Divers pavillons et expositions off
Peuplée de créatures hybrides et de végétaux mutants, la 59e biennale est placée sous le signe d’un avenir post-humain qui fait la part belle à un imaginaire baroque où la distinction entre naturel et artificiel, organique et technologique, n’a plus lieu d’être. Un prolongement somme toute logique à l’éloge du règne végétal et animal promu lors de la précédente édition. Témoignant d’une volonté de réactiver l’enchantement surréaliste à l’aune du réchauffement climatique et de l’activisme contemporain – queer, féministe, écologiste et décolonialiste –, elle se teinte paradoxalement d’une esthétique un rien surannée, comme en témoigne l’hommage rendu jusque dans son titre à la peintre et romancière « début de siècle » Leonora Carrington. Or le propre du surréalisme n’est-il pas de provoquer justement une déstabilisation, un basculement de la perception vers des contrées fantasmagoriques ?
À ce titre, les pavillons danois, hongrois et argentins tirent leur épingle du jeu, incarnant un néo-surréalisme qui ne serait plus tributaire de la toile ni d’une quelconque forme illustrative, mais ferait vaciller les fondations même du réel. Signé Uffe Isolotto, avec une liste de contributeurs digne d’un blockbuster, le pavillon danois est transformé en écuries de sciencefiction, laissant augurer d’un futur où auraient éclos de nouvelles espèces de plantes et d’hybrides humains-animaux, à l’instar de ce couple de centaures hyperréaliste dont le géniteur s’est pendu tandis que sa compagne gît au sol après avoir mis bas. L’installation sème les indices d’un récit spéculatif, accompagné d’un poème-titre ( We Walked the Earth), scindé entre espoir et pessimisme sur l’avenir de la planète et de ses ressources naturelles. Effet choc assuré. La Hongroise Zsófia Keresztes présente quant à elle un impressionnant parc de sculptures en mousse expansive recouvertes de mosaïques et rattachées à des chaînes pendantes. Tels des organes sans corps aux formes arrondies et aux couleurs pastels, ces édifices symétriques inspirés des rêves de l’artiste font songer à une version pervertie des sculptures de Niki de Saint Phalle. Non moins étrange, mais avec une bonne dose d’esprit satirique et d’humour absurde, les animations de Monica Heller pour le pavillon argentin, côté Arsenal, représentent des saynètes de cartoon en 3D questionnant le statut même de l’artiste dans une société d’exploitation capitaliste, notamment à travers le monologue d’un pigeon dégénéré. Uncanny? Yes we can!
Dans cette profusion picturale, le répit accordé par les deux pavillons vides (Maria Eichhorn pour l’Allemagne, Ignasi Aballí pour l’Espagne), s’articulant autour de l’architecture du site et de son histoire, dispose à une réflexion plus profonde et elliptique. Partisans d’une forme d’austérité, les deux artistes y jouent brillamment de la matérialité et de l’immatérialité, de la visibilité et de la non-visibilité, révélant les strates politiques présidant à la construction et à l’emplacement de leurs pavillons respectifs. Deux gestes radicaux qui excavent un substrat idéologique peu reluisant, enfoui sous l’oecuménisme de façade.
Sans plus de compromis, l’installation Désastres de Marco Fusinato pour le pavillon australien associe l’héritage de l’art minimaliste (on songe à Steven Parrino) à celui des contre-cultures underground qui écorchent les tympans, à savoir la noise, le drone et le doom metal. Avec son feedback de guitare amplifié sur un mur d’amplis – activé régulièrement par l’artiste en live – et synchronisé avec des agrandissements d’images, puisées aussi bien dans les grimoires médiévaux que dans des mèmes internet d’une actualité sinistre, l’installation de Fusinato fait résonner sa vibration tellurique comme force de vie face au chaos du monde.
Tout aussi remarquable, l’installation de Francis Alÿs sous la bannière belge propose un tour du monde des jeux d’enfants. Par une simple observation du réel, sans didactisme ni effet spectaculaire, Alÿs examine la faculté d’invention et d’adaptation à l’oeuvre dans les zones du monde les moins favorisées, en particulier au Congo, renvoyant la Belgique à son passé colonial. Installation vidéo encore, le diptyque de la cinéaste Danielle Arbid et du vidéaste Ayman
Baalbaki pour le pavillon libanais : vision de la situation politique à Beyrouth à travers un périple dans les rues de la ville – intimiste et familial chez Arbid, monumental et fragmenté chez Baalbaki.
Dans la partie « collatérale » de la biennale, plusieurs expositions collectives valent également le détour. Organisée par Parasol Unit au Conservatorio di Musica Benedetto Marcello, Uncombed, Unforeseen, Unconstrained prend appui sur une grande variété de médiums et d’artistes pour évoquer le phénomène d’entropie. S’y distinguent notamment les installations de Julian Charrière avec ses rochers creusés d’alvéoles trônant en majesté dans la cour et sa vidéo d’une fontaine enflammée, d’un redoutable impact symbolique. L’urgence climatique s’y fait ici sentir de manière concrète et palpable. On s’attarde aussi sur l’orchestre de chambre interactif d’Oliver Beer, où des vases, lampes et autres sculptures décoratives kitsch, disposés devant un autel, sont reliés aux touches d’un petit orgue électronique et s’illuminent à tour de rôle lorsqu’on se met à en jouer. Ludique et délicat. Passage obligé aussi par TBA21, fondation encapsulée dans l’église San
Lorenzo, dont le parvis fut le théâtre de performances sous des trombes de pluie. L’Ocean Space, organisation écologique, y prend ses quartiers sous la forme de deux grandes installations qui répondent aux impressionnants volumes de l’église, derrière l’intitulé programmatique The Soul Expanding Ocean. L’artiste sud-africaine Dineo Seshee Bopape y expose un triptyque vidéo littéralement « immersif » qui participe à l’exploration spirituelle d’un corps sous la surface de l’eau, tandis que Diana Policarpo y a disposé d’immenses roches factices dans lesquelles se nichent des vidéos de littoraux entourant les îles Selvagens. Les deux artistes mettent en exergue ce que l’oeil humain ne peut entrevoir de lui-même et tissent des liens entre histoire coloniale et raréfaction de la biodiversité. Enfin, l’exposition PLANET B, Climate Change and the New Sublime, proposée par Nicolas Bourriaud sous l’égide de sa plateforme curatoriale Radicants, recèle quelques pièces de choix (Bianca Bondi, Haegue Yang, Max Hooper Schneider…) et vient parfaire ce parcours écolo-chic qui lave plus blanc l’élite mondialisée.
Julien Bécourt
Populated by hybrid creatures and mutant plants, the 59th biennale is devoted to a post-human future that gives pride of place to a baroque fantasy where the distinction between natural and artificial, organic and technological, no longer applies. A logical extension of the praise of the plant and animal kingdom promoted during the previous edition. Showing a desire to reactivate Surrealist enchantment in the light of global warming and contemporary activism—queer, feminist, ecologist and decolonialist—it is paradoxically tinged with a rather outdated aesthetic, as evidenced by the homage paid, including in its title, to the turn-of-the-century painter and novelist Leonora Carrington. But isn’t the essence of Surrealism precisely to provoke a destabilisation, a shift of perception towards phantasmagorical lands?
In this regard, the Danish, Hungarian and Argentine pavilions come off best, embodying a neo-Surrealism that no longer depends on the canvas or any illustrative form, but which undermines the very foundations of reality. Signed by
Uffe Isolotto, with a list of contributors worthy of a blockbuster, the Danish pavilion is transformed into science-fiction stable, suggesting a future populated by new species of plants and hybrid human-animals, like the hyper realistic couple of centaurs, the sire hanging while his companion lies on the ground after giving birth. The installation lays out the clues of a speculative narrative, accompanied by a poem-title ( We Walked the Earth), torn between hope and pessimism about the future of the planet and its natural resources. Guaranteed shock value.
The Hungarian artist Zsófia Keresztes presents an impressive display of sculptures in expanding foam, covered with mosaics and attached to hanging chains. Like organs without bodies, with rounded shapes and pastel colours, these symmetrical structures inspired by the artist’s dreams recall a perverted version of Niki de Saint Phalle’s sculptures. No less strange, but with a good helping of satirical spirit and absurd humour, Monica Heller’s animations for the Argentine pavilion, on the Arsenal side, represent 3D cartoon sketches questioning the very status of the artist in a society of capitalist exploitation, including by means of a monologue by a degenerate pigeon. Uncanny? Yes we can!
Amidst this pictorial profusion, the respite granted by the two empty pavilions (Maria Eichhorn for Germany, Ignasi Aballí for Spain), articulated around the architecture of the site and its history, offers a deeper and more elliptical reflection. Supporters of a form of austerity, the two artists brilliantly play on materiality and immateriality, visibility and nonvisibility, revealing the political strata that presided over the construction and location of their respective pavilions. Two radical gestures that excavate an ideological substrate that is nothing to be proud of, buried under the façade of ecumenism.
Just as uncompromising is Marco Fusinato’s Desastres installation for the Australian pavilion, which combines the legacy of minimalist art (think Steven Parrino) with the legacy of ear-splitting underground countercultures, namely noise, drone and doom metal. With his guitar feedback amplified by a wall of amps—regularly activated by the artist—and synchronised with enlargements of images, drawn from both medieval grimoires and from sinisterly topical internet memes, Fusinato’s installation makes telluric vibration resonate as a life force in the face of the chaos of the world.
Equally remarkable is the installation by Francis Alÿs under the Belgian banner, which offers a world tour of children’s games. By means of a simple observation of reality, without didacticism or any spectacular effect, Alÿs examines the faculty of invention and adaptation at play in the least-favoured areas of the world, especially in the Congo, taking Belgium back to its colonial past. The diptych by the filmmaker Danielle Arbid and the videographer Ayman Baalbaki for the Lebanese pavilion is another video installation: a vision of the political situation in Beirut by way of a journey through the streets of the city—intimate and family-centred for Arbid, monumental and fragmented for Baalbaki.
In the “collateral” part of the biennial, several group exhibitions are also worth a visit. Uncombed, Unforeseen, Unconstrained, organised by Parasol Unit at the Conservatorio di Musica Benedetto Marcello, draws on a wide variety of mediums and artists to evoke the phenomenon of entropy. Stand-out works include the installations by Julian Charrière, his rocks hollowed out by alveoli which stand majestically in the courtyard and his video of a fountain on fire, which has a formidable symbolic impact. The climate emergency is present here in a concrete and palpable way. Also of interest is Oliver Beer’s interactive chamber orchestra, where kitsch vases, lamps and other decorative sculptures, arranged in front of an altar, are connected to the keys of a small electronic organ and light up in turn when they are touched. Playful and delicate.
Another must-see: TBA21, a foundation encapsulated in the church of San Lorenzo, whose forecourt was the scene of performances under rain showers. Ocean Space, an ecological organisation, takes up residence there in the form of two large installations that respond to the impressive volumes of the church, under the programmatic title The Soul Expanding Ocean. The South African artist Dineo Seshee Bopape exhibits a literally “immersive” video triptych that contributes to the spiritual exploration of a body under the surface of the water, while Diana Policarpo has set up huge artificial rocks dotted with videos of the coastlines surrounding the Selvagens Islands. The two artists highlight what the human eye cannot see for itself and forge links between colonial history and the depletion of biodiversity. Finally, the exhibition PLANET B, Climate Change and the New Sublime, presented by Nicolas Bourriaud under the aegis of his curatorial platform, Radicants, contains some of the best pieces (Bianca Bondi, Haegue Yang, Max Hooper Schneider, etc.) and provides the finishing touches for this sustainable-chic journey that whitewashes the globalised elite.