Marina Ñúñez imagina las figuras y paisajes de un mundo posthumano
Carlos Franco expone pinturas recientes en la galería Miguel Marcos
Si algún día alguien escribe una buena Historia de la otredad en
las artes y la literatura, el de Marina Núñez (Palencia, 1966) debería ser uno de los nombres incluidos en los capítulos contemporáneos, ya lejos de las diversas y siempre monstruosas mitologías antiguas. En la parte moderna de esa posible Historia, la obra de Marina Núñez se podría relacionar con el inaugural Yo es otro de Arthur Rimbaud, con El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde escrito y descrito por Stevenson, con el terror de Edgar Allan Poe y del muy extraño y pesadillesco Lovecraft, con las investigaciones de Sigmund Freud en torno a lo siniestro, con la identidad múltiple desplegada en
los heterónimos de Fernando Pessoa, con las pesadillas sociales de Kafka, con los hombres huecos del poema de T.S. Eliot, con películas como La invasión de los ladrones de cuerpos, Frankenstein y Los ojos sin rostro, con los melancólicos, caducables y cabreados replicantes de Blade Runner, con los seres híbridos del Manifiesto
Cyborg publicado por la feminista futurista Donna Haraway y quizá incluso con los simulacros de la mal llamada “realidad virtual” o de la bobada digital de última generación, para “pantalleros” adictos, valga el neologismo.
Los títulos de Marina Núñez no engañan. Cuatro de su principales series se llaman La locura,
Monstruas, Cyborg y Ciencia ficción. La sugestiva exposición que presenta en la galería Rocío Santa Cruz con el título Post, trans ha sido comisariada por Glòria Picazo y es la más completa que ha presentado en Barcelona.
Lo que hacia finales del siglo XX expresaba Marina Núñez mediante el óleo sobre tela, lo representa desde hace años mediante imágenes digitales en diversos soportes: cajas de luz, impresiones digitales y vídeos. En los años 90 la artista fundamentaba una parte de su trabajo en las antiguas enciclopedias que documentaban gestos y expresiones de mujeres calificadas como “histéricas”. Se daba en aquellas pinturas una sutil combinación aparentemente contradictoria, pero que es esencial en toda la obra de esta artista. Por una parte, las expresiones siniestras revelaban un inquietante desorden emocional. Sin embargo, había en todas las imágenes una especie de afirmación libertaria del derecho a la diferencia o incluso a la monstruosidad. Ese enfrentarse a lo siniestro comportaba también la posibilidad de una cierta alegría vital, asociable con el mero acto libre, quizá infrecuente hoy en nuestras miedosas sociedades. Aquellas figuras enloquecidas o incorrectas parecían gesticular algo así como el derecho humano al desorden y a la integridad vital. Hace unos dos años la propia artista afirmó que “integrar el lado oscuro nos permite intuir un ser humano más completo. La sociedad aparta a los monstruos porque son chivos expiatorios. Abracemos la parte desordenada, inconsciente y pulsional”. Y proponía “otra subjetividad, otra sensibilidad, otra experiencia, que surjan desde lo que hasta ahora estaba enterrado y descalificado” (...) “otras formas menos rígidas y brutales de ser y estar”.
Sus obras recientes, creadas mediante laboriosas combinaciones de programas informáticos, representan escenas de un posible futuro donde la tecnología ha transformado radicalmente la identidad física, mental y emocional del ser humano. Aparecen seres híbridos, personajes entre lo humano y el artefacto. Significativamente, son apenas carcasas atravesadas por una especie de cables, arterias o conductos de energía, y provistas de muchos ojos. La proliferación desordenada de órganos visuales, asociada a las figuras digitales y huecas, evoca una realidad ya detectable en el presente, de la que sería su imagen evolucionada y extremada.
Aunque la artista no juzga ni califica sus imágenes, yo diría que representan situaciones propias de una utopía monstruosa, es decir distópica. Algunas imágenes recuerdan a ciertas pesadillas crepusculares del mejor periodo de Dalí (1927-1936), otras al cine de ciencia-ficción y otras a las desintegraciones de la imaginación delirante. Quizá la imagen más significativa es la que convierte ese dibujo de Leonardo que representaba la mesura renacentista y la armonía del ser humano con el cosmos en una figura de significado contrario: un ser humano oxidado, con cuatro piernas y cuatro brazos, representación del caos y de la identidad mutante en un mundo irreal, posthumano y posthumanista. Rocío Santa Cruz Art. Gran Via de les Corts Catalanes, 627. Hasta el 14 de julio.
Carlos Franco. La relación del ser humano con la naturaleza mediante la representación pictórica es todavía un tema fundamental en la obra de Carlos Franco. En los últimos años ha pintado bastantes paisajes con figuras inspirados en la cultura china. En ellos a menudo se da una mezcla de elementos armoniosos y desordenados, como sucedería en un paisaje natural antes sublime y posteriormente invadido o contaminado. Galería Miguel Marcos. Jonqueres, 10. Hasta el 6 de julio.
Lo que hace unos años Marina Núñez expresaba en óleos ahora lo representa con imágenes digitales