MALEABLE, BRILLA EL TEXTIL AMERICANO
En Herlitzka & Co. Las prácticas contemporáneas de destacados creadores otorgan nuevas dimensiones a una práctica vinculada a lo ancestral.
La segunda versión de esta muestra busca dar cuenta del concepto ampliado que engloba el arte textil, tradicionalmente ceñido a un aspecto de inspiración ancestral, mientras hoy en Latinoamérica tiene extensiones temáticas y técnicas que no necesitan caer en la misma inspiración. Decontruyendo el textil en tiempo, material, sustancia de repetición, unión de partes, hilo y trama el presente se expande tal como lo propone esta segunda etapa con obras de Marcela Astorga, Andrés Bedoya, Carla Beretta, Gerardo Goldwasser, Juan José Olavarría, Teresa Pereda y Candelaria Traverso. A la exhibición se suman Herbert Rodríguez, Venuca Evanán y Zinny & Maidagan que traen otras temáticas y modos de producción textil contemporánea.
Las piezas de la ex colección García Uriburu realizadas por artistas tejedoras anónimas de mediados del siglo XX en la región centro-norte de Argentina, notables mantas de lana, lucen representaciones de elementos naturales como flores y plantas, composiciones geométricas, figuras ornamentales y elementos del repertorio originario americano como chakanas o cruces andinas. No se encuentran tensados sobre soportes rígidos, recordando su uso funcional original y que han tenido buena repercusión en las ferias de arte con valor coleccionable. Pero también existe el hilo que borda tradiciones peruanas o la impresión serigráfica de iconografía andina sobre tela, hasta llegar a la bola de lana virgen que ha ido rodando por tierras y ríos latinoamericanos, llevándose parte de restos en su trama espesa. También la técnica patchwork (palabra derivada del inglés que significa labor de retal), técnica que consiste en coser piezas de tela en un diseño más grande. Alejado de cierto preciosismo de contexto estadounidense de las piezas llamadas quilt, ahora componiendo sus partes usando restos de bolsas sintéticas, muy comunes para trasladar todo tipo de mercaderías en la frontera argentino-boliviana. Llegando a el agrupamiento de colores que trae el paisaje de dos territorios nacionales que describen la noche en la rivera del río marrón o las sinuosidades de la orilla vista desde el mar de la Tierra del Fuego.
“En la cultura indígena americana, y en especial en la región andina, las piezas de alfarería y los textiles fueron objetos comunicativos por excelencia, existiendo allí una unidad indivisible entre lo estético y lo funcional”, escribió Sofía Jones en el primer texto de sala. La historiadora agregó: “Existe una relación etimológica y conceptual entre un textil y un texto, pero también una relación histórica. El textil fue el medio primario para la manifestación de ideas, dada la utilidad de los productos y el potencial expresivo de este medio”.
Cada una de estas obras tiene un contexto, una historia y rescata alguna tradición, lo que es notable en un tiempo donde se aprecia un resurgimiento de ciertas prácticas manuales donde la palabra se deja de lado para usarla como sugiere el texto: en una trama que comunica. Candelaria Traverso (Córdoba, 1991) con Paka, de 2022 trae ciertas experiencias como feriante de los mercados cholos donde se venden no solo ropa en desuso que viene de Estados Unidos, de Corea, de Europa, de China sino que también conviven prácticas de todo tipo: vendedores de coca y de comida como humitas, charqui, papas andinas, remedios caseros, todo tipo de cosas. Chakana, justamente, quiere decir “puente que une”, es un símbolo de carácter ritual y sagrado, y completa el sentido de armonizar pasado y presente.
Carla Beretta (Rosario, 1965) en Cae la noche tropical II (2020) muestra puntos de partida de su camino con la experimentación de materiales y cruces disciplinares, usando los colores quebrados asociados a los pintores del litoral, un abanico de tonos desaturados y terrosos, resueltos mediante una cuidada elección de géneros.
Dolores Zinny y Juan Maidagan son conocidos internacionalmente por intervenciones site specific en el espacio urbano. En la serie Thirteen Studies of Horizon’s Line, los cuadrados de telas alternan composiciones, aparentemente no referenciales, que exploran distintas relecturas abstractas del horizonte, un concepto propio de aquellos que crecieron en las pampas. Inspirados por la lectura de El río sin orillas: tratado imaginario, donde el compatriota santafesino Juan José Saer describe el cansancio de nombrar lugares de los conquistadores a medida que avanzaban hacia el sur.
Herbert Rodríguez (Lima, 1959) apunta a hechos y temas que sacudieron a su país y al mundo, como la memoria de la violencia; derechos humanos, el racismo, la crítica institucional, la educación y el absurdo. “Soy un artista escondido entre una estética formalista modernista y un arte político posmoderno”, sostiene. Y agrega: “Hago composiciones de formas y colores, sosteniendo la tensión creativa entre la suavidad de un dibujo a lápiz o la violenta pincelada gestual, pasando por la nítida sensación de definición de formas del papel calado o la pintura mural”.
Venuca Evanán (Lima, 1987) usa las costumbres andinas para presentar en sus trajes alegorías personificadas a través de encajes, faldas y lentejuelas. Recortes de diferentes blusas que retoman las expresiones artísticas de la comunidad de Sarhua, de la región de Ayacucho en el sur del Perú. Introduciendo también el erotismo, el feminismo, la violencia de género, las luchas LGBTQ+, la vida cotidiana dentro de las artes visuales contemporáneas.
Marcela Astorga (Mendoza, 1965) elige materiales, maneras constructivas y conceptos pertenecientes al sistema referencial de la piel. “Hoy, después del momento coyuntural de la pandemia, las piezas se anclan en la idea de que nos construimos pseudos protecciones, con estructuras inútiles que sólo posibilitan desgarro. Pensamos que el peligro está del otro lado y eso siempre depende de qué lado de la cerca estemos parados”.
Mientras que Teresa Pereda (Buenos Aires, 1956) con su Cita con la selva, 2008-2010 y las Acciones ecopoéticas en la Amazonia brasilena, 2008, vuelve a ocupar un espacio en la sala ganando visibilidad. “El ovillo, testigo de América tanto ovillado como desovillado no deja de rodar, en tanto su memoria originaria une distintas geografías. Se adapta, blando, a la aspereza y a la distancia para unir, vincular, desplazarse, rodar” reconoce Pereda. Formas de unir pasado y presente, tradición e innovación, historia general y personal, todo un contexto enriquecido por sus prácticas artísticas.