Krijn de Koning
CENTQUATRE / 10 janvier - 5 avril 2015
Visiter une exposition avec un artiste, son exposition, est souvent un exercice fastidieux, par moments stérile, voire contre-productif. Question de distance, de place mais aussi de rôle. Le créateur n’est pas nécessairement le meilleur commentateur de son oeuvre et à l’image de compositeurs qui ne maîtrisent pas la direction musicale, mais s’obstinent à diriger leurs propres partitions, certains artistes devraient s’abstenir d’assurer cette tâche. Dans le cas de Krijn de Koning, cet exercice s’avère cependant profitable. Pour une raison évidente : l’exposition coïncide avec l’oeuvre et son commentaire n’est qu’une étape parmi d’autres d’un work in progress, d’un devenir dont l’artiste (dé)règle jusqu’au dernier instant les détails. Espace - Couleurs est, conformément au propos du Néerlandais, un travail in situ. Impressionné par le lieu, celui-ci a dû composer avec la disparité des espaces mis à sa disposition : la grande et imposante nef, et les salles d’expositions adjacentes, plus étriquées. L’installation produite vise à fédérer ces deux réalités et ambiances. Pour ce faire, l’artiste a imaginé une articulation de modules, aussi bien « architecturaux » que « sculpturaux », qui s’emboîtent, se juxtaposent, se succèdent, s’interpénètrent et, bien entendu, réagissent au Centquatre, modules auxquels il a, chose rare chez lui, attribué des titres : le bâtiment, la chambre, l’atelier, le mur, etc. Fidèle à son vocabulaire et à sa syntaxe teintés d’une austérité en trompe-l’oeil, qui doit autant à l’héritage du mouvement de Stijl qu’à l’art minimal et à la site specificity des années 1960 et 1970, Koning a conçu un parcours que le spectateur peut emprunter en toute liberté. Jouant la carte des contrastes, pour ne pas dire des contradictions, il a su à cet égard instaurer un rythme où intérieurs et extérieur, vides et pleins, noir et blanc et couleurs, horizontales et verticales se répondent. En traversant son installation, l’artiste s’interroge : s’agit-il d’une oeuvre et d’un espace, comme le suggère le titre, ou de plusieurs ? Tel mur est-il un élément disjonctif ou fédérateur ? Jouit-il d’une autonomie ? Le module évidé que l’on peut voir tantôt de l’intérieur, tantôt de l’extérieur, jamais les deux à la fois, constitue-til une pièce ou deux ? Doit-on enfin éclairer le labyrinthe ou, au contraire, le plonger dans le noir afin de solliciter d’autres sens, à commencer par le toucher, mais aussi encourager la mémoire des lieux pour mieux s’orienter. Ces questions, Koning se les pose et ne cherche jamais, à l’image de ses constructions, à cloisonner son discours. Il se dit pragmatique (le mot revient à de nombreuses reprises dans les discussions et les visites) et n’hésite pas à convertir le doute en formidable moteur d’investigations, tant spatiales que temporelles. Le spectateur, dont les possibilités kinesthésiques sont exploitées ici avec subtilité, y trouve son compte. Car rares sont finalement les expositions à ériger l’incertitude comme principe esthétique.
Erik Verhagen
Seeing an art show with the artist is often vexing, sometimes sterile and even counterproductive. The problem is one of distance, and also of role. Artists are not necessarily the best equipped to comment on their own output. Like certain composers who don’t know how to lead an orchestra but insist on conducting their own work, certain artists should just not go there. But in the case of Krijn de Koning, this exercise turns out to be fruitful. It becomes just another stage in the work in progress, a process of production where the artist is in charge of the resolution or subversion of the components until the last minute Espace - Couleurs is a site-specific work, in conformity with this Dutch artist’s usual practice. He was impressed by the challenge presented by the spaces he was offered because of the disparity between the grand, imposing high-ceilinged central area and the cramped adjacent exhibition rooms. His design tries to connect these two realities and ambiances. He designed a set of imbricated and interpenetrating modules that are just as much sculptural as architectural, and of course interact with the Centquatre art center itself. Unusually for him, he gave each module a name: building, bedroom, studio, wall, etc. Faithful to the vocabulary he has developed and its syntax tinged with a trompe-l’oeil austerity rooted in the De Stijl movement as well as the minimalism and site-specificity of the 1960s and 70s, the result is an open installation through which visitors can move almost any way they want. Making full use of contrasts and contradictions, he has been able to establish a rhythm where interiors and exteriors, solids and voids, black and white and colors, horizontals and verticals all echo each other. As we walked through the modules, he wondered if we were seeing a single artwork and space, as the title suggests, or many. Does that wall bring things together or separate them? That hollow module that can be seen as an exterior or an interior but never both at once—does it constitutes one piece or two? Lastly, should the labyrinth be lighted, or on the contrary plunged into darkness in order to awaken other senses, starting with the sense of touch, and encourage people to rely on their memory of the venue to better orient themselves? Koning leaves these questions open, like his constructions themselves. He calls himself a pragmatist (a word he often used during our discussions and visits) and doesn’t hesitate to transform doubt into a powerful motor driving his temporal as well as spatial investigations. The subtle ways in which visitors have been free to exploit all their kinesthetic abilities makes this a very pleasurable experience. Not many exhibitions take the uncertainty principle as the basis of their aesthetics.
Translation, L-S Torgoff