Santaolalla, el adelantado
El músico argentino, ganador de dos Oscar, compositor de música de películas, series y videojuegos, productor de grandes discos del rock nacional, vuelve a la canción con “Raconto”. Viene a Córdoba el 20 de junio.
Gustavo Santaolalla vive en su habitual terremoto de actividades, en el que su nombre propio reluce como productor, alma inquieta, aglutinador y permanente agitador en diferentes niveles del entretenimiento global.
Un zoom a su tiempo presente indica que estrenó el musical
Arrabal en el ART (American Repertory Theater) de Boston, con música de Bajo-Fondo y sobre una historia dura que se desarrolla en una milonga.
También que está trabajando con Eric Clapton en la música incidental del documental sobre la propia vida del guitarrista inglés y que graba la nueva parte de la banda de sonido del videogame
The Last of US 2, aportando para el mundo gamer un mix de chacareras y otros ritmos puramente argentinos. Y vale agregar que el prestigioso músico compone para la nueva temporada de Making a
Murderer, la serie de Netflix. Pero la particularidad de esta propagación de impulsos está en que Santaolalla, además, ha realizado una retrospectiva sobre su carrera como compositor de canciones, a la que ha decidido llamar Raconto. “Es así, con una sola c. Es un rioplatensismo”, advierte Santaolalla sobre un disco de folk psicodélico y extrañas repentizaciones new wave que va del primer disco de Arco Iris (1970) a sus recientes exhalaciones latinoamericanistas, previo paso por una idea de modernidad que no perece.
A Raconto pudo asentarlo con una súper banda formada por Javier Casalla (violín y guitarra), Pablo González (batería), Barbarita Palacios (voz y percusión), Nicolás Rainone (contrabajo y chelo) y Andrés Beeuwsaert (piano y teclados). Es la formación con la que vendrá a Córdoba.
Para adelante
“No soy un tipo que mire demasiado hacia atrás. Al contrario, miro hacia adelante. No he construido mi carrera en base a la nostalgia. Quiero decir, me encanta tocar Mañana campestre, pero lo hago porque es una canción divina y no para cultivar mi pasado. Pero de vez en cuando, sí, me paro y reflexiono sobre lo que hice”, diagnostica Santaolalla en contacto con VOS.
Y sigue: “Muchos de mis proyectos resultan de cosas que he tenido guardadas y que han salido repentinamente. Sin ir más lejos, Pena en mi corazón, que está en Presente de BajoFondo y que ganó un Grammy, es un tema que tenía compuesto hace 20 años. De vez en cuando, quizás internamente, hago ese ejercicio de mirar hacia atrás y reflexionar”.
El plus de este 2017 está en que esa mirada por el retrovisor se tradujo en un disco exquisito. ¿Por qué? “Por cosas que tienen que ver con la edad –contesta Santaolalla–. Ya cumplí 60 y se me dio por revisitar las extensas avenidas recorridas. Entonces me puse a pensar de qué manera podía sintetizar mi vida artística. Y me pareció que lo ideal era apostar por la canción. Después de todo,
lo primero que empecé a hacer son canciones, desde chico”.
–También puede haber pesado un arrebato narcisista del tipo “ojo, no se olviden que yo compuse esta canción”.
–Es buena la observación, pero me da un poco de vergüenza admitirla. Hay muchas de mis canciones que, creo, son buenas y no estoy tan seguro de que la gente las conozca. Por cómo se dio mi carrera, y por el hecho de haber vivido en otro país (Estados Unidos, donde reside), muchas canciones que tengo no se conocen. Mañana campestre, Ciudad
América, Ando rodando... Mi cancionero es muy vasto. Es probable que haya una especie de revancha, porque como intérprete me encuentro en un lugar muy especial. Por todo, la experiencia, las ganas... y porque mi rango como cantante siguió creciendo, por alguna extraña razón. Por el musical de El laberinto del fauno, que lo compuse cantando yo mismo las líneas de todos los personajes, me descubrí haciendo cosas bastante grosas como cantante. Hay algo de querer demostrar “Aparte de Mañana campestre tengo todas estas canciones”. Lo alucinante de haberlas retomado es notar su atemporalidad. De hecho, algunas suenan más modernas ahora. Eran futuristas. Me resulta muy reconfortante hacer estas canciones así, más teniendo un ensamble como el que armé.
–Si tu obra consta de profecías autocumplidas, adherís a eso de que adelantaste épocas.
–Hay una nota que me hicieron en la (revista) Pelo, cuyo título era “Como a destiempo”. Hacía alusión a que, de pronto, estaba en un espacio distinto. Desde hoy puede decirse que era de avanzada. Cuando gané los Oscar, Aníbal (Kerpel, su socio) dijo que en ese momento se juntaron mis tiempos: lo que venía vaticinando se yuxtapuso con lo que el presente demandaba. En esos mismos términos, ahora siento que el álbum rosa de Arco Iris (Arco Iris )es importantísimo. En mi carrera, desde ya, porque ahí está todo. Aun así, siento que dentro de la historia del rock nacional se perdió
un poco. Es seminal, salió en 1969, pegadito a los primeros de Manal y Almendra. Ese disco ha sido pasado por arriba. Se pasó. Y es alucinante. Para Canción de cuna para un niño astronauta tuve que pedirle a un colaborador que me saque los acordes. En ese disco hubo ese nivel de complejidad además de trucos de producción, como grabar cosas a mitad de velocidad. Hay una canción que tiene una eléctrica grabada en una octava arriba que termina sonando como un clavecín. Tené en cuenta que grabábamos todo en cinta. El disco está en mono pero logramos algo mono estéreo compatible.
–Tus rasgos como productor más destacados de los años ’80 y ’90 fueron el tambor latoso de G.I.T. y el desplazamiento de Divididos a lo folklórico. ¿Qué jugada plantearías hoy?
–Hay algo interesante con lo tocado, con salirse de la secuencia. Es algo que estoy haciendo con mi banda actual, precisamente. Un grupo como Los Espíritus me encanta por su nivel de organicidad. Le hace un buen partido a la obra, con tempos que se muevan un poquito en relación a la perfección del reloj o la máquina. Eso es algo interesante para explorar. También lo relacionado a lo íntimo, no el discurso avasallante. Tratar de que una expresión suave te conmocione como lo haría algo
punkoide. Son energías interesantes para explorar en un mundo en el que hemos abusado de lo otro.
–Cuando estás en multiplicidad de proyectos, ¿cómo enfocás la música para cada uno?
–El proyecto mismo te va diciendo por dónde tiene que ir la cosa. La gente que participa es otra gran variable. El caso del videogame, el director es una guía muy importante para lo que estoy haciendo. En el caso de Clapton, trabajo con una editora y un director a los que les presento avenidas de música por donde transitar y ellos eligen cuál tomar. Ellos estaban más interesados en las cosas mías con Ronroco porque, justamente, contrastan con la música de Eric. En estos casos siento que debo proporcionar un servicio. Lo mío es distinto a lo del tipo que está dedicado a esa tarea desde un punto de vista dimensional. No soy un “músico de películas”, no soy un “productor”. Soy un artista que hace distintas cosas. Igual tengo una impronta. Si musicalizo una película, tengo que proporcionar un servicio, ser útil para el producto. Acompañar o resaltar lo que otro está marcando. –¿Pero qué onda Clapton? –Lo conocí primero por e–mail. Era muy gracioso recibir correos de Eric Clapton. Me ha pasado eso de encontrarme con gente que admiraba, como en el caso de Elvis Costello, y que me diga “soy un gran fan de tu trabajo”. “Cómo puede ser, yo soy un gran fan tuyo”, suelo contestar con pudor. Pero con Clapton me pasó algo interesante: un día me mandó un
file en un correo que decía “me encantaría compartir esta canción con vos; hice una versión, pero tu original es mejor”. Y lo escucho y resulta que era Un poquito de tu amor (del disco GAS, de 1995). ¡No lo podía creer! Una persona, ¿viste? Nada de un tipo superior.