Yamandú Costa, de Brasil y del Litoral
El guitarrista gaúcho vuelve a Buenos Aires con cuatro discos nuevos, y un concierto solista en el Konex. La influencia de Ramón Ayala.
Sobre el final de la entrevista con Ñ, el músico brasileño Yamandú Costa (Passo Fundo, 1980) hará referencia a “este instrumento” que, ya se sabe, es la guitarra. De tan inseparables, Costa no necesita nombrarla ni concibe una vida sin la tibieza de la madera sobre sus muslos o la tensión de la cuerda en la yema de sus dedos.
Hijo de músicos, comenzó a cantar de niño pero luego hizo un voto a la guitarra: al llegar a los 21 obtuvo el notorio Premio Visa Instrumental de Brasil, que le permitió grabar su primer disco solista. Así se abrió el grifo de una discografía inmensa que se extiende hasta los tres álbumes que lanzó en 2023 (uno de ellos junto al bahiano Armandinho Macedo) y el flamante Helping Hands, junto a su esposa, la guitarrista venezolana Élodie Bouny. Tras casi cinco años, vuelve a Buenos Aires el próximo 19 de abril (CC Konex) con un concierto solista, en el que planea recorrer sus muchos intereses: del choro y el samba hasta las milongas, tangos y zambas que le llegaron incluso antes que la música de su país.
-¿Qué características resaltás de la música del sur de Brasil, tu región de origen?
-El mundo está más parecido, pero las culturas populares son la resistencia a eso. Cuando uno hace una música que representa a su lugar está llevando una manera de ser, un pensamiento y un clima, desde la atmósfera hasta la comida. Todavía tenemos la oportunidad de disfrutar de distintas culturas y la diferencia es lo más interesante.
Después de viajar tanto, uno se da cuenta de que no hay nada errado; solamente depende del punto de vista. Es muy difícil definirnos. El grupo de mi papá, por ejemplo, se llamaba Os Fronteriços, y nosotros tenemos ese sentimiento: una gran patria gaúcha que se va diferenciando por cuenta del portugués y el español, pero con muchas cosas en común. Como el mate, la costumbre que más nos acerca. Toda esta región está signada por el personaje gaúcho y yo soy parte de eso, lo llevo por el mundo además del choro y el samba por el que se conoce mundialmente a Brasil.
-¿Qué nociones de un buen espectáculo te legaron tus padres músicos?
-Eran músicos populares, de esos que llevan la alegría a los pueblos los fines de semana y a los bailes. Y era necesario que tuvieran una performance entretenida. Fue una gran lección para mí, aunque yo toque la guitarra y haga una música algo más intelectual. Igual trato de no perder estas ganas de entretener al público, sin hacer el ridículo: no llamar la atención de una manera fútil, sino de darle la impresión a la gente de que estás ahí con toda tu entrega y tus ganas para invitarlos a entrar a tu mundo musical.
-Hace poco falleció Ramón Ayala, representante del folklore del litoral. ¿Qué importancia tuvo su figura para vos?
-Ramón se quedaba en mi casa cuando venía a Brasil, así que lo conocí de niño. Era amigo de mi papá y fue un personaje increíble. Fue muy importante en mi formación como músico y como andariego, de buscador de cosas bonitas. Era un poeta, un tipo impresionantemente profundo que cada vez que venía a mi casa iluminaba mi vida y me daba atención: hablaba del mundo, fue un gran viajante, y sabía de la importancia de su región. Y fue el tipo que cantó la floresta misionera de una manera única, es autor de canciones emblemáticas dentro del idioma de la música del litoral.
-¿Cuáles son tus mayores referencias del folklore argentino?
-Tengo bastantes. Ramón Ayala es una de las grandes. Un guitarrista que cambió mi concepción y mi forma de pensar la música es mi querido amigo, el gran Juan Falú. También su tío Eduardo, por supuesto. Pero tengo muchas otras, como Juanjo Domínguez, Luis Salinas, a quien conocí la primera vez que fui a Buenos Aires. También Rudy y Nini Flores, super músicos, chamameceros, que cambiaron la reciente historia de la música argentina. Yupanqui y Piazzolla, por supuesto. Y Roberto Grela. Soy un brasileño que escuchó más música argentina que otra cosa, así que me considero bastante argentino.
-Desarrollaste una guitarra de siete cuerdas con el luthier Vicente Carrillo. ¿Qué importancia le das a los materiales de tus guitarras? -Tenemos una colaboración muy feliz con Vicente, que continúa una larga tradición familiar que viene desde 1870. En cada visita que le hago elegimos maderas, pero cada guitarra es una sorpresa: la magia de construirlas es no saber exactamente lo que va a pasar. Podés hacer dos guitarras con los mismos materiales y que suenen completamente diferentes.
Es distinta de instrumentos más mecánicos como el piano o el acordeón; la guitarra es bastante técnica pero hay una magia en el encaje de las piezas, ahí uno no sabe qué puede pasar. Es el mundo encantado de las guitarras, del que soy apasionado. Tengo amigos luthiers muy buenos en Argentina, como Hernán Venturini, que me regaló una guitarra lindísima, increíble, que toco en casa.
-Has dicho que la música, además de tu oficio, es importante para tu salud mental. ¿Qué efecto tiene entrar en contacto con tu instrumento y con la música que te gusta?
-La gente, dentro de poco, se va a dar cuenta de la importancia que tiene la música en la higiene mental. Es una forma de comunicarse muy distinta. Para tocar la guitarra, uno tiene que estar concentrado y, a la vez, relajado: la conexión entre los dedos y la cabeza, más la inspiración y la circunstancia, hace a la magia de la música.
En mi caso, pido tener salud para seguir tocando porque no imagino mi vida sin estar cerca de este instrumento que siempre fue mi vida. E una forma de vivir estar cerca de esta manifestación que es hacer música. Es mucho mejor que hablar con palabras; es la conexión directa a un canal muy profundo y que mejora la vida de la gente.