REINA EN SU MICROCOSMOS
Liliana Porter. Poblada de pequeños seres, su obra conjuga una metafísica borgiana con el pop y el conceptualismo. Entramos en ese universo, dramático y de banalidad aparente. La artista emigró a Nueva York en 1964.
Intento evocar con alguna precisión mi primer encuentro con el universo de Liliana Porter. Debe haber sido allá por los años 80, ante una generosa tela blanca que contenía un pequeño desorden: varias fotos sin marco y unos marcos vacíos. Un espejito de mano, algunas cosas reales, otras representadas, trazos, huellas, sombras y en el ángulo superior del bastidor de la tela –que funcionaba como repisa–, tres cuerpos geométricos –uno de ellos tumbado– y un soldadito que observaba la escena como desde lo alto de una colina. Detrás de él, otra tela pequeñísima acogía el último tramo de un camino dibujado.
Entre aquella obra, que presentaba un raro encuentro de cosas y una reflexión sobre lo real y lo representado, y la instalación El hombre con el hacha y otras situaciones breves, que la artista presenta ahora en el Malba, no pareciera haber en esencia grandes diferencias de concepto. Sólo una enorme complejidad en la multiplicación de aquel desorden fundacional a otras escalas y, sobre todo, una especial sutileza en el modo de implicar afectivamente al espectador.
Algo que fue creciendo en los trabajos de la artista desde comienzos de los 90. Se mantienen aquí las mismas preocupaciones sobre lo real y lo representado de los orígenes de su pensamiento visual, sólo que naturalizadas en la singularidad de un lenguaje que le es propio. Tanto como la expansión del vasto espacio blanco que dominó en sus obras desde 1968. Un espacio que expande ahora en varias tarimas blancas y ocupa con infinidad de pequeños mundos. Aunque nunca tantos como para anular la esencial relación de vacío que hace que nuestra mirada se vuelva cada vez más afectiva hacia los objetos-sujetos que los habitan.
La instalación del Malba es sin duda un escenario de acontecimientos múltiples en el que aquel pequeño desorden y la tendencia original a desbordar las telas adquiere la estatura de un caos de dimensiones impensadas. Un caos que se alimenta de los repertorios históricos de la artista y, a la vez, sirve para desplegar una visión retrospectiva de la iconografía que fue asumiendo un lugar en sus sucesivas series. La última, Trabajos forzados, en la que cada personaje tiene a cargo tareas que lo exceden, es la disparadora de este acontecer igualmente excesivo e inédito en la obra de Porter.
Un pequeñísimo personaje con el hacha en alto empieza a picar y desata un vendaval destructivo que crece y lo abarca todo hasta tumbar varias sillas y un piano (que por primera vez irrumpen a escala real en la obra de Porter). Siempre queda la duda si eso que tenemos por delante es el comienzo o el final de su tarea y si el hombre del hacha seguirá picando y picando hasta reducirlo todo a polvo. En medio del desastre una mujercita barre una larga mancha de polvo rojo y uno presiente que una empresa semejante quedará para nuestro picador de porcelanas. A cada uno le toca la fatalidad de una tarea que lo supera de manera diferente: barrer, picar, limpiar, tejer, enfrentarse a la leche derramada o desarmar un enorme enredo.
Aquí y allá se multiplican las escenas y los objetos que forman parte del universoPorter, los barcos, los espejos, los libros, la hoz y el martillo, el caminante y su huella que hace camino, el pingüino caído, los patitos de plumas ralas, los Mickey, el Che Guevara y hasta esta novedad del Lincoln Continental y el último viaje de Jackie y John Kennedy. Todos objetos encontrados en bazares y mercados de pulgas que tienen una doble vida. Por un lado actúan de saleros, cajas de música, jarras de leche o recuerdos de viaje. Y por otro, asumen roles, invariablemente animados por la mirada de la artista que siempre encuentra una fisonomía para ese mundo de las cosas.
Artífice de una teatralidad cargada de sentido poético, Porter compone con ellos una suma de realidades que hace posible la convivencia de perspectivas múltiples. Cada una de ellas convoca al espectador desde temporalidades sucesivas y simultáneas que demandan aproximaciones diferentes para cada escala y cada perspectiva.
En el texto que acompaña la muestra, Graciela Speranza refiere especialmente al tiempo en la obra de Porter y a las leyes que rigen su microcosmos, que hace posible ir y venir en el tiempo, destruir las cosas y recomponerlas, “menos deudoras de la ciencia que de la metafísica doméstica o la fenomenología aplicada”.
Es un tiempo que hace posible lo imposible y se complementa con un espacio inmaculado y vacío que ha expulsado toda referencia contextual. En él los personajes de Porter están unidos por una circunstancia común: el desconcierto. “Cuando algo conmueve realmente es porque uno no lo llega a entender”, afirma Porter segura de que la dimensión poética se encuentra más allá de toda explicación.
Algo así como la sorpresa del pequeño venadito que asiste a semejante desquicio. La mirada del espectador puede detenerse en él, en la lecherita que lamenta la leche derramada que crece más allá de lo que contenía su recipiente, o en el viajero que parte con su valija y deja atrás el camino que llega hasta la puerta de una casa china en una taza de té. También puede compadecerse de la mujercita que teje una prenda tan enorme como el rollo que intenta desarmar un hombre más pequeño aún. En todos los casos, Porter nos hace participar y compartir la fatalidad de ese héroe que, como espectadores, deseamos acompañar en su destino de desmesura. Todo esto en realidad tiene que ver con una visión dramática o teatral, en cuanto tiene la mira puesta en los efectos. Y en esa dirección dirigirá la artista sus próximos proyectos.
¿Pero cómo es que logra comprometernos de ese modo? A la hora de rastrear procedencias intelectuales y estilísticas que contribuyan a explicar un poco de todo esto, no podemos menos que coincidir con Gerardo Mosquera. El crítico cubano ha visto en Porter la singular impronta de “una perspectiva intelectual asentada en el Río de la Plata entre los 30 y 60”, algo que la relaciona con la literatura metafísica de Borges, Bioy, Marechal y Cortázar. Pero que además interactúa con su experiencia en Nueva York en épocas del pop, el arte conceptual y el minimalismo. De ese cóctel nace el misterio y el extremo refinamiento que caracterizan sus trabajos, que conjugan una mezcla de humor y una importante dosis de sarcasmo, bajo la envoltura de una simpática candidez. “La experiencia estética es la inminencia de una revelación”, suele decir la artista citando a Borges y siguiendo su ejemplo al deslizar reflexiones de tono metafísico, que asumen deliberadamente la forma de una banalidad aparente.