BELGIQUE Dirk Braeckman
Ceux qui ont vu l’exposition de Dirk Braeckman au Bal à Paris en 2014 ne seront pas dépaysés par sa proposition pour Venise. Ils y retrouveront ses images sombres évoquant des intérieurs, des nus, des portraits, des détails de tableaux anciens, plus rarement des vues d’extérieur car celles-ci impliquent souvent des perspectives, quasiment absentes dans les images du photographe belge, né à Eeklo en 1958 et travaillant à Gand. La première sensation qui se dégage de ses images est celle d’une totale opacité, de celle qui écrase les plans, avale les détails au point de rendre certaines oeuvres totalement abstraites ou à peine identifiables. Un fragment de chair peut se confondre avec une tenture, une fenêtre avec le cadre d’une peinture, le tissu d’un vêtement avec celui d’un couvre-lit. Tous ces éléments sont continuellement présents dans son oeuvre sans avoir réellement besoin d’être titrés ou datés. Nous sommes indubitablement face aux images atypiques d’un photographe qui exclut toute forme de séduction au profit d’une capacité à susciter l’intrigue et le mystère. Depuis la fin des années 1980, l’artiste n’a jamais dévié de sa méthode de travail en restant fidèle au papier baryté et à la photographie analogique. Elle lui permet de contrôler tout le processus de développement et de tirage des négatifs, négatifs qu’il n’hésite pas à manipuler pour les pousser au-delà du rendu des images attendues. Ce procédé en laboratoire constitue l’axe déterminant de son travail ; il le considère comme un véritable acte physique, notamment par la manipulation des grands formats. Le tirage a bien entendu une importance majeure puisque, dit-il, « je l’ai déjà en tête quand je fais la prise de vue. J’ai développé une sorte d’écriture dans mes images. Les flash qui apparaissent volontairement dans celles-ci sont le signe de ce que je suis, là. Ce sont pour moi des documents mentaux. » Ces manipulations lui permettent de dépasser la volontaire et apparente banalité de ses images en travaillant à l’extrême les nuances de gris afin d’arriver à ce fragile équi- libre entre l’effacement du sujet, sans pour autant l’occulter, la dilution des plans tout en les suggérant, et le rendu opaque qu’un éclair de flash vient parfois percer. « L’exposition du pavillon belge consistera principalement en la présentation de nouvelles oeuvres, de grande dimension (180×120 cm), accompagnées de quelques travaux plus anciens pour situer le contexte. Ce sont des tirages uniques réalisés dans ma chambre noire, espace qui fonctionne pour moi comme un atelier d’artiste. Dans mon travail récent, je tente d’apporter une réponse au foisonnement et à la turpitude d’images auxquelles nous sommes quotidiennement exposés. Au coeur de mon processus de création, il y a une certaine lenteur et une résistance. Dans le pavillon restauré, il n’y aura pas de cimaises ni de scénographie : tout sera très classique, pur et direct. Le sens de mes images émergera du dialogue avec le public.»
Bernard Marcelis Those who saw Dirk Braeckman’s exhibition at Le Bal in Paris in 2014 will not be disoriented by his proposition at Venice. They will find the same dark images evoking interiors, nudes, portraits, details of old paintings and exterior views. The last are more unsual because they usually imply perspective, and there are hardly any perspectives in the images made by this Belgian photographer born in Eeklo in 1958 and working in Ghent. The first sensation induced by these images is a sense of total opacity, the kind that flattens depth and swallows up detail, making some of his works almost totally abstract, or at least almost impossible to identify. A fragment of flesh can be confused with a curtain, a windowwith a painting frame, the fabric of a piece of clothing with that of a bedspread. All these elements are continuously present in his work and there is no real need for dates or titles. We are, without a doubt, seeing the unusual images of a photographer who excludes all form of seduction in favor of intrigue and mystery. Since the late 1980s the artist has never
wavered from his working method, keeping to the baryta paper and analogue photography, which enables him to control the whole process of developing and printing the negatives, and, when he wants, to push them beyond the kind of results one usually expects. This laboratory work constitutes the decisive axis of his work and he thinks of it as a veritable physical action, particularly the handling of large formats. The print, of course, is extremely important because, as he says, “it’s something I already have in mind when I take the photo. I have developed a kind of writing in my images. The flashes that are made deliberately visible are the sign that I amthere. For me, these are ‘mental documents.’” These manipulations enable him to go beyond the deliberate, apparent banality of his images by working on the shades of grey in such depth that he achieves that subtle balance between the fading of the subject without complete disappearance, the dilutions yet suggestion of planes, and the opacity of the textures that is nevertheless pierced by the occasional flash. “The exhibition in the Belgian Pavilion will consist mainly of new works that are largeformat by my standard (180x120 cm), accompanied by a few older works to situate the context. They are unique prints made in my darkroom, a space that for me has the function of an artist’s studio. In my recent work, I am trying to find an answer to the teeming and the turpitude of the images that we are exposed to, day in, day out. At the heart of my creative process and of the image there is a certain slowness and resistance. In the restored pavilion there will be no picture walls or display design: everything is very classical, pure and direct. The meaning of my images will emerge from the dialogue with the public.
Translation, C. Penwarden