Stéphane Couturier manières de dire la ville
Stéphane Couturier, Analogue and Digital Explorations of the City
Stéphane Couturier expose, du 12 juillet au 28 septembre à l’Hôtel des Arts de Toulon, un travail en cours consacré à la cité Climat de France construite par l’architecte Fernand Pouillon à Alger à la fin des années 1950. Par bien des aspects, ce projet rompt avec les séries réalisées par l’artiste depuis 2005 et caractérisées par le recours au montage numérique. Alger– Climat de France marque, en effet, le retour à une démarche plus documentaire, mais révèle aussi le nouveau regard que Couturier semble porter sur l’architecture et la ville.
Votre oeuvre s’étend sur une vingtaine d’années. Un changement semble s’opérer en 2005 quand vous passez d’une photographie strictement analogique au montage d’images. Comment expliquer ce passage ? Ce changement a un nom: l’avènement de l’ère numérique. Plutôt qu’enregistrer le réel, la photographie numérique enregistre le virtuel. Avec le numérique, le photographe n’est pas limité par la technique et devient soudain libre de réinterpréter le sujet traité. C’est ainsi que, lorsqu’au début des années 2000, je montrais mon travail photographique, de plus en plus d’interrogations se faisaient jour. Était-ce du « numérique », du collage, autant dire de la manipulation ? Alors qu’en fait, ce n’était que la simple retranscription d’une réalité photographiée… Comme tous les photographes de ma génération, j’ai été très déstabilisé par ce changement. Deux solutions s’offraient à moi : refuser le numérique en s’en détournant, ou bien l’affronter et l’expérimenter. J’ai choisi de l’expérimenter même si, au début, cela m’a considérablement troublé. Je me suis saisi de ce nouvel outil à la faveur d’un travail sur l’usine Toyota de Valenciennes, où les premières images réalisées dans l’esprit de mes séries antérieures m’avaient déçu car elles traduisaient mal la complexité de ce site. L’idée de superposer deux photographies en jouant sur des variations d’opacité et de transparence dans les différentes parties de l’image m’a permis tout à coup de me rapprocher de ce que j’avais ressenti lorsque j’étais dans cet univers industriel si particulier : avec l’outil numérique, les montages de la série Melting Point me permettaient de mieux exprimer la fluidité, le mouvement et le caractère hybride de notre société.
La valeur documentaire de l’image construite est-elle la même que celle de l’image analogique ? Fusionner deux images enrichissait l’information contenue dans la photographie tout en gardant la racine documentaire de mon travail. Il me paraissait très important de ne pas tomber dans une sorte de gouffre où tout n’est que fiction. Les deux photographies de départ sont documentaires, elles s’additionnent pour faire naître une image entre réalité tangible et réalité virtuelle. Mais, à tout moment, nous pouvons reconstituer la chaîne documentaire en décomposant les deux temps photographiés. La valeur de l’image ainsi obtenue reste ambiguë mais le fait d’indiquer dans le titre le lieu et la date de prise de vue signifie qu’elle garde cet ancrage documentaire.
AU-DELÀ DE LA NARRATION
Rétrospectivement, le passage au melting – cette fusion des images – représentet-il réellement une rupture ? Ça a souvent été perçu comme cela, mais, pour moi, c’est un prolongement. D’ailleurs, l’ensemble de la série Melting Point a été conçu avec des films argentiques qui ont été scannés et traités sur ordinateur : il s’agit donc d’associer les deux techniques à la fois dans la conception de l'oeuvre et dans l'image produite. Mais alors qu’auparavant mes photographies questionnaient la représentation d’un sujet par une recherche sur sa composition, à partir de la série Melting Point, la photographie devient un matériau, un moyen, pour dépasser sa dimension narrative. La rupture n’est pourtant que partielle car mes travaux précédents étaient déjà marqués par cette réalité de flux, par l’instabilité et l’indétermination des choses et de leurs représentations.
Votre intérêt pour l’architecture semble avoir évolué. Après vous être intéressé à des sites banals, vous semblez privilégier les réalisations de grandes figures du 20e siècle, dont Le Corbusier à Chandigarh ou Lucio Costa et Oscar Niemeyer à Brasilia. Pourquoi une telle cristallisation sur le modernisme architectural ? Ce sont des architectes qui ont eu une réflexion sur la ville du futur. Chandigarh et Brasilia étaient des laboratoires, fruits de décisions politiques fortes. Il était intéressant de revenir cinquante ans après leur construction. Moins pour constater leur réussite ou leur échec, d’ailleurs, que pour questionner leur représentation photographique. À Chandigarh, par exemple, j’ai synthétisé la dualité de Le Corbusier qui était à la fois architecte et artiste. J’ai associé ses fresques et tapisseries monumentales à son travail architectural. Cette nouvelle lecture permet de garder intacts les éléments constitutifs de cette architecture tout en les recyclant dans une vision plus dynamique et mouvante.
CARTOGRAPHIE
Votre présentez à l’Hôtel des Arts de Toulon un travail consacré à la cité Climat de France de Fernand Pouillon. Pourquoi vous intéresser, cette fois-ci, à une figure en marge du modernisme architectural ? Je suis tombé en arrêt devant les cités de Fernand Pouillon à Alger, notamment Climat de France. J’ai été marqué par leur beauté, leur maîtrise et leur ampleur. En utilisant la pierre de taille et non le béton, Pouillon allait effectivement à l’encontre du modernisme de Le Corbusier. Mais c’est sans doute la force du geste architectural qui a permis la préservation de ces cités. J’ai été fasciné par la trame de cette architecture, très répétitive, mais riche des différences créées par les habitants. J’ai aimé la combinatoire qu’elle offrait. Je me suis aussi beaucoup plus intéressé au contexte historique que pour mes précédentes séries. Il est ici décisif. C’est la « bataille du logement », les derniers efforts de la métropole pour « sauver » l’Algérie française. Pouillon devait y contribuer. Les 5 000 logements de la cité Climat de France ont été construits en un temps record alors que la guerre avait déjà commencé.
Vous abandonnez le montage numérique. Ce changement est-il propre à ce projet ? La série Melting Point a été ma réponse à l’arrivée du numérique au début des années 2000. Maintenant, je veux revenir à une approche plus documentaire. L’ère numérique suscite aujourd’hui une inflation du spectaculaire et du fictionnel alors que, de mon point de vue, la force de la photographie réside toujours dans son lien à la réalité photographiée. Face à Climat de France, tout montage me semblait superflu. D’une certaine manière, la réalité de Climat de France dépasse toute fiction.
Fernand Pouillon se méfiait de la photographie. Il refusait que des photographies de ses bâtiments soient publiées. Il a notamment écrit dans ses mémoires : « La représentation prend des libertés avec la réalité, l’idéalise ou la moque. » Comment vous situez-vous face à cette condamnation de la photographie pour appréhender l’architecture ? Je viens de la photographie d’architecture. J’en ai vu très vite les limites. C’est un instrument standardisé qui gomme le contexte, qui sublime l’architecture. Je préfère être
factuel, contextuel et neutre en recourant à la frontalité et au fragment. Je quadrille et cartographie la cité Climat de France en essayant de la restituer dans ses dimensions architecturales et humaines.
DÉCLOISONNEMENTS
L’humain est effectivement très présent dans ce travail. Cela traduit-il une évolution de votre approche de l’architecture et de la ville qui mettrait désormais l’accent sur la manière dont les habitants se les approprient ? L’élément humain entrait en conflit avec mon souhait de déhiérarchiser le sujet. L’oeil étant immanquablement attiré par la figure humaine, je cherchais à la gommer. Mais cela fait longtemps que je me pose la question du portrait, qui est le sujet photographique par excellence. C’est venu naturellement à Climat de France car la rencontre des habitants était nécessaire pour entrer dans cette cité très fermée. Cette expérience, inédite pour moi, m’a beaucoup apporté. Si bien que j’ai cherché à travailler directement avec eux. J’ai fait des portraits photographiques puis vidéo. Ces derniers sont des plans fixes en boucle. Ils créent un espacetemps ambigu et instaurent une tension.
La vidéo, que vous pratiquez depuis 2006, occupe une place sans précédent dans ce travail. Quelle différence faites-vous entre photographie et vidéo ? Je me situe dans l’espace hybride entre ces deux médiums. La vidéo prolonge la photographie et ne la remplace pas. Elle permet de passer du fragmentaire et du discontinu à la fluidité. Mes vidéos sont des boucles, sans début ni fin. Elles dilatent l’espace et le temps. Comme mes photographies, où il n’y a pas de sujet, mes vidéos ne sont pas narratives et se prêtent tout autant à l’immersion et à la contemplation.
L’exposition comprend des images de natures et de statuts différents, des photographies autonomes, des images collées aux murs, des vidéos et des archives. Pourquoi une telle hétérogénéité ? Je donne à voir un état des lieux des informations récupérées depuis 2011. C’est une esquisse de l’atlas de cette cité que je cherche à réaliser. C’est un travail sans fin. À Chandigarh et à Brasilia, le sujet s’épuisait. Ici, c’est le contraire. Cette hétérogénéité traduit donc la richesse du sujet qui comprend de multiples strates. Elle veut aussi dire qu’aujourd’hui on ne peut plus se contenter de répondre à une telle richesse avec un seul médium. L’évolution des techniques de prise de vue et de tirage permet de s’affranchir des définitions et des formes anciennes. On peut faire de la vidéo avec un appareil photo et les supports comme les papiers muraux permettent de réaliser des installations. Pourquoi s’en priver ? Une image peut avoir des statuts différents et exister autant encadrée que collée au mur. Il faut envisager la photographie avec plus de souplesse et l’affirmer. La photographie se décloisonne. Les frontières s’effacent. Cette exposition veut se situer au carrefour de ces nouvelles possibilités.
Stéphane Couturier
Né en / born 1957. Vit à / lives in Paris Expositions personnelles récentes (sélection) : 2011 Landesgalerie, Linz ; Galerie Polaris, Paris 2012 Fondation Salomon, Annecy ; Christophe Guye Gallery, Zurich ; Kornfeld Gallery, Berlin 2013 BildMuseet, Umeå 2014 Institut français Kyushu, Fukuoka Expositions collectives récentes (sélection) : 2010 Dreamlands, Centre Pompidou, Paris 2011 The Altered Landscape, Nevada Museum of Art, Reno 2012 La Photographie en France. 1950-2000, MEP, Paris ; Collection, Irish Museum of Modern Art, Dublin 2013 Les Choses de ce côté du monde, MUCEM, Marseille ; The Sea is My Land, MAXXI, Rome; Construction/Deconstruction, LACMA, Los Angeles ; Le Corbusier et la photographie, CIVA, Bruxelles 2014 Pièces montrées, Frac Alsace – Fondation Fernet-Branca, Saint-Louis ; L’OEil photographique, Frac Auvergne, Clermont-Ferrand