El Mundo Primera Edición - La Lectura
Dos miradas, dos paisajes, una larga amistad
MitsuoMiuray ManoloQuejidoson
dos pintores muy distintos, con lenguajes casi opuestos: abstracto uno, figurativo pop el otro. Y pese a ello, se admiran desde hace décadas. Ahora sendas retrospectivas repasan su obra en Madrid. Un buen motivo para reunirlos
Tiene algo de azar poético que las exposiciones de Mitsuo Miura (Iwate, Japón, 1946) y Manolo Quejido (Sevilla, 1946) coincidan en el tiempo, en sendas instituciones artísticas madrileñas de calado: uno en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) de la Comunidad de Madrid y el otro en el Palacio de Velázquez, del Centro de Arte Reina Sofía. Ambos parecen disfrutarlo reunidos en el estudio del japonés para fijar en el tiempo esta coincidencia. Una memoria de futuro que tiene mucho de pasado.
MANOLO QUEJIDO. Le debo tantísimo [a Miura], pero sobre todo haber tenido la suerte de conocerlo.
MITSUO MIURA. Eso es mutuo. Y, además, Manolo es el mejor pintor de mi generación.
QUEJIDO. No digas cosas raras.
MIURA. Es verdad, siempre lo he dicho. Cuando me preguntaban si conocía a algún buen pintor, yo siempre decía que Manolo.
QUEJIDO. Es recíproco. Tenerle aquí y escucharle me podía llevar a decir algo muy misterioso, quizás lo haga en algunos años. Siempre me interesó la pintura y la poesía oriental, china y japonesa. Lo cierto es que, de alguna forma, yo le esperaba.
Miura llegó desde las antípodas (el norte de Japón) a la España de los años 60, algo que recuerda el sevillano y es metáfora de la manera casi opuesta con la que se enfrentan al hecho pictórico. La obra de Quejido es intelectual, como de especulación semiótica que se concentra en cada lienzo, de pintura apasionada que se piensa a sí misma. Miura desarrolla un trabajo de síntesis abstracta depurada hasta su máxima expresión, relacionando aspectos de su experiencia vital que reorganiza dispersos en el espacio expositivo.
La distancia formal que separa sus trabajos se achica hasta casi el abrazo cuando conversan, con la complicidad y el afecto que concede una amistad que superaría las cuatro décadas, aunque ninguno de los dos es capaz de poner fecha exacta a la primera vez que cruzaron palabra.
QUEJIDO. No recuerdo el primer encuentro contigo, Mitsuo, pero sí con una obra tuya en Sevilla.
Yo tenía 23 años cuando conocí a Quico Ribas y a Juan Manuel Bonet en 1969, en una exposición de poesía concreta. Y en casa de Quico había una pintura que me gustó mucho y él me dijo que era de un pintor japonés.
Bonet ejercía ya la crítica y tras pasar un tiempo en la capital andaluza regresa a Madrid, donde es invitado a dirigir la Galería Buades, escenario principal, junto a la Sala Amadís, de la Nueva Figuración Madrileña de principios de los 70. Se la denominó Generación esquiza, por diversa, aunque va cohesionándose con el tiempo. También, en contraposición a los pintores matérico-abstractos del Grupo Trama. El cuadro Grupo
Quejido: «Cuando te pones delante de una obra de Miura te limpias. Es como estar delante de una fuente pura»
de personas en un atrio, pintado por Guillermo Pérez-Villalta en 1975-76, es un retrato de familia que incluye a los principales nombres de esa nueva pluralidad figurativa: Luis Gordillo, Carlos Alcolea, Luis Pérez-Mínguez, Carlos Franco, Javier Utray, Herminio Molero y Chema Cobo, además de Manolo Quejido, que se integra perfectamente en los círculos artísticos de la capital madrileña.
La exposición retrospectiva de Quejido en el Palacio de Velázquez de Madrid contiene tres series de la primera época, como Deliriums, Siluetas y Secuencias, concebidas entre 1969 y 1974. Sin embargo, tienen más protagonismo los casi cien lienzos creados desde finales de los 70, que despliegan una variedad de intereses y formas que podrían ser los de varios pintores diferentes. Figuración fauvista –Maquinando, (1977) y PF (1979)– o de orientación más cubista –la serie Tabique (c. 1991)– se expresan con lienzos de vivos de colores, un rasgo que le caracteriza. También aparece un tipo de obra más conceptual –Los Números (1994)– o incluso el compromiso político de estética pop –Sin consumar (1997/99)–, de un pintor que se reconoce anarquista.
QUEJIDO. Sí, no sé si para bien o para mal he sido tantos distintos… No tiene nada que ver esto con aquello y con lo que viene después, pero hay una lógica interior que va trazando o hilando ciertos problemas. El asunto que me planteo es incluso para qué sirve eso de pintar. PREGUNTA. Y aun así continúa...
QUEJIDO. Llevo ya diez años desarrollando un trabajo que no tiene nada que ver con todo lo que he hecho antes, aunque eso ha pasado ya varias veces en mi carrera. No lo muestro porque me quitaría el aliento que lo ha puesto en marcha. Y en el fondo estoy muy tranquilo de no hacerlo: exponer es una cosa muy pesada.
Esta exposición, organizada por el Reina Sofía y comisariada por Beatriz Velázquez, ha supuesto 20 meses de trabajo continuo. Un esfuerzo descomunal para alguien cuyo objetivo no
es la visibilidad. «Con otro director hubiese dudado en aceptar, pero el trabajo de este hombre –en referencia a Manuel Borja-Villel– me parece lo mejor que le ha sucedido al Reina Sofía, por su compromiso político. Se le acusa de no haber dado espacio a la pintura, pero ha traído a bastante gente... Quizás no a tantos españoles, pero a mí sí, mira. En cambio, a las galerías y al mercado no les he gustado», reconoce Quejido, cuyas colaboraciones con proyectos más comerciales han sido «decepcionantes».
Mitsuo Miura, en cambio, sí ha tenido un recorrido más continuo en galerías de arte, trabajando, además de con Buades, con Helga de Alvear, la Galería Maior y más recientemente con Cayón. Sin contar la aventura que inició junto a Arturo Rodríguez: la Galería de Ediciones Ginkgo, que situada en la calle Doctor Fourquet producía y comercializaba obra gráfica y ediciones limitadas de otros artistas en los años 90. También de Manolo Quejido: «Para mí aquello fue una experiencia increíble porque ya había hecho algunos grabados pero no había quedado en absoluto satisfecho. Con Mitsuo pude aprender muchas cosas que iban a influir seriamente en mi pintura: la idea de cómo construir, la idea de plano y superposición. La técnica del grabado para mí fue muy reveladora».
PREGUNTA. ¿Y qué cree que es lo más relevante de la obra de Miura?
QUEJIDO. Todo, porque yo cada vez que veo su obra, sus instalaciones y su modo de considerar el espacio… No soy poeta y no encuentro las palabras. Puedo utilizar clichés como serenidad, vacío, pero son palabras que no me sirven. Cuando te pones delante de una obra de Miura te limpias. Es como estar delante de una fuente pura que acaba de aparecer.
Titulada Casi 400m2 para dos paisajes, la última exposición del artista japonés puede verse en el CA2M, el centro de arte contemporáneo de la Comuni
GENERACIONES CRUZADAS
De la trayectoria de Quejido y Miura surgen afinidades y tangentes que pueden dibujar un mapa promiscuo del arte español de los últimos 50 años. Quejido recuerda a Eva Lootz, Adolfo Schlosser y Guillermo PérezVillalta en la primera época de la Galería Buades, aunque también coincidió con muchos otros creadores en el
Almacén de la Nave, un edificio industrial donde montó su estudio junto a Enrique Leal y Juan Hernández, en la madrileña Puerta del Ángel.
Miura rememora cómo se hizo amigo de Nacho Criado, después de dejarle “una nota en la galería en la que exponía” para mostrarle su admiración por aquel montaje. Criado le presentó a «muchos artistas de Barcelona» y también a Juan Hidalgo, con quien estableció una larga amistad. En este mapa espontáneo tendrían un papel fundamental dos espectadoras excepcionales de la conversación entre Manolo y Mitsuo, que se mantienen en un segundo plano. Se trata de Marisol García y María Lara, las parejas de ambos y también artistas, cuyo apoyo fue y es fundamental para sus carreras.
CA2M (MADRID)
Del 15 de septiembre al 8 de enero dad de Madrid, situado en Móstoles. Comisariada por Tania Pardo, tiene algo de pequeña retrospectiva porque se reactivan familias de piezas que Miura ha expuesto con anterioridad. Las dos salas que ocupa le sirven al artista para establecer dos espacios diferenciados. Uno exterior, llamado Show Window, en el que la ciudad está presente de forma críptica: círculos de colores en el suelo, geometrías, elementos que evocan mensajes quizás publicitarios y lienzos que se expanden como estallidos de luz.
En el segundo espacio, una serie de columnas construidas con delicadeza por cintas de colores que unen el suelo y el techo –Memoria Imaginada– están rodeadas por documentos que catalogan en los muros la trayectoria de Miura desde los años 60. Hay además maquetas de exposiciones precedentes, confeccionadas por el propio artista. Reminiscencias de un lugar donde habita lo íntimo; la mirada hacia un pasado que se sitúa dentro de uno mismo. MIURA. Siempre he sido como un paisajista aunque no pintara paisajes. Lo que me preocupa en mi trabajo es traducir mi experiencia de algún modo hacia el exterior.
Lo vivido y lo observado son fundamentales en la práctica de Mitsuo Miura. Trabaja a partir de la evocación y por eso a menudo sus colores tiene un aire desvaído, como de recuerdo que se escapa. Las formas limpias de sus obras se parecen a algo que conocemos, nos remiten a lo cotidiano desde unas formas que son además ideas, pensamientos efímeros. Articulan instalaciones de un minimalismo afectivo ante el que el espectador siente una gran familiaridad y sensación de bienestar. La sensación de habitar un espacio en el que sucede algo excepcional, un gran vacío que está lleno de vida. La nuestra, la del propio artista y también las de aquellos con los que Miura ha compartido experiencias y amistad, como la que le une a Quejido:
«La vida es común».