Corriere della Sera - La Lettura
Socrate nel XXI secolo (e lo porto in Germania)
Compagnie Anagoor è uno dei più riusciti esperimenti di collettività teatrale: racconta con una lingua poetica le ferite del mondo contemporaneo. Festeggia vent’anni con un lavoro che debutta il 16 vicino a Düsseldorf. Parla il direttore
La parola, sobria e poetica, è la protagonista delle loro creazioni. Creazioni in cui convergono cultura classica e contemporanea, artigianato e tecnologia, «dove la memoria è sempre presente come strumento indispensabile per leggere l’oggi». Simone Derai, 45 anni, dirige con Marco Menegoni, dal 2000 a Castelfranco Veneto (Treviso), Anagoor, collettivo teatrale che sceglie il nome, utopico e politico, della misteriosa città di Dino Buzzati (in Le mura di Anagoor).
Vent’anni e molti premi dopo, tra cui il Leone d’Argento 2018 della Biennale di Venezia, la compagnia veneta continua a essere uno dei più riusciti esperimenti di collettività del nostro sistema teatrale. Che somma progetto a progetto: una pubblicazione in arrivo, Una festa tra noi e i morti, edita da Procopio; una coproduzione internazionale con il Theater an der Ruhr di Mülheim, vicino a Düsseldorf, dove il 16 gennaio debutterà Sokrates der Überlebende/ Wie die Blätter ( Socrate il sopravvissuto / come le foglie), progetto che insegue alcune pagine del romanzo Il sopravvissuto di Antonio Scurati, testi di Platone e ampi brani Cees Nooteboom; e poi il 17 un altro debutto, in forma di work in progress, sempre in Germania: Mephistopheles, una proiezione musicata dal vivo da Mauro Martinuz in cui le grandiose immagini cinematografiche che Derai e il fotografo Giulio Favotto hanno sviluppato per i progetti teatrali di Anagoor si fondono in un live sinfonico. Immagini raccolte nei musei, nelle case di cura e negli allevamenti intensivi, in Iran, a Olimpia, a Paestum, che descrivono il rapporto tra uomo e natura, tempo e tecnologia.
«L’allestimento di Socrate per il pubblico tedesco — spiega Derai — è un esperimento. Lo spettacolo fa parte del nostro repertorio, il Theater an der Ruhr, con cui negli anni abbiamo condiviso una sorta di esperienza/percorso ci ha invitato a costruire una nuova produzione per e con loro. Ha preso così corpo la “traduzione” di un lavoro che avevano particolarmente amato». Nel romanzo uno studente si presenta il giorno della maturità davanti alla commissione d’esame, sparando e uccidendo l’intero corpo insegnanti, tranne uno. Lo spettacolo, che assume il punto di vista del sopravvissuto, il professore di storia e filosofia, procede indietro nel tempo entrando in classe e rimettendo in atto le ultime lezioni prima del massacro.
Come avete affrontato la drammaturgia?
«Abbiamo fatto “esplodere” il romanzo, individuando alcune pagine e invertendo, nella drammaturgia, la sequenza cronologica degli avvenimenti. All’interno dello spettacolo poi abbiamo innestato il passato dell’Atene del 399 a.C., Socrate che parla al suo allievo Alcibiade, dall’opera di Platone. Da una parte c’è quindi il professore di storia e filosofia “salvato” dalla strage, dall’altra il filosofo che viene condannato a morte. Al cuore di tutto c’è il rapporto tra il giovane e l’adulto, e nello specifico tra chi è incaricato di “formare” e chi di quella formazione è oggetto. È il rapporto tra maestro e allievo a essere osservato».
Per rispondere a quali domande?
«Per indagare la distanza tra “io” e l’altro. Il sopravvissuto e il ragazzo, venendosi incontro, diventano Socrate e Alcibiade. Così il dialogo è il contrario della violenza. Socrate è stato per noi una tappa di avvicinamento alla ricerca di Oreste, il figlio di Agamennone, un altro giovanissimo che arma il proprio braccio e diventa adulto confrontandosi violentemente con gli adulti, uccidendo la madre Clitennestra. Una tappa di avvicinamento insomma a Orestea, il nostro spettacolo più recente che riprenderemo nella prossima stagione».
Sul vostro confronto con l’«Orestea» di Eschilo uscirà a fine marzo un libro, «Una festa tra noi e i morti».
«Volevamo rendere conto del lavoro drammaturgico e di traduzione compiuto sulla trilogia di Eschilo da noi messa in scena nel 2018 (
Orestea/Agamennone, Schiavi, Conversio).
Una creazione che rincorre Eschilo ma anche Hannah Arendt, l’amato W. G. Sebald, Sergio Quinzio. Il libro non sarà una riflessione sul nostro teatro, ma ne mette in luce un momento specifico e al tempo stesso ne sarà una “summa”. Perché Eschilo sta tanto a valle quanto a monte del nostro percorso teatrale. Un lungo laboratorio iniziale sull’Orestea, vent’anni fa, costituì la genesi della compagnia. Molti nostri spettacoli derivano dal confronto stesso con questa “montagna” che è Eschilo, non solo testuale ma filosofica, etica».
La morte è un tema ricorrente dei lavori di Anagoor. Perché?
«Forse perché la mia generazione ha ereditato la definitiva devastazione della terra. Vivendo in provincia, più a contatto con la campagna, ne ho osservato fin da bambino la distruzione: l’oltraggio è una ferita senza possibilità di rimarginazione. Una sorta di “lutto perpetuo” non riparabile. La mia generazione è ben successiva alle trasformazioni linguistiche, etiche, culturali determinate dall’avanzamento della società dei consumi che hanno eradicato completamente una civiltà e la sua memoria preconizzate da Pasolini. Le trasformazioni della terra, le colate di cemento sono concrete. Siamo alla riduzione in cenere».
Anagoor arriva sulla scena quasi in contemporanea con Babilonia Teatri: come voi vengono dal Veneto, come voi fanno un uso del linguaggio molto peculiare, entrambi con due nomi di città...
«C’è una questione linguistica di fondo in Veneto, che riguarda l’uso politico, opportunistico della lingua e del concetto di identità. I Babilonia l’hanno aggredita prendendo da un magma linguistico fatto di dialetto, lingua rotta, bestemmia. Noi abbiamo scelto una lingua-argine: la lingua della poesia, il linguaggio complesso e articolato del pensiero si pongono contro la lingua semplificata dello slogan, dell’urlo. L’uso a fini identitari, e non di comprensione culturale, riduce in realtà anche la bellezza della lingua locale e la ferisce. C’è una ferita nel territorio che diventa balbuzie, incapacità di esprimere la complessità del reale. E poi paradossalmente a Babilonia ci unisce una divisione sistemica: sorgiamo nello stesso momento, ma separati. È il segno di una mancanza di coesione territoriale a fronte di un’immagine politica di forte protezione del territorio, di recinzione. In realtà il territorio è frantumato al suo interno da continue separazioni, sempre più contratte, sempre più povere. Così la lingua. E infine abbiamo vissuto un analogo tempo di genesi, quello della fine degli anni Novanta. Quando abbiamo cominciato a incrociarci per il Premio Scenario, o all’Operaestate Festival di Bassano del Grappa, intorno ai primi anni Duemila, venivamo da esperienze laboratoriali individuali molto simili. Insomma, le analogie sono più delle differenze».
Che cosa affronterete in questo 2020?
«Cercheremo di dare una forma alla raccolta di immagini che nell’arco degli ultimi cinque anni ci hanno visto entrare nei macelli, negli allevamenti intensivi. Immagini raccolte penetrando in luoghi di morte in tappe progressive: in Virgilio
brucia le nascite in cattività; in Socrate il volo dei droni sulla campagna, che dall’alto appare slabbrata, scavata, incisa per fare largo a sedi stradali che feriscono il paesaggio ambientale e quello storicoartistico... Per Orestea siamo entrati nei macelli; per Faust in una struttura di raccolta del seme dei tori per la riproduzione. Interrogheremo tecnica e progresso come portatori di ordine quando il risultato paiono essere caos e violenza. Una violenza da cui non si può non essere travolti. Non la descriveremo a parole, a parlare saranno le immagini».