Folktrónica, la tradición reinventada
Del gallego Baicua a los colombianos de Frente Cumbeiro, una revolución sonora se está cociendo en el nuevo siglo alrededor de las músicas de raíz latinoamericana
La creatividad no sabe de fronteras –podríamos sentenciar–, ni físicas ni mentales; ni siquiera en tiempos de confinamiento. Por ejemplo: a mediados del pasado abril se publicaba Paisaxes, un minielepé firmado por el músico gallego conocido como Baiuca (Alejandro Guillán). Paisaxes contiene dos canciones, Fisterra y Caravel (a partir de unos versos de Rosalía de Castro), y sus respectivos remixes. En las cuatro piezas, Baiuca cuenta con colaboradores como Carlangas (guitarrista y voz de los también gallegos Novedades Carminha), El Búho (Robin Perkins, dj y músico británico), Nita (cantante cordobesa del dúo Fuel Fandango) y Uji (músico y productor argentino).
La amalgama, sonora y de protagonistas, que se encuentra en Paisaxes es una muestra paradigmática de esa ausencia de fronteras que se puede constatar en la música de ahora mismo. Por lo menos en una de las ramas que más y más sabrosos frutos están dando, la que conecta los sonidos y formas más actuales (la electrónica, pero no sólo) con los sonidos y formas tradicionales (gallegos, por ejemplo, pero también del flamenco, o la copla, la rumba, la jota, el fado, o los múltiples ritmos latinoamericanos, de la cumbia al tango).
El variado uso que muchos de los protagonistas hacen de cachivaches electrónicos para sus creaciones ha derivado en que una de las etiquetas que más se están difundiendo para definirlos sea la de folktrónica, aunque circulan otros neologismos como latintrónica o, en este mundo a menudo hiperespecializado, también etiquetas muy locales o de ámbito más limitado, del estilo incluso de la trap-chata dominicana.
Evidentemente, no nos atreveremos a decir que se trate de un fenómeno absolutamente nuevo. Hace mucho tiempo que la fertilidad de las tradiciones musicales de todos los continentes se ha cruzado con tratamientos contemporáneos, que a menudo incluyen el paso por los filtros sonoros que propicia la electrónica. Baste recordar, a modo
No son acercamientos anecdóticos a lo exótico, sino que transmiten un interés auténtico por la fertilidad de las raíces Pasado y presente se unen en instrumentaciones tanto tradicionales como contemporáneas y de vanguardia
> de ejemplo, cómo hace ya treinta años los padres del trip-hop, Massive Attack, remezclaban al maestro del qawwali, el pakistaní Nusrat Fateh Ali Khan (Mustt Mustt, 1990). O en tiempos ya recientes, al cantante sirio Omar Souleyman con su mixtura de ritmos dabke árabes y kurdos con el techno.
Pero lo que sí podemos constatar es que ahora mismo hay una coincidencia de numerosos proyectos que responden a las premisas enunciadas y que están creciendo especialmente en un territorio sonoro de tintes latinos, con las influencias cruzadas que se dan de Sevilla a Finisterre, Bogotá o Buenos Aires. Unas propuestas, además, que se caracterizan por no tratarse de acercamientos anecdóticos a lo exótico, sino que transpiran y transmiten un interés auténtico por la fertilidad de las raíces en combinación con una perspectiva perfectamente contemporánea. Propósito que lleva ineludiblemente a trabajar a un tiempo con ritmos del pasado y del presente, sirviéndose simultáneamente de instrumentaciones tanto tradicionales como contemporáneas y de vanguardia. Hagamos pues un repaso, si no exhaustivo, por lo menos sí útil como hoja de ruta para adentrarse en el fenómeno:
Galicia caníbal
“Fai un sol de carallo” cantaban Os Resentidos en Galicia caníbal a medidos de los años ochenta del siglo pasado, certificando que el gallego también era moderno. Más de tres décadas después, esa modernidad se adentra incluso en la vanguardia con nombres como el citado Baiuca.
Tras Baiuca está Alejandro Guillán (Catoira, Pontevedra, 1990), que de chaval aprendió a tocar la gaita y de mayor se marchó a Madrid, donde puso en marcha un proyecto de electropop que bautizó como Álex Casanova y con el que publicó un disco, Antagonasia
(2014). Pero ya fuera porque aquel remedo de synth-pop hispano no acabó de convencerlo o por asunto de morriña, lo dejó aparcado para adentrarse en sus raíces gallegas. Así nació Baiuca, donde la tradición se expresa a través de su propio sonido pero también de los sonidos más contemporáneos. Voces, flautas y panderetas con samplers, sintetizadores y cajas de ritmos. El engarce lo halló sobre todo allí donde seguramente se encuentra la versión más primitiva de la tradición, en las percusiones. No en las gaitas, aunque alguien pudiera esperarlo y aunque el músico sea admirador confeso de Carlos Núñez.
Todo ello se plasmó en un primer disco, titulado Solpor (2018), que ya contiene algunos de los que pueden considerarse sus auténticos hits, como
Morriña. Desde entonces, ha alumbrado numerosos singles y EP, con versiones, remixes y colaboraciones. Como
Paisaxes, citado al principio de esta historia. Por si faltara algo, Baiuca ha contado con la colaboración de Adrián Canoura, cineasta y videoartista también gallego, en la producción del acompañamiento visual con el que el músico se presenta en directo y en la realización de algunos de los videoclips del proyecto. Ambos, Canoura y Guillán, demuestran su compenetración en el interés explorador de lo gallego y en una visualización revitalizada del mismo. Para muestra, el clip de Morriña, con imágenes documentales de Castelao llegando al exilio en Buenos Aires en 1940 bajo filtros de tintes psicodélicos.
Otra propuesta, la de Xosé Lois Romero & Aliboria, se aleja en origen de las sonoridades electrónicas pero su inmersión en la tradición gallega mantiene también una perspectiva absolutamente contemporánea. Romero es investigador, compositor y multiinstrumentista de larga trayectoria que en este su último proyecto se ha focalizado en la percusión y las voces que ha plasmado ya en dos discos. El primero, homónimo ( Xosé Lois Romero & Aliboria, 2017), íntegramente de composiciones tradicionales; y ahora, Latexo (2020), mayoritariamente con canciones compuestas por Romero donde la percusión y las voces femeninas son los protagonistas absolutos, sonidos tribales que nos trasladan a lo más antiguo, y que en algunos momentos parecen incluso hermanar Galicia, África y América, como en Ponta de areia / Maria
Maria, a partir de canciones del brasileño Milton Nascimento. Además, del primer disco de Aliboria, Baiuca realizó el año pasado una relectura en Misturas (2019).
Mención especial merece Mercedes
Peón, que lleva ya un par de décadas propiciando precisamente ese encuentro de tradición gallega y vanguardia, con proyectos a veces también ligados a la danza y lo audiovisual. Su último disco, Deixaas (2018), es un trabajo excepcional en el que establece, entre otras muchas, conexiones con los sonidos industriales de los astilleros, la India, Latinoamérica o Jamaica. Como ha explicado en alguna ocasión, la muñeira y el reggae parten del mismo compás. Y no duda en afirmar que “la tradición es lo más libre que hay”.
Pero, sin salir de Galicia, hay más. Por ejemplo, Os Gru, el dúo formado por Vanesa Castro e Iñaki López, que en el 2014 publicaron Ai Ruada, trabajo discográfico a partir de las grabaciones realizadas por el etnomusicólogo estadounidense Alan Lomax en 1952. Lomax, compilador de músicas tradicionales por medio mundo, pasó también por Galicia y Os Gru lo han filtrado con electrónica, hip-hop y dub.
La conexión asturiana
Rodrigo Cuevas (Oviedo, 1985) estudió piano y tuba en el conservatorio, hasta que descubrió que “la belleza que esconde la cultura de un pueblo está en su folclore”. Y se dedicó a cultivar esa belleza desde el pasado y desde el presente. A partir de la música pero no sólo.
Rodrigo Cuevas es agitador folklórico y artista multidisciplinario. Sus proyectos se plasman en discos y vídeos, pero también en espectáculos escénicos, en teatros y en la calle (exitosas presencias en la Fira de Tàrrega 2017 y 2019). Y una imagen inconfundible que encaja en eso que él mismo ha llamado agroglam. Sus espectáculos son cabareteros, erótico-humorísticos, y políticos a su manera; con títulos como Electrocuplé, El mundo por montera o Trópico de Covadonga. Cuevas lo mismo se atreve con una muñeira o un xiringüelu que reinterpreta y folkloriza a Tino Casal.
Manual de cortejo (2019) es uno de los mejores y más interesantes trabajos del pasado año en ese ámbito en el que la tradición es objeto de legítimo apropiacionismo con las artes del presente. Junto a Raül Refree (nombre imprescindible en éxitos de artistas como Sílvia Pérez Cruz o Rosalía, entre otros), presenta un compendio de temas tradicionales y composiciones originales, incluida una versión de la copla El día
que nací yo, en las que los sonidos de ayer y hoy acaban por ser inseparables.
Flamenco heterodoxo
De Galicia a Sevilla. El historial heterodoxo del flamenco y lo andaluz es largo y fructífero, de Smash y Triana a Camarón y Morente. Nunca exento de polémicas, aunque cada día son menos llamativas. Pero no es exagerado decir que en los últimos años está experimentando uno de sus momentos más interesantes. Y uno de los nombres más recientes a retener es el de Califato ¾ , un sexteto sevillano de músicos y djs procedentes de diversos ámbitos de la electrónica interesados en el estudio de la tradición y el folklore de raíz andaluza: gitana, árabe, judía… pero sin olvidar su interés en el dub, el drum’n’bass, el hip-hop, el house… En el Califato se encuentran el flamenco y la rave, la guitarra y la caja de ritmos, las castañuelas y los sintetizadores. La memoria y la vanguardia. Lo suyo es, dicen, folklore futurista. Explorar desde el respeto y desde la irreverencia. Y la ironía. Hasta el momento, han plasmado su propuesta básicamente en dos discos: el EP
L’ambôccá (2018) y La puerta de la cânne (2019). Del primero, destacar Arpexín, tema del que realizaron un vídeo el dúo de activistas audiovisuales Los Voluble. El segundo arranca con el poeta cordobés Antonio Manuel recitando unos versos: “Andalucía no es una arcadia a la que regresar sino un horizonte al que perseguir”. A partir de ahí, esa descarga a partes iguales de respeto e irreverencia. Y si la cultura andaluza necesitara embajadores, que les den credenciales a Califato ¾.
Más cerca del cante flamenco tradicional podría decirse que se encuentra la joven María José Llergo (Pozoblanco, 1994), pero una escucha atenta muestra que la cantante cordobesa no es de las que se conforman con reproducir sin más la tradición. Llergo estudió violín en el conservatorio y después estuvo en la Esmuc, en Barcelona –donde coincidió en las clases con Rosalía–, pero si algo fue determinante en su pasión por este oficio fue el cante de su abuelo. Admiradora confesa de Björk, acaba de publicar su primer disco, Sanación (2020), un EP con siete canciones donde destaca la participación de la guitarra flamenca del barcelonés Marc López y la producción del sevillano Lost Twin (Carlos R. Pinto), un mago de la instrumentación electrónica. Entre todos exprimen tradición y modernidad para dar a luz canciones donde ni lo uno ni lo otro chirría y la prodigiosa voz de Llergo marca el camino.
Otra de las propuestas más recientes –e interesantes– es la del dúo Romeromartín (Álvaro Romero y Toni Martín) y su disco Manifiesto (2020), radical en lo sonoro y en lo textual. Morentiano, político, incorrecto y queer. Pero la heterodoxia flamenca tiene también algunos artistas cuyas carreras han dejado de ser novedad. Nombres como Fuel
Fandango, el dúo formado por la cordobesa Nita (Cristina Manjón) y el canario Alejandro Acosta, que han publicado este año un nuevo disco, Origen, pero que llevan ya más de una década en este proyecto de fusión de flamenco y electrónica en el que caben también otras raíces latinas y africanas. O Niño
de Elche, tal vez el menos ortodoxo de todos ellos, con trabajos como el titulado precisamente Antología del cante flamenco heterodoxo (2018), o Colombiana (2019) junto al productor colombiano Eblis Álvarez; sin olvidar colaboraciones como Exquirla o Fuerza Nueva con rockeros como Toundra o Los Planetas respectivamente. Y por supuesto, Rosalía, hoy sin duda la más internacional de las artistas que le han dado una revuelta al flamenco con eso que ahora se llama ritmos urbanos y donde caben desde el trap al hip-hop o
diversas vertientes de la electrónica. Sea como sea, su disco El mal querer (2018), premios al margen, está destinado a ser un hito en esta senda.
Fados, rumbas, coplas y canción popular, de Lisboa al Pirineo
La renovación de las músicas tradicionales de raíz latina se escampa hoy por todos los géneros, como contaminados por un virus benigno. Tanto con artistas que conciben sus trabajos al completo desde esa premisa de revuelta como otros que la incorporan puntualmente. Imposible citarlos aquí a todos, pero sí es posible dejar constancia de una muestra.
El casi omnipresente Raül Refree ha establecido su última alianza creativa con la cantante portuguesa Lina para reinterpretar (en Lina_raül Refree,
2020) el repertorio de la reina del fado Amalia Rodrigues a partir de un acompañamiento de piano y electrónica.
Sorprendentes adelantos (2019) fue una de las sorpresas discográficas del pasado año, firmado por los barceloneses Hijos del Trueno. Rumba, sobre todo, reviviendo a Gato Pérez, pero también habanera, jota, rock, renovadas en sonidos y en letras. Banda sonora para una Barcelona en crisis previrus. En una de sus canciones, Habanera sin rayos, pone también voz Maria Arnal, quien con el dúo Maria Arnal & Marcel Bagés firmaron 45 cerebros y 1 corazón (2017), donde se sumergen en la tradición (ahí aparecen de nuevo los archivos de Alan Lomax) pero no para reproducirla sin más sino para apropiársela y reinventarla. Sobrecogedoras canciones como la que da título al disco, voz de Arnal, guitarras de Bagés, sobre las fosas de la Guerra Civil.
Ruiseñora son Elia Maqueda y Atilio González, dúo extremeño-canario cuya música ha recibido nombres como coplatrónica o copladélica, lo cual da cuenta de por dónde van los tiros: copla y folklore extremeño filtrados por la electrónica de vanguardia y el rock progresivo-psicodélico. Marifé de Triana + Tangerine Dream. Si la suma puede sonar extraña, el resultado no lo es. Para muestra su álbum Relente (2019). En otro extremo de la Península, Arnau Obiols ha reinterpretado la música tradicional del Pirineo en Tost (2019). Obiols, además, ya colaboró con su batería en el 2016 con la mallorquina Joana Gomila en Folk Souvenir, disco que exploraba el folklore balear en comunión con otras músicas e instrumentaciones. Un camino que Gomila ha proseguido y profundizado con el reciente y sorprendente Paradís (2020), en el que junto a Laia Vallès se sirve de todo tipo de cachivaches electrónicos para envolver en atmósferas tecnológicas canciones que nacen de las profundidades de la tradición.
Un campo, como se ve, abierto a mestizajes, colaboraciones y conexiones, por el que transitan incluso los Manel, que han recuperado en su último disco (Per la bona gent, 2019), cargado de electrónica, a clásicos de la canción en catalán como Maria del Mar Bonet o Sisa. Y más allá de la Península, capítulo especial merece la conexión latinoamericana. |