CAZADORES RECOLECTORES DE IDEAS
Una expo colectiva aborda un campo singular de la producción contemporánea, la de artistas que retoman saberes de otros tiempos. Andrés Aizicovich, Donjo León, Juan Sorrentino y Hernán Soriano, entre ellos.
Qué sucede si desde el presente el artista va hacia el pasado para hacer propios saberes técnicos y materiales de otros tiempos? ¿qué se puede construir desde una arqueología de lo desechado por obsoleto o viejo? ¿qué cambios o hallazgos genera el arte al permitir conexiones perceptivas y conceptuales de algo olvidado o desaparecido? A estas y otras preguntas, hipótesis y respuestas (provisorias y certeras, impensadas y por pensar) se abre la exposición La memoria de los materiales, en Arthaus, con obras de Andrés Aizicovich, Donjo León, Diego Dubatti, Sergio Lamanna, Juan Sorrentino y Hernán Soriano. Un conjunto de artísticos “cazadores-recolectores” de objetos e ideas pertenecientes a un acervo de memoria individual, social, artística y cultural.
Las curadoras María Teresa Constantín y Gabriela Vicente Irrazábal ponen en perspectiva, en sus palabras, esta “zona singular de la producción artística contemporánea”. Ambas expresan en el texto de la muestra: “Los artistas convocados ponen especial atención en la recuperación de saberes transmitidos o redescubiertos, por asalto, en zonas descuidadas del conocimiento. Así se mezclan los estudios de Muybridge y las ciencias físicas con los fenómenos alquímicos. Y, si el recurso de apelar a las producciones artísticas del pasado lejano para interpelar a sus inmediatos antecesores ha sido una herramienta recurrente en la historia del arte, estas obras aparecen escapando a esa práctica para afirmarse en el pasado y adoptar como propios aquellos saberes.”
El panorama desplegado ofrece en su mayoría instalaciones y objetos que solicitan el involucramiento sensorial del espectador sobre todo a través del tacto, la mirada y la audición. En el lobby central de la institución, unas imponentes alas de plástico y aluminio instan a levantar la vista y moverlas con sogas, a través de un lúdico esfuerzo físico. La escultura participativa de Sergio Lamanna, Fuga, vincula las alas con la acción de huida generando metáforas sobre el deseo, la libertad, la opresión, el movimiento, la fuerza, el conocimiento. Ya en la sala de la planta baja, dos pequeñas alas reaparecen sobre un gorro de regazo militar suspendido en el espacio aguardando que el espectador se lo coloque y active al Mensajero. Apoyada en la pared, una hermosa y fantasmagórica Grulla (de la serie imperio) ofrece sus articulaciones para que decidamos el movimiento.
El espectador, creador de sonoridades
Sutiles sonidos de gotas cayendo son parte de Play 2 de Donjo León (¿prehistoria de la conocida consola de juegos o su promisorio futuro en un mundo más poético?) Un aparato construido con mangueras, elementos de cocina y otros, que conforman una “batería”. El visitante puede sentarse para manejar un joystick confeccionado de finas mangueras para modificar la caída del agua sobre los metales y, así, componer distintas sonoridades. Estas acciones requieren demora y agudización de la percepción. También el artista presenta el Estalactiflador, que al ser accionado manualmente hace subir agua hasta la estalactita posibilitando su crecimiento.
La instalación Suspensión, de Hernán Soriano, está integrada por mesas sobre las cuales se encuentran elementos cotidianos y desechados de distintos metales. Al hacerlos sonar mediante baquetas descubren posibilidades percusivas amplificadas por el telgopor donde se apoyan. El artista trabaja con una “lógica de recolector” organizando los elementos que junta. Colgadas, poéticas partituras presentan a manera de notas musicales fragmentos tallados de carozo de palta remitiendo –contó Soriano a Ñ– a una “arqueología íntima de los propios residuos”. En tanto, la obra “Cordófono de muro” forma parte de sus obras de luthería, en este caso, con aires de arpa.
Diego Dubatti conceptualiza su trabajo en términos de observar que en lo obsoleto y descartado hay un material útil. “Pienso en la fragilidad del mundo donde consumimos tecnología, pero no la manejamos, en la autogestión, en retroceder en el saber tecnológico para asegurarse la supervivencia, en la espiritualidad de la materia”, expresó. Sus propuestas tienen carácter escultórico. Las columnas en vidrio con agua y una boya de hierro describen el principio de Arquímedes. En tanto, la pequeña instalación de instrumentos musicales propone ejecutarlos para descubrir una inusual y atractiva sonoridad, a partir de la combinación de elementos desechados y modificados.
Escenario de seres fantásticos
La sala del entrepiso se presenta como un gran escenario de seres-objetos que lo pueblan. Por un lado, se sitúan las “Mancuspias” de Juan Sorrentino en alusión a esos seres imaginados por el escritor Julio Cortázar. Estas esculturas sonoras poseen una apariencia de mueble-instrumento musical-humanoide y de ellas emergen composiciones musicales relacionadas con el recuerdo sonoro de los materiales que las componen. Explica el artista a Ñ: “En una hay un quebracho cortado a la mitad que estuvo mucho tiempo en el Río de la Plata y traigo el recuerdo sonoro de lo que esa madera escuchó. En otra hay una madera quemada con el recuerdo del pitar del fuego.” Una frase de Atahualpa Yupanqui ins
piró también estas obras: “La guitarra antes de ser instrumento fue árbol y en él cantaban los pájaros. La madera sabía de música mucho antes de ser instrumento”. El sonido guía al cuerpo desde una mancuspia a la otra generando una experiencia perceptiva fluida propuesta por el ensamble musical.
Por otro lado, el espacio se ve habitado por las esculturas de Andrés Aizicovich en un cruce entre objeto artístico y utilitario combinando hierro, cobre, vidrio, cerámica, cristal, aluminio y más. El universo del artista propone piezas con “usos poéticos, prácticos, fantásticos, humorísticos”, comentó a Ñ. En Contacto (Cristal aprés Baschet), Aizicovich se apropia de la tecnología acústica que desarrollaron los hermanos franceses Baschet en la primera mitad del siglo pasado –pioneros de la escultura sonora– creando un impactante instrumento, a cuya bella sonoridad damos vida al interactuar con él. En varias esculturas aparece la imagen orgánica del intestino como metáfora de creación (absorber, procesar, liberar). En general, su poética cita el universo de las maquinarias modernistas, pero con funciones difíciles de decodificar abriendo caminos a la imaginación.
En toda la exposición, la memoria de los materiales posibilita la apertura y el regocijo de la fantasía generando el anhelo de un futuro más sensible, modesto, creativo.