GRANDE-BRETAGNE Phyllida Barlow
Phyllida Barlow est un choix assez radical pour représenter la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise. En dépit d’une longue carrière, distinguée par de nombreuses récompenses, sa présence n’a rien d’une tournée d’adieux. Elle signifie au contraire la reconnaissance très tardive d’une approche ayant exercé une influence vitale et croissante dans la sculpture. La sculpture possède une longue histoire au pavillon britannique, remontant aux expositions d’Anthony Caro, Richard Long et Barry Flanagan dans les années 1960 et 1970, jusqu’aux contributions plus récentes de Rachel Whiteread et Sarah Lucas. La contribution de Barlow pourrait toutefois avoir plus de points communs avec celle du réalisateur Steve McQueen en 2009, dont l’oeuvre transforma l’expérience psychologique de l’imposante structure néo-classique du pavillon. L’oeuvre de Barlow est profondément imprégnée de l’énergie et de l’instabilité de l’environnement bâti, et le langage sculptural qu’elle a développé au cours des quarante dernières années correspond parfaitement aux enjeux d’une époque tumultueuse et incertaine. Barlow a d’abord rejeté le formalisme rigide qui caractérisait la sculpture britannique dans les années 1970, au profit d’une approche expérimentale des matériaux et d’une relation théâtrale avec l’espace architectural, plus proche des sculpteurs américains de l’époque. Son oeuvre, de nature nécessairement éphémère, est alors composée de matériaux humbles. Dans les dernières années, tout en maintenant une relation dynamique avec leur environnement, ses oeuvres sont devenues plus permanentes. Comme dans son oeuvre passée, la contribution de Barlow à la Biennale sera spécifique au site et improvisée, modifiant l’expérience du visiteur à travers une série de nouvelles constructions assemblées juste avant l’exposition. Le projet consiste pour le visiteur en une expérience chorégraphique appelée à se déplier à travers les galeries et à se répandre à l’extérieur du pavillon. Barlow décrit son projet comme un processus continu « de blocage et de révélation », réarrangeant la syntaxe et la narration de l’espace par ses interventions sculpturales. Réfléchissant à sa démarche pour la Biennale, Barlow évoque également la notion de « membre fantôme » afin de décrire la relation existant entre ses objets sculpturaux et leurs référents dans la réalité. Face à un événement artistique d’une telle ampleur, son évocation de ruines, d’architectures temporaires et d’espaces urbains à demi oubliés suscitera à n’en pas douter une expérience désarçon-
nante, appropriée à une époque où les identités se sont largement désarrimées des lieux. L’oeuvre de Barlow s’impose comme un puissant témoignage de son époque, empreinte d’un profond sentiment de perte, mais aussi porteuse de nouvelles armes pour reconstruire et réimaginer le monde.
Gary Carrion-Murayari Traduit par Laurent Perez Phyllida Barlow is a quietly radical choice to represent Britain in the Venice Biennale. In spite of a long and distinguished career, her selection is hardly a valedictory one. Instead, it provides long overdue recognition of a vital and increasingly influential approach to sculpture. There is a long history of the medium at the British Pavilion reaching from presentations by Anthony Caro, Richard Long and Barry Flanagan in the 1960s and 70s to more recent contributions by Rachel Whiteread and Sarah Lucas. Barlow’s contribution, however, is likely to have more in common with that of filmmaker Steve McQueen, whose 2009 work for the pavilion subtly transformed the psychological experience of the imposing neoclassical structure. Barlow’s work draws heavily from the energy and instability of the built environment and the sculptural language she developed over the past forty years is perfectly suited to a tumultuous and uncertain time. Early in her career, Barlow rejected the rigid formalism that characterized British sculpture in the 1970s, in favor of an experimental approach to materials and a theatrical relationship to architectural space more in common with American sculptors of the time. Her work was comprised of humble materials and was necessarily ephemeral in nature. In recent years, her works have become more permanent while still maintaining a dynamic relationship with their surroundings. As in past work, Barlow’s contribution to this year’s Biennale will be site-specific and improvisational, transforming the viewer’s experience of the pavilion through a series of new constructions assembled just before the show. She has planned a choreographed experience for the viewer unfolding across the galleries and spilling out into the space outside of the pavilion. Barlow described her plan for the pavilion as a continuous process of “blocking and revealing,” rearranging the syntax and narrative of the space through her sculptural interventions. In discussing her thinking leading up to the Biennale, Barlow also invoked the notion of the “phantom limb” to describe the relationship between her sculptural objects and their referents in reality. In grappling with such an authoritative venue, her invocation of ruins, temporary architectures, and half-remembered urban spaces is sure to provide an uncanny experience appropriate for a time in which the relationship between identity and place has become unmoored. Barlow’s work promises to a powerful marker of its time, imbued with a sense of loss, yet providing a charge to rebuild and reimagine the world.