Le Tigre Blanc
DE RAMIN BAHRANI
Cantonné dans les années 1970/1980 à quelques salles de quartier parisiennes (principalement le Delta et le mythique Louxor, tous deux situés à Barbès Rochechouart), le cinéma populaire indien reprend du poil de la bête dans le monde entier, en partie grâce aux chaînes de télévision à péage qui le diffusent en masse. Comme récemment Canal Satellite, qui a proposé, d’un coup, pas moins d’une cinquantaine de films inédits made in India. Ou Netflix, qui fait découvrir de manière métronomique des kilogrammes de films venant du pays de Gandhi et du Taj Mahal. Du thriller filial sur fond de viol et de vengeance (“Mom”) à de l’action pleine de flingues fumants (“Rocky Handsome”, “Force 2”) ou de pures comédies, tellement locales pour certaines que la plateforme ne s’est même pas donné la peine de traduire leurs titres (“Gori Teke Pyarr Mein !”, “Chaman Bahaar”) en passant par des déjanteries totales comme le diptyque spectaculaire “Bahubali”, (traité ici en film(s) du). Bref, Bollywood à désormais la cote. Mais si la plupart de ces films sont regardés par le public occidental avec un oeil circonspect (trop kitsch, trop référentiel sur la culture, trop emphatique dans le mélodrame), il n’en va pas de même pour le movie buzz du moment amplement mérité, qui réunit à la fois tout l’esprit du cinéma indien (de la comédie au polar), mais aussi la chronique sociale dans un esprit nettement plus Ken Loach. “Le Tigre Blanc” de Ramin Bahrani n’a donc aucun rapport avec un film d’aventures italo-exotique des sixties (“Le Tigre Du Bengale” d’Umberto Lenzi), ni une suite de Rocky (“Rocky III, L’OEil Du Tigre”), ni un ersatz de James Bond à la française en noir et blanc avec Roger Hanin (“Le Tigre Se Parfume A La Dynamite”). Ni même avec la suite directe du “Tigre Du Bengale” (“Le Tigre de Malaisie”, toujours d’Umberto Lenzi). En fait, le tigre blanc du titre est juste aperçu le temps d’un plan allégorique au détour de ce conte à la moralité immorale. Soit l’ascension sociale d’un Indien extrêmement pauvre qui, par déterminisme et envie de s’en sortir, devient le chauffeur personnel d’une grande famille bourgeoise locale qui règne sur la région façon Marlon Brando dans “Le Parrain”. Sur fond de lutte des classes (richesse absolue contre pauvreté totale), “Le Tigre Blanc” passe progressivement de la chronique de moeurs acide au thriller glacial, de l’humour gris au pétage de plombs, de l’espoir utopique d’une justice sereine au coup de théâtre nihiliste ne faisant qu’accentuer les tares d’un pays engoncé dans ses problèmes de castes. Tout étant vu par le regard d’abord innocent de son protagoniste (l’excellent et inconnu total Adarsh Gourav) qui, petit à petit, prend conscience de son statut d’esclave des temps modernes. Et si “Le Tigre Blanc”, adapté du best-seller d’Aravind Adiga, cartonne sur Netflix, c’est aussi parce que le film, coproduit avec les Etats-Unis, est à lisière exacte entre le cinéma populaire indien traditionnel et celui, plus vendeur, américain. En racontant l’ascension fulgurante puis la déchéance morale de cet Indien lambda, “Le Tigre Blanc” rejoint, dans l’esprit mais en version plus sociale, les grands films de gangsters de la Warner des années 1930/ 1940 dans lesquels le gamin des rues devenait un roi de la pègre. Ramin Bahrani, réalisateur américain d’origine iranienne, avait d’ailleurs déjà fait preuve du même constat social défaitiste avec deux de ses précédents films : “99 Homes”, sur les dégâts humains provoqués par les conséquences de la crise des subprimes aux Etats-Unis, et “Fahrenheit 451”, nouvelle adaptation du roman de George de Ray Bradbury, cinq décennies après la version de François Truffaut. Son “Tigre Blanc” est, en tout cas — et hélas — très dans cet air du temps qui n’en finit pas d’étouffer le monde (en diffusion sur Netflix)... ■
Froid Mortel
Décidément, le cinéma espagnol de genre se fait de plus en plus remarquer sur Netflix. Voir “Froid Mortel” de Lluis Quilez, thriller en huis clos dans un fourgon blindé transportant des taulards dont certains sont plus cools que d’autres qui, eux, sont plus tarés que certains sympas. Fourgon qui, évidemment, va avoir quelques soucis. Bloqués en rase campagne sous une température digne du pôle Nord en hiver (c’est dire), le chauffeur, les deux flics transporteurs de racaille et les prisonniers revanchards sont pris en embuscade par un mystérieux tueur. Il leur tire dessus de façon métronomique, piège la carlingue et semble avoir un rapport avec l’une des crapules hirsutes coincées dans le fourgon. Suspense progressif, coups de théâtre et morts (forcément) s’enchaînent avant une spectaculaire séquence où le fourgon est immergé dans les eaux hivernales d’un lac gelé. C’est rempli de tension ambiante et ça donne drôlement froid (en diffusion sur Netflix).
Palmer
Ex-enfant star (à douze ans, il présentait l’émission “Mickey Mouse Club”), appât à paparazzi (particulièrement à l’époque où il honorait Britney Spears) et chanteur ultra populaire (via son groupe “NSYNC”, puis en solo), Justin Timberlake a trouvé le temps de devenir acteur.
Et un bon en plus. Que ce soit pour les frères Coen (“Inside Llewyn Davis”), David Fincher (“The Social Network”) ou encore dans “Time Out”, un des meilleurs films de science-fiction des années 2000. Il représente d’ailleurs le principal intérêt de “Palmer” de Fisher Stevens, produit par Apple. Le parcours (un peu lymphatique, il faut le dire) d’un taulard ex-champion de foot qui rentre au bercail et tente de se laver l’âme en s’occupant d’un môme délaissé par sa mère junkie. Très posé, comme un film de redneck sans baston, “Palmer” tient son semblant d’émotion dans la complicité qui unit Timberlake et le garçonnet qui, lui-même, découvre ses tendances à préférer être fille. D’où le regard compatissant (un peu larmoyant d’ailleurs) que porte le réalisateur sur ces deux exclus de la société. Mais bon. Timberlake arrache quand même toutes les scènes avec son jeu très intériorisé (disponible sur Apple TV).
Charlie Says
Etonnamment, Charles Manson, le criminel le plus hype des sixties, n’a eu droit à ses premiers biopics que sur le tard. Il aura fallu attendre 2003 (soit près de trente-cinq ans après les meurtres) pour découvrir le très trash “Manson Family” de Jim Van Bebber, petit film d’exploitation autoproduit avec les moyens du bord. Dernièrement, Tarantino s’est aussi attaqué au mythe au détour de son “Il Etait Une fois A Hollywood” revisite utopique et rêveuse d’une époque légère où le Peace and Love aurait pu le rester sans ces meurtres cauchemardesques. La même année, en 2019, la Canadienne Mary Harron, qui tenta naguère une adaptation semi-réussie d’ “American Psycho”, s’y colle à son tour. Mais cette fois en s’attachant à la psyché des trois jeunes femmes qui ont fait partie de la bande. Trois gamines niaises et paumées qui tombent littéralement sous le charme fielleux de ce suppôt de Satan qui les oblige à commettre l’horreur absolue (dont l’assassinat de Sharon Tate, alors épouse de Roman Polanski). Conçu sur de longs flashs-back (le film commence alors que les filles sont en prison), “Charlie Says” nous immerge dans les interminables journées de la famille Manson. Et montre la lente dégénération ambiante qui va amener les protagonistes à accomplir les meurtres.
Saisissant bien l’époque (babacoolisme de rigueur), ainsi que les apartés du manipulateur Manson (incroyablement interprété par un certain Matt Smith qui a la barbe de l’emploi), “Charlie Says” décrit également bien la frustration des personnages. Manson voulant être musicien et les filles s’émanciper d’une société patriarcale (dispo sur Filmotv).
Horizon Line
Près de cinq décennies après la grande vague des films catastrophes aériens (la série des “747 En Péril”), en voilà venir un autre, mais en version plus light. Non plus avec un 747 mais un monomoteur. Et non plus avec cent quarante passagers à bord mais seulement trois. Un homme, une femme et un pilote qui décède d’une crise cardiaque en plein vol audessus de l’océan indien. Coup de bol scénaristique, la passagère a pris de fugaces leçons de pilotage quelques années auparavant. Et c’est parti pour un huis clos dans la carlingue avec panique constante à bord, séquences absurdes et fun (comme aller mettre du whisky de contrebande dans le réservoir qui ne contient plus une once de carburant) et slalom vertigineux au milieu d’un orage. Epoque #Metoo oblige, le beau rôle revient à la femme, mix entre Rambo et MacGyver, qui sauve sans cesse la situation. De la série B facile, certes, mais vertigineusement correcte (disponible sur Amazon Prime). ■