estrenado en 2018), o incluso ahora detrás de escena, desenredando el canon gitano con el cuidado extremo de no cortar la madeja, roja como la sangre.

–Las curadoras del Ciclo, Mercedes Halfon y Carolina Martín Fierro, suelen tener buen ojo a la hora de asociar directores y maestros a invocar. ¿Por qué creés que te unieron a Lorca? –Con Piel de Lava hace tiempo que teníamos ganas de trabajar con Lorca. De hecho teníamos el plan de hacer una versión de

Yerma, que quizás algún día llevemos a escena. Un día, conversando con Mercedes y Carolina, les comenté que estaba queriendo dirigir una obra que se metiera con el universo lorquiano y a los meses de esa charla surgió la propuesta.

–¿Por qué elegían Yerma entre todos los textos de Lorca?

–En ese momento varias de nosotras teníamos bebés muy chiquitos, y una idea era hacer Yerma con ellos a upa. En el caos de niños llorando, tener que decir estos textos, conmover, eran modos de ponernos trampas desde adentro de la escena para ver si Lorca se amigaba de alguna manera con nosotras. Era una forma de enfrentarnos con la imposibilidad literal de hacer un clásico.

–¿A qué te referís cuando hablás de imposibilidad?

–Como generación tenemos esa especie de amor y aversión a los clásicos. Por un lado, los clásicos son los grandes maestros y uno aprende de leerlos, y al mismo tiempo son implacables a la hora de ponerlos en escena. Lorca no queda afuera de eso. Es un autor complejo para montar y hacer dialogar con el teatro actual. Siento que está bien meterse con los clásicos, que son un desafío, pero a veces nos ganan.

–¿Cuánto te importó el peso del drama lorquiano, tan conocido, leído y representado en nuestro país?

–Cuando supe que la obra iba a ser parte del ciclo empecé a juntarme con un amigo muy querido que, además de dedicarse al teatro, es investigador y docente: Maximiliano De la Puente. Tuvimos un par de encuentros que fueron muy vitales para la investigación. En uno de esos encuentros apareció la obra El público. Ahí sentí que había algo que generaba cierta “adherencia” y que le venía bien a la obra que se leyera un texto de Lorca poco visitado. Quería que fuera una conferencia que sucediera dentro de una plaza de toros, y que la conferencia se fuera volviendo un drama lorquiano. El poder de Lorca es justamente ese: generar cierto estado de embriaguez. Y me gustaba la idea de dos académicas que, por estar

obligadas a exponer sobre Lorca, empiezan a quedar atrapadas en su lógica. Para mí el teatro porteño es muy lorquiano. El desborde en la actuación y las emociones huracanadas son algunas de las particularidades de nuestro teatro. Es un procedimiento que tenemos siempre muy a mano.

–¿Por ese motivo es que en la obra hay un abordaje corporal de Lorca? A partir de esa interacción es que pareciera que las palabras salen mucho más orgánicamente.

–Es tan físico Lorca al final. El deseo está

convertido en la sangre que hierve. Sentía que los textos de Lorca tenían que ser un lugar donde no subiera esa efervescencia, y que, por el contrario, fuera con los textos que habíamos escrito con Mariano que creciera esa fisicalidad exacerbada. Tratar de hacer un tratamiento opuesto a lo que uno espera de Lorca. Acá Lorca se lee casi susurrando.

–La obra tiene cierto tono de vodevil y un ritmo preciso, que también es artífice del humor. Pero de ese estado, la obra vira rápidamente al drama intenso.

–Básicamente escribo comedias. No me sale escribir otra cosa. Entonces, pensé que si tenía que invocar a Lorca, tenía que ser yo misma. No podía invocarlo desde algo que no soy. Paradójicamente, siento una conexión muy intensa con sus textos y sus dramas. Por eso mismo, lo más respetuoso era cometer la irreverencia de invocarlo a través del humor, que de alguna forma es mi don. No tengo un espíritu trágico. Mariano tampoco. Y, aún así, amamos a Lorca.

–Claro, con un procedimiento muy distinto al suyo, te hacés cargo del grito de Lorca contra lo inauténtico.

–La idea de la conferencia me permitía portar la voz de Lorca sin petulancia. El que habla en la conferencia no es ni más ni menos que Lorca. Se lo cita y cada espectador sacará sus propias conclusiones sobre el estado del teatro actual o si eso que se dice lo hace reflexionar sobre la contemporaneidad. Sobre todo porque, en mi caso, no tengo ninguna respuesta ni certeza. Es más bien una invitación a volver a pensar el teatro como una zona de juego donde la belleza y el peligro sean una misma cosa. En un momento alguien dice en la obra: “Si el toro no va al hombre, el hombre va al toro”. Me gusta esa metáfora con respecto al teatro. Que suceda esa unión desgarradora entre los actores y el espectador.