Giorgio Morandi
Musée de Grenoble / 12 décembre 2020 - 4 juillet 2021
Musée de Grenoble / 12 décembre 2020 - 4 juillet 2021
À travers la collection Magnani-Rocca, l’exposition du musée de Grenoble offre un regard très éclairant sur l’oeuvre de Giorgio Morandi (Italie, 18901964). Luigi Magnani a la particularité d’avoir été un proche de Morandi, qui vivait pourtant retiré. Sa collection, tout à fait unique, s’est constituée auprès de l’artiste mais fut également complétée par des achats d’oeuvres antérieures à leur rencontre. Cette compréhension intime de l’oeuvre de Morandi sourd de l’exposition où se mêlent peintures, gravures, dessins et aquarelles. Cette intimité est d’ailleurs renforcée par la première salle où sont présentées les photographies de l’atelier prises par Luigi Ghirri. On pourra percevoir l’évolution de l’artiste depuis une surprenante peinture cubiste de 1914 et une nature morte métaphysique influencée par De Chirico (1918). Si l’objet va devenir à partir de 1920, selon les mots de Guy Tosatto dans le catalogue, « l’horizon indépassable » de cette peinture excluant la figure humaine, on découvre néanmoins un des rares autoportraits de l’artiste. Dans les quelques paysages, peints depuis la fenêtre de l’atelier, ressort également une distance analytique comme dans l’étonnant tableau de 1954, la Cour
de la Via Fondazza, dont la moitié est occupée par un aplat monochrome correspondant à un pan de mur. Et puis, bien sûr, les natures mortes se déclinent à partir de la variation de quelques objets.
On retiendra de cette exposition d’abord ce qui se perçoit dans l’expérience physique des oeuvres : la sensualité de la peinture de Morandi qui accompagne la modestie de ces quelques formes. On relèvera aussi l’intérêt des gravures, remarquables en elles-mêmes mais fournissant également un contrepoint intéressant aux peintures : la durée, la construction différée par densité des zones ombrées dans les premières dialoguent avec la luminosité diffuse et le temps suspendu des secondes. L’oeuvre de Morandi, marginale et singulière, exerce un puissant pouvoir de fascination découlant de la présence énigmatique de ces objets, obstinément peints dans l’isolement. Remarquons néanmoins qu’il n’en a pas toujours été ainsi et l’évolution du regard opéré à la fin du siècle dernier se poursuit aujourd’hui. Alors que Luc Tuymans témoignait d’un intérêt mêlé d’ambiguïtés, Morandi est devenu une référence évidente pour des artistes plus jeunes qui se sont réappropriés cette oeuvre avec une sensibilité contemporaine. C’est le cas de Jean-Charles Eustache, actuellement exposé au Frac Auvergne (1). Depuis la découverte de Morandi lorsqu’il était étudiant, une lente maturation de ces peintures le conduira à la série Fermata (2018) où, à partir de formes simples – grilles, volumes –, il se concentre sur « la répétition et la variation, le recouvrement et l’emboîtement, la temporalité par l’écart entre différents éléments, l’organisation des pleins et des vides, le jeu des ombres et de la lumière » (2). On comprendra aisément la résonance de chacun de ces termes avec Morandi. Cette oeuvre accompagne également depuis longtemps Mireille Blanc. Cette dernière en retient tout d’abord l’étrangeté des objets peints, ces éléments du quotidien qui deviennent des formes quasi abstraites. Cette abstractisation de l’objet s’opère dès le recouvrement de celui-ci par de la peinture chez Morandi, un processus qui fait écho à celui que pratique Mireille Blanc avec la photographie qui, à travers les cadrages ou la surexposition, établit une distance avec le motif. Ce parallèle est également fait par Clément Davout qui utilise aussi la photographie comme un filtre pour peindre des ombres de plantes comme autant de vibrations colorées de la lumière. Maude Maris, autre artiste qui regarde Morandi depuis ses débuts, convoque un processus comparable où les objets qu’elle réalise sont photographiés avant d’être peints. Il en résulte un monde étrange et une artificialité à partir de laquelle se déploient les moyens de la peinture. Au sein de ces différentes opérations, il s’agit de donner une autre temporalité à l’image, de la suspendre. Ces artistes partagent d’ailleurs un intérêt pour la gamme chromatique de Morandi qui convoque une mémoire. Pour chacun d’eux, la répétition d’un même sujet se confond avec la peinture elle-même et dissout les catégories d’abstraction et de figuration. La suspension de l’image qui en résulte, de son flux si actuel, construit une scène où se rencontrent une vision et le monde. Autant de raisons qui rendent l’oeuvre de Morandi très contemporaine.
Romain Mathieu
1 Jean-Charles Eustache. From dusk to dark, Frac Auvergne, Clermont-Ferrand (6 mars -13 juin 2021). 2 L’article s’appuie sur des entretiens avec les artistes cités.
———
Through the Magnani-Rocca collection, the exhibition at the Grenoble Museum offers a very enlightening look at the work of Giorgio Morandi (1890-1964). Luigi Magnani had the distinction of having been close to Morandi, who nevertheless lived in seclusion. His collection, which is quite unique, was built up with the artist, but was also supplemented by purchases of works from before their meeting. This intimate understanding of Morandi’s work is evident in the exhibition, which combines paintings, prints, drawings and watercolours. This intimacy is further reinforced by the first room, which features photographs of the studio taken by Luigi Ghirri. The artist’s evolution can be seen in a surprising cubist painting from 1914 and a metaphysical still life influenced by De Chirico (1918). Though the object would become from 1920 onwards, according to Guy Tosatto’s words in the catalogue, “the unsurpassable horizon” of this painting excluding the human figure, we can nevertheless see one of the rare self-portraits of the artist. In the few landscapes, painted from the studio window, an analytical distance also emerges, as in the astonishing 1954 painting, The Courtyard of Via Fondazza, half of which is occupied by a monochrome flat area corresponding to
a section of wall. And then, of course, the still lifes are based on the variation of a few objects. Most striking in this exhibition is what can be perceived in the physical experience of the works: the sensuality of Morandi’s painting that accompanies the modesty of these few forms. Also noteworthy are the engravings, remarkable in themselves, but equally providing an interesting counterpoint to the paintings: the duration, the deferred construction by density of the shaded areas in the former dialoguing with the diffuse luminosity and suspended time of the latter. Morandi’s work, marginal, singular, exerts a powerful force of fascination stemming from the enigmatic presence of these objects, obstinately painted in isolation. It should be noted, however, that this wasn’t always the case, and the evolution of the gaze that took place at the end of the last century continues today. While Luc Tuymans showed an interest mixed with ambiguity, Morandi has become an obvious reference for younger artists, who have reappropriated this work with a contemporary sensitivity. This is the case with Jean-Charles Eustache, currently enjoying an exhibition at the Frac Auvergne. (1) Since discovering Morandi when he was a student, a slow maturation of these paintings led him to the Fermata series (2018) where, starting from simple forms—grids, volumes—he focuses on “repetition and variation, overlapping and interlocking, temporality through the gap between different elements, the organisation of fullness and emptiness, the interplay of light and shadow”. (2) It is easy to understand the resonance of each of these terms with Morandi. Morandi’s work has also long gui
ded Mireille Blanc. She first of all retains the peculiarity of the painted objects, these everyday elements that become quasi-abstract forms. This abstraction of the object takes place as soon as it is covered with paint in Morandi’s work, a process that echoes that practised by Mireille Blanc with photography, which, through framing and overexposure, establishes a distance from the motif.This parallel is also made by Clément Davout, who also uses photography as a filter to paint plant shadows as coloured vibrations of light. Maude Maris, another artist who has been looking at Morandi since his early days, summons up a comparable process, where the objects she makes are photographed before being painted. The result is a strange world, and an artificiality in which the means of painting are deployed. Within these different operations, it is a question of giving another temporality to the image, of suspending it. These artists share an interest in Morandi’s chromatic range, which evokes a memory. For each of them the repetition of the same subject merges with the painting itself, and dissolves the categories of abstraction and figuration.The resulting suspension of the image, of its very present flow, constructs a scene where a vision and the world meet. So many reasons that make Morandi’s work very contemporary.
1 Jean-Charles Eustache: From Dusk to Dark, Frac Auvergne, Clermont-Ferrand (March 6th—June 13th, 2021). 2 The article is based on interviews with the artists mentioned.