DE L’ART ET DU MILITANTISME ART AND ACTIVISM
La multiplication d’expositions consistant à présenter ce que l’histoire de l’art a sous-estimé (et non ce qu’elle a encensé et retient pour majeur) pourrait être la marque distinctive de notre époque. Un nouvel étagement des valeurs et une nouvelle géographie se cherchent qui prennent appui, de façon étrangement unanime, sur l’exploration et l’exploitation du discriminé, du laissépour-compte.
Ces investigations donnent lieu à des initiatives nombreuses et d’inégale qualité. Elles peuvent s’avérer riches de découvertes, mais malgré tout paradoxales, comme dans le cas de l’exposition Elles font l’abstraction au Centre Pompidou (jusqu’au 23 août 2021), ou plus modestes mais très réussies, comme celle de Kapwani Kiwanga au Crédac d’Ivry-sur-Seine (jusqu’au 11 juillet 2021). En revanche, elles peuvent se révéler décevantes, comme l’est, à mon avis, le projet Not Fully Human, Not Human at All élaboré par Kadist (jusqu’au 11 juillet 2021). Cet organisme à but non lucratif, devenu fonds de dotation en 2019, offre pourtant un programme d’activités digne d’intérêt. Disposant de deux espaces permanents, l’un à Paris, l’autre à San Francisco, Kadist se distingue surtout par sa collection d’environ 1 600 oeuvres d’artistes en début de carrière issus des cinq continents.
C’est à cette collection, constituée grâce à un réseau d’experts opérant dans le monde entier, que s’adossent ses autres activités : expositions, résidences, conférences, etc. La collection compte d’ailleurs deux oeuvres de Kapwani Kiwanga acquises il y a quelques années. Eu égard au dynamisme de ce fonctionnement, le projet Not Fully Human, Not Human at All ne tient pas ses promesses. Dévoilé précédemment au Kunstverein de Hambourg, il s’inscrit dans le cadre des collaborations de Kadist avec différentes institutions partenaires. L’espace parisien accueille les oeuvres d’une dizaine d’artistes sur le thème – je cite la commissaire Nataša Petrešin-Bachelez – de « la déshumanisation et, en particulier, celle que les pays impériaux et coloniaux ont pratiquée au nom de l’humanité dans et en dehors des frontières de l’Europe ». La plus grave erreur pour un artiste est de coller à une telle problématique, à l’exemple de ceux qui recourent au film documentaire, tels Ibro Hasanović et Doruntina Kastrati. La Chilienne Daniela Ortiz, qui peint des petits tableaux dans un style enfantin, s’en tire un peu mieux. La peinture lui permet de prendre une distance, condition sine qua non d’une démarche artistique, fût-elle, cette démarche, éthique et engagée comme l’est précisément celle de Kapwani Kiwanga.
ABSTRACTION AU FÉMININ
Sous le titre Cima Cima, la lauréate du prix Marcel Duchamp 2020 aborde l’histoire de la résistance silencieuse de personnes déplacées ayant trouvé dans l’utilisation de plantes ramenées de leur terre native les moyens d’échapper à leur condition. Avec une dizaine d’oeuvres, dont une grande installation de lés de papier en fibres de canne à sucre, elle construit une exposition à la fois dense en termes de contenu et formellement très épurée. Partant de considérations historiques, anthropologiques et humaines puissantes, elle aboutit à une mise en scène d’une extrême légèreté, à l’image des fleurs de paon utilisées autrefois par certaines femmes pour leurs propriétés abortives et qu’elle reproduit à l’aide de fils d’acier et de papier.
La légèreté n’est pas la qualité première de l’exposition du Centre Pompidou, étant donné son ampleur. Toutefois, contrairement à ce que ce déploiement en hommage à une centaine de créatrices pouvait laisser craindre, son parcours reste agréable. Il dénote le professionnalisme de sa commissaire, Christine Macel, qui tout en affirmant sa volonté de redonner une place aux femmes au sein d’une histoire élargie de l’abstraction insiste sur la complexité et la diversité
Kapwani Kiwanga. «The Marias (détail) ». 2020. Exposition « Cima Cima », Crédac, Ivry-sur-Seine. (© Kapwani Kiwanga ; Ph. M. Domage / Crédac ; Court. l’artiste et galerie Poggi, Paris)
de l’art abstrait lui-même. C’est là l’aspect le plus passionnant. Bien sûr, les femmes ont peiné à s’imposer dans le monde de l’art comme dans d’autres domaines, alors que nombre d’entre elles ont reçu une formation approfondie. Néanmoins, parmi les artistes présentes dans Elles font l’abstraction, beaucoup bénéficient d’une incontestable (et légitime) notoriété. Sonia Delaunay est loin d’être ignorée en France, Lygia Clark est une figure majeure au Brésil et quiconque s’intéresse aux avant-gardes russe et polonaise connaît les noms de Gontcharova, Popova ou de Katarzyna Kobro. Parmi les pionnières, il en est d’autre part qui ont choisi de rester dans l’ombre. Ainsi de la Suédoise Hilma af Klint à qui est consacrée une mini-monographie. Inspirée par la théosophie, elle s’affirme dès 1906 avec des oeuvres novatrices, avant d’exiger que ses tableaux ne soient dévoilés que vingt ans après sa mort. Mais cette histoire de l’abstraction au féminin n’est pas qu’un défilé d’oeuvres – souvent remarquables – du début du 20e siècle à aujourd’hui. Elle inclut les approches d’artistes venues de la danse, de l’art textile et du cinéma d’avant-garde qui contribuent, indique Macel, à « décloisonner les arts ».
PARADOXE
Décloisonner : voilà le maître-mot de la modernité ! Abattre les frontières, s’ouvrir à la pluralité. Et tout à coup ce paradoxe d’une exposition où les femmes sont ramenées à leur identité de femmes (certaines à leur corps défendant), enfermées dans leur statut d’oubliées de l’histoire. On m’objectera que l’affaire est « politique ». Il faudrait en passer par cette polarisation, cette forme de séparatisme, pour mettre en lumière une moitié de l’humanité frappée « d’invisibilité » (comme il est écrit cent fois dans le catalogue). C’est possible. Espérons seulement qu’il s’agit d’une phase de transition, après quoi les artistesfemmes pourront sortir de l’entre-soi et participer à une grande exposition sur l’abstraction permettant d’évaluer les apports des uns et des autres. En attendant, et pour que l’exposition actuelle ne soit pas qu’une opération de rattrapage, j’aimerais mentionner les noms d’artistes que j’ai découvertes et appréciées : Jagoda Buić, Ilona Keserü, Gego, Claire Falkenstein et Ruth Asawa. Elles mériteraient, semble-t-il, d’être montrées plus largement.
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The multiplication of exhibitions that present what art history has underestimated (and not what it has praised and considered major) could be the hallmark of our time. A new tiering of values and a new geography are being sought, based, in a strangely unanimous way, on the exploration and exploitation of those who are discriminated against, the underdog.These investigations give rise to numerous initiatives of varying quality.They can be rich in discoveries, but nevertheless paradoxical, as in the case of the exhibition Women in Abstraction at the Centre Pompidou (until August 23rd, 2021); or more modest but very successful, such as that of Kapwani Kiwanga at the Crédac in Ivry-sur-Seine (until July 11th, 2021). On the other hand, they can be disappointing, as is, in my opinion, the project Not Fully Human, Not Human at All organized by Kadist (until July 11th, 2021). This non-profit organisation, which became an endowment fund in 2019, nevertheless offers a worthy programme of activities. With two
permanent spaces, one in Paris and one in San Francisco, Kadist’s main asset is its collection of around 1,600 works by emerging artists from all five continents. This collection, built up by a network of experts operating worldwide, is the basis for its other activities: exhibitions, residences, conferences, etc.The collection also includes two works by Kapwani Kiwanga, acquired a few years ago. Given the dynamism of this operation, the Not Fully Human, Not Human at All project doesn’t live up to its promise. Previously unveiled at the Kunstverein in Hamburg, it is one of Kadist’s collaborations with various partner institutions. The Parisian space hosts the works of a dozen artists on the theme— and I quote the curator Nataša Petrešin-Bachelez—of “dehumanisation and, in particular, that which imperial and colonial countries have practised in the name of humanity within and beyond the borders of Europe”. The most serious mistake for an artist is to stick to such an issue, like those who use documentary film, such as Ibro Hasanović and Doruntina Kastrati.The Chilean Daniela Ortiz, who paints small pictures in a childlike style, does a little better. Painting allows her to take a step back, condition sine qua non of an artistic approach, even if this approach is ethical and committed, as is Kapwani Kiwanga’s.
FEMININE ABSTRACTION
Under the title Cima Cima, the winner of the Marcel Duchamp Prize in 2020 addresses the story of the silent resistance of displaced people who found in the use of plants brought back from their native land the means of escaping their condition. With a dozen works, including a large installation of strips of paper made from sugar cane fibre, she constructs an exhibition both dense in terms of content, and formally very refined. Starting from powerful historical, anthropological and human considerations, she ends up with a display of an extreme lightness, like the peacock flowers used in the past by certain women for their abortifacient properties, which she reproduces with steel wire and paper. Lightness isn’t the primary quality of the Centre Pompidou exhibition, given its scale. However, contrary to what one might have feared from this display in homage to a hundred women creators, it remains enjoyable. It shows the professionalism of its curator, Christine Macel, who, while asserting her desire to give women a place in a broader history of abstraction, emphasises the complexity and diversity of abstract art itself. This is the most exciting aspect. Of course, women have struggled to make their mark in the art world as in other fields, even though many of them have had extensive training. Nevertheless, many of the artists featured in Women in Abstraction are undeniably (and rightly) well known. Sonia Delaunay is far from being unknown in France, Lygia Clark is a major figure in Brazil, and anyone interested in the Russian and Polish avant-gardes knows the names of Goncharova, Popova and Katarzyna Kobro. Among the pioneers there are others who chose to remain in the shadows. Such is the case of the Swedish artist Hilma af Klint, to whom a mini-monograph is dedicated. Inspired by theosophy, she asserted herself as early as 1906 with innovative works, before demanding that her paintings not be unveiled until twenty years after her death. But this history of women’s abstraction isn’t just a parade of—often remarkable—works from the early 20th century to the present day. It includes the approaches of artists from the worlds of dance, textile art and avant-garde cinema who contribute, says Macel, to “decompartmentalizing the arts”. Decompartmentalizing: that is the key word for modernity! Breaking down borders, opening up to plurality. And suddenly this paradox of an exhibition where women are reduced to their identity as women (some of them unwillingly), locked in their status as forgotten by history. Some will object that the matter is “political”.Apparently it would be necessary to go through this polarisation, this form of separatism, in order to bring to light a half of humanity struck by “invisibility” (as it is written a hundred times in the catalogue). Maybe. Let’s just hope that this is a transitional phase, after which women artists will be able to come out of their separatism and take part in a major exhibition on abstraction that will allow us to evaluate the contributions of each and every one. In the meantime, and so that the current exhibition isn’t just a catch-up operation, I would like to mention the names of artists I have discovered and appreciated: Jagoda Buić, Ilona Keserü, Gego, Claire Falkenstein and Ruth Asawa. They, it would seem, deserve to be shown more widely.