再探中国山水画中的意境表现
安 加 南 果 果 导 果 授 安 果 导 版 南
中国山水画发展于魏晋南北朝时期，这时期，山水画虽然得到了一定的发展，但是其地位还是没有得到显著提升。这个时期的山水画还处于从属于人物画的地位，并且只是作为人物背景的身份存在。到了隋唐时期，山水画由魏晋六朝半独立状态逐渐发展成一门独立的画科，并形成与人物画分庭抗礼的局面。技法上虽仍不成熟，但已较六朝前进了一大步。其中以展子虔、李思训、王维三人最为突出。到了五代以及北宋这个时期，山水画有了空前的发展，技法上日益成熟和完备，进入了山水的兴盛时期。水墨山水得到迅速的发展，并取代青绿山水，占据主导地位。作为北宋山水画的领路人荆浩，是承前启后的杰出人物。元代的山水画又一变宋人之法，形成水墨山水的又一高峰。以黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇为代表，以情入画讲究笔法和趣味等，所以画史上将他们并称“元四家”。到明清时代，山水画意境发展滞缓，山水画也走向衰落，大都画家脱离不了师摹古人的范畴，紧随其后的“四王”，重笔墨，都接受董其昌的艺术思想，尤推崇元四家；以“四僧”为代表，冲破四王摹古风气的包围，使清代山水画出现了新兴局面。山水画的创作最初的目的就是愉悦身心，陶冶性情。画家身处于自然天地之间，集天地日月灵秀，挥毫于素绢白宣之上，情寄山林野趣或远庙堂之高，思天地大道无形。中国山水画从古至今，已经形成了一个最具有中国文化特色的艺术门类，并且在我国的传统绘画之中，有着非常崇高的地位，且蕴藏着中国千年的文化底蕴，更是浓缩了中国人无尽 的智慧，不论是那些有形的，还是无形的价值，中国山水画之所以是中国文化的精髓，不仅仅在于完美的笔墨变化，更在于山水画作之中那种让人揣度万千的意境。在中国画艺术领域，山水画作品中涉及的意境构造问题，是画家必须面对的一个非常至关重要的问题，对画家如何营造山水画作中的意境进行广泛而深入地探讨，显得非常必要。山水画作品的创作，受到笔墨和宣纸客观的两个因素的影响，宣纸就像是个生命体，如果没有了宣纸，艺术特色很难呈现。而笔墨就像是生命体的筋骨和血液，画家在山水画作品中所营造的意境，是这幅作品的灵魂。没有了意境，这幅作品就如行尸走肉一样，徒有其表，而没有属于它自己的灵魂，作品也就不存在大的艺术价值。因此在研究山水画的意境表现的时候，就必须研究山水创作时的一些用笔用墨技巧，以及整幅作品位置经营等基础性绘画问题。
一、中国山水画创作中的意境表现的含义
意境不仅在文学上有着非常丰富的含义，在绘画领域，意境表现对中国山水画的创作也有着巨大的影响，因此，在评点山水作品的过程中，将山水画中的意境表现作为艺术评价的一个最重要标准。中国山水画中的意境表现所涉及的领域非常广泛，包含了社会、阅历、哲学、美学、人文、经济、文化等诸多方面。在山水画的创作过程中，以上这些各个方面的要素全都会不自觉地在画家作品中呈现出来。在美术领域，中国山水画中的意境表现是指画家通过对现实生活的深入观察和感悟，将自己的情感认识由表现的对象 通过绘画技巧在作品中表现出来。意境在作品中的表现关键在于两个方面。一方面，是指作者对生活中的事物是否具有敏锐的观察力和感知能力，在对这些事物的观察中，是否能够产生深刻情感体验和感悟。另一方面，是指作者本身是否具备足够的文化修养，是否具备高超的艺术表现技巧，以及是否能够将自己对生活的体验和感悟在作品中恰当地表现出来。一幅作品画了什么不重要，重要的是你画出了什么？你传达了什么意境？这是我们画家追求的终极目标。只有作者具备敏锐的观察力和高超的艺术表现技巧，才能在山水画中将意境表现出来。中国山水画发展至今，不论哪个朝代，哪个派别的山水画的艺术创作都少不了意境表现，意境表现在山水画的创作以及艺术评价中都起着非常重要的作用。意境是中国山水画的精髓所在，是山水画是灵魂，也符合中国传统美学的要求，它的发展和中国文化的发展紧密相连。故此，中国山水画意境的创作发展同绘画进步是分不开的。
二、中国山水画创作中的意境表现技巧
（一）山水画中的着墨技巧中国山水画的另外一个别称是水墨画，这也是山水画特别注重着墨技巧的原因。着墨技巧在山水画创作过程中属于最基本的艺术技巧，属技的范畴。山水画给人的视觉表现就是以黑白为主调，纸张的白作为底色，然后再以水墨的黑在宣纸上来表现所要表现的物象。中国画墨分五彩即焦、浓、重、淡、轻，这五种墨色又和宣纸的白色简称为绘画艺术中所说的“六彩”。关于着墨技巧的发展，在五代时期就有此
提法了，并且在绘画中得到了广泛地运用。如荆浩在《笔法记》中阐述他的观点道：“张僧繇所遗之图，甚亏其理。夫随类赋彩，自古有能，如水晕墨章，兴吾唐代。故张 员外树石，气韵俱盛，笔墨积微。真思卓然，不贵五彩，旷古绝今，未之有也。……王右丞笔墨宛丽，气韵高清，巧写象成，亦动真思。李将军理深思远，笔迹甚精，虽巧而华，大亏墨彩。”通过对张僧繇和李思训的批评，可见他对水墨山水的提倡和身体力行，也使水墨山水在五代、宋初得以迅速地兴盛起来，风尚所至，延于千余年，成为中国山水画的主流。随着山水画创作的不断发展和进步，人们对着墨技巧的研究也越来越深入，后来还出现了泼、蘸、积、破等多种着墨技巧，用来丰富表现山水画的意境。（二）山水画中的用笔技巧在山水画的创作过程中，用笔技巧亦属技法层面问题，是绘画基础常识，对意境表现也起着非常重要的作用。从历代流传的山水画来看，我们可以发现这些作品的用笔技巧都非常严格和讲究。主要表现在执笔和行笔两个方面，执笔有提、按、顿、搓，行笔有中、侧、疾、缓，这些不同的执笔方式和行笔方式可以创作出风格不同的作品。如明代沈周的《魏园雅集图》中山石多用秃笔，以中锋为主，兼带侧锋，长短交叠，披麻、解索、荷叶等皴法并用，山头或腰间多夹以平坡或矾头，笔意疏简苍浑，略带斧痕。皴毕，仅用淡墨稍加渲染即可。画树则用中锋勾干写枝，浓淡交替，线条短促、劲利，如铁划银勾，古朴之气溢于画表。再如清代石涛的山水画，用笔曲尽飞涩徐疾，粗细干湿之妙。他充分运用毛笔所能表现出的各种形态和笔势，恰当而生动地去描绘对象。中锋、侧锋、逆锋，尖、秃、散笔以及圆的，扁的，光的，毛的，硬的，软的，破的，枯的，润的，粗的，细的，浓的，淡的等笔性都毫无逃遁地被他所利用。他的《泼墨山水卷》满纸笔纵飞舞，墨雨淋漓，咋浓咋淡，似干又湿，粗中夹细，疏密相间，可谓集笔墨变幻之大战。（三）山水画中的空间构图技巧在山水画创作过程中，空间构图对意境表现也起着很重要的作用。画家在创作中，为了更好地将意境表现出来，可以通过空间构图的方式，用不同的墨色在宣纸上来表现远近、间隔等不同的场景，形成一种虚实相生、情景交融的意境。如北宋山水画的构图，画面雄阔，布置繁复，重峦叠嶂，以表现气势雄浑邈远的全景式的山水。这种构图和取景方法，到了李唐晚年已稍有改变，从《清溪渔隐》可以看到这种变化的趋向，尤其是马远，在构图上创用局部特写的方法，在布景上采用以少胜多、空灵深远的格局，这在构图上是一次巨大变革。他善于在大自然 中摄取最美的一角，以局部特写的手法加以表现，使主题高度集中，但又使人以小见大，由部分而联想到全体，产生画外有画之感。所以他画山，常画山之一角，画水，则写水之涯。山水画中的“一角式”构图，故他有“马一角”之称。再如明代戴进的《春山积翠图》就是利用空间构图来充分表现意境的代表作品，以疏爽之笔出之。整幅作品用两大块斜向切入，近景以浓郁的松冠为主体；中景山岩以重浓墨点出树林；远景用淡墨稍示山形，施以苔点近、中、远三个景物层次自然推出，利用这种空间构图，表现远近不同的景致，将作品中主仆二人艰辛上山的意境表现了出来，简洁明快，颇具气势。
三、中国山水画中的意境营造
（一）构思与立意不论是在山水画创作，还是在作品的评价过程中，意境都是一个非常重要的要素。意境的营造是对作者的一个巨大考验。要想在山水画中营造出深远的意境，这就要求作者要具备深厚的专业素养，高超的绘画技巧之外，还必须拥有对生活的丰富体验和感悟。在山水画创作过程中，创作者首先要做的就是根据自己对事物的观察，并且结合自己的生活体验，对整幅作品进行一个构思和立意。作品的主题和立意对整幅作品的风格形成有很大的影响。（二）意象选取在山水画的创作过程中，作者首先是通过细心的观察，产生情感体验和感悟。但是在生活中，作者所观察到的事物非常之多，要想在这纷繁万千的事物中选取能够用作构图意象的事物，就需要作者缜密的思维，仔细去考量了。自然界的山水风物变化万千，这也决定了在创作过程中对意象的选取和组合的难度非常大。在创作过程中，要物我两忘，寄情于物尤其需要注意意象之间的组合，在构图之中只有使意象之间契合，才能营造出深远的意境。（三）构图构图亦称经营位置，在山水画创作过程中，必须遵循中国画构图的基本法则和规律，在平淡中求奇正。只有这样才能使得整个画面协调，并且营造出别具一格的深远意境。诸如范宽和李成，他们两人的作品不仅仅在笔墨上各具特色，呈现出了“文武”两种不同的同时期风格，而且他们在意象的选择和构图上也不同于别的画家，因此独树一帜，为后人所借鉴。（四）艺术修养画家的艺术修养的高低决定了作品的艺术价值的大小。在山水画的创作过程中，作品的意境表现与作者的艺术修养有直接的关系。一位画家只有具备了很高的人文素养及丰富的社会阅历，才能对生活中的事物产生深刻的感悟 和情感体验。同时也需具备高超的艺术表现技巧，比如说行笔、执笔等笔墨技巧以及构图技巧等，才能有力表现其胸中的意境。
结语
中国山水画的发展历史悠久，但是不论是在哪一个时期，哪一个发展阶段，或是哪一个派别，意境表现在山水画的创作中一直都是一个永恒不变的主题。因为衡量一幅山水画作品的艺术价值高低的标准之一就在于这幅作品中是否表现出了深远的意境。而意境表现又和作者的文化修养和艺术修养息息相关，所以，作者在一定要不断学习，丰富自己的见识。从意境表现和意境营造这两个方面，不断提升自己的绘画技巧，表现出独具特色的艺术风格。