“La electrónica es más sensual que intelectual”
Jean-Michel Jarre, músico, publica ‘Electrónica: 1. The Time Machine’
Mago de la electrónica, fundador del sinfonismo digital hace cuarenta años, Jean-Michel Jarre (Lyon, 1948), al que sus detractores reprochan haberse entregado al kitsch musical en los ochenta, lo cierto es que a él corresponde la paternidad de la música electrónica de masas.
Oxygene (1976) vendió 15 millones de copias y convirtió a Jarre en el rompehielos del sinfín de posibilidades que abría la electrónica. Olvidado primero, reivindicado después, hoy lanza, desde su legitimidad de pionero, Electronica:
1. The Time Machine, primera parte de un álbum doble de nuevas composiciones con el que repasa el casi medio siglo de electrónica musical acompañado de nombres de la talla de M83, Gesaffelstein, Massive Attack, Moby, Hans Zimmer, Lang Lang, Tangerin Dream o John Carpenter.
En Oxygene, los phasers, frecuencias y samplers eran sonidos futuristas. Cuando algo tiene tal ansia de futuro, se queda viejo rápido. Sin embargo, esos sonidos siguen vigentes. Artistas como Air, Moby o Massive Attack… tienen un sonido atemporal, no es fácil encajarlos en una época. Lo que envejece una canción, lo que la marca temporalmente, es más la rítmica que la melodía. A mí siempre me ha interesado más la parte melódica, igual que a gente como M83. Eso es lo que tenemos en común. Y la melodía no envejece porque es primordial. Un stradivarius no suena necesariamente al siglo XVII, la clave está en el modo en que usas la tecnología. En mi investigación y búsqueda tanto con sintetizadores analógicos como digitales, no he buscado el truco, un efecto sorprendente, sino crear una música determinada. Quizá por eso no ha envejecido.
En 40 años, la música electrónica ha pasado de una marcada expresividad melódica a una música más armónica y rítmica. ¿Hoy vuelve la melodía? Durante los noventa, quizá los DJ entendieron que la rítmica y la armonía eran suficiente, pero creo que en los últimos años han surgido músicos, como M83 o Air, que han percibido que para expresarse necesitaban de la melodía, que es el elemento fundamental de la creación musical. Muchos DJ percibieron los límites del formato rítmico y hoy se ve que vuelven a algo más pop.
De todas estas generaciones, ¿con cuál se ha entendido mejor? En el fondo había una especie de lugar común en la forma de acercarnos a la música que une a artistas jóvenes como M83 con mi generación. Al oír el álbum es difícil deducir de cada pieza a qué generación pertenece. Tiene mucho más que ver con el estilo que con la edad. Hay artistas que tienen un estilo reconocible, aunque no sepas cómo definirlo, que está presente en lo que hacen por encima de la época a la que pertenecen. ¿Qué hace que Kubrick, Tápies o The Beatles sean contemporáneos? El estilo, que es recurrente porque siempre contamos lo mismo a lo largo de una vida, y eso se convierte en tu seña. Y es atemporal. Todos los artistas con los que trabajo tienen su estilo y, si lo piensas, pese a su relevancia, ninguno está vinculado a una moda. Decía Charles Aznavour que era peligroso ser parte de una moda porque la moda siguiente te pasará por encima.
¿Cómo será la versión en directo de este álbum?
La mayoría de los temas son instrumentales, así que puedo interpretarlos con mis músicos sin necesidad de que los colaboradores participen. Pero muchos querían hacerlo en fechas puntuales, así que en abril empiezo con festivales con ellos y luego, será la gira en solitario. Vendré a Catalunya.
A la música electrónica se le ha reprochado falta de organicidad, pero usted ha puesto mucho empeño en que sus conciertos sean una experiencia total. Es sencillo, sólo había que transmitir que lo electrónico son los instrumentos, no la música. La música electrónica es orgánica en mayor medida que otras músicas: metes las manos en las frecuencias, las ondas y las envolventes como quien mete las manos en una paella. Creas algo de forma mucho más orgánica y sensual que mucha música que se escribe sobre un papel fruto de un proceso intelectual, más que de un proceso de artesanía. La pertinencia de un disco como Electronica es que muestra al público, el del Sonar como el del concierto que dimos en Santiago de Compostela, que a los que trabajamos en este género nos une nuestra condición de chicos malos, empeñados en manipular los sonidos de una forma puramente orgánica.
En tecnología de la comunicación estos 40 años son dos siglos. ¿En la música electrónica? Las limitaciones de hace cuarenta años eran económicas. Yo grabé Oxygene con dos sintetizadores porque no tenía dinero para más. Antes explorabas con los límites de lo que tenías a tu disposición. Hoy la tecnología es una trampa, nos ha hecho creer que no hay límites, así que la cuestión hoy es la contraria: acotar el espacio, averiguar qué necesitas, decidir en qué espacio vas a crear y olvidarte de lo demás.
Su nombre siempre aparece asociado a Oldfield y Vangelis, como los tres reyes magos. ¿Se siente cómodo con esto? Es lógico, comenzamos casi a la vez haciendo música instrumental. Tubular Bells y Oxygene salieron en la misma época, y la paradoja es que mientras el mío era completamente electrónico, el de Oldfield era totalmente acústico. En cuanto a Vangelis, rápidamente se orientó a las bandas sonoras, de modo que su trabajo se vinculó a las imágenes. Así que antes de la ola del tecno y los DJ, me quedé bastante solo, porque Oldfield acabó virando hacia músicas étnicas como la World Music. Me encanta lo que hace, pero yo hoy me siento más próximo a gentes mucho más jóvenes que yo, como M83 o Air.