IGNASI ABALLI
Fotografía: Roberto Ruíz
Desde inicios de su trayectoria, el artista conceptual Ignasi Aballí (Barcelona, 1958) manifestó un profundo interés por acercarse a la vida cotidiana, produciendo, hasta la actualidad, cuerpos de trabajo que buscan inscribirse en nuestra experiencia de lo que es real y de lo que es aparente y del paso del tiempo. Reflexiona sobre operaciones conceptuales y materiales a la vez que identifica los contextos históricos en los que su obra se inscribe. Un artista cuyo cuerpo de obra es muy representativo del papel que ha jugado en los vocablos formales y conceptuales el arte español contemporáneo. Aballí ha mostrado su obra en los principales museos de arte contemporáneo españoles (Reina Sofía, Macba o Fundación Miró), así como en centros internacionales como la Fundació Serralves, la IKON Gallery en el Reino Unido o el Today Art Museum en Pekín.
Dos citas de altura para el año 2022. Por un lado se encargará del Pabellón de España de la Bienal de Venecia que representará a España en la 59ª Exposición. Y por otro lado, expondrá su obra en el Museo Meadows de Dallas, como parte del proyecto MAS (Meadows / ARCO Artist Spotlight), una iniciativa del centro de arte estadounidense y la Fundación ARCO para promover a artistas españoles en Estados Unidos.
Un paisaje possible 2015 - Vinilos sobre cristal. Medidas según instalación - Fotografía Luis Asín
Clasificados (amarillos) 2012. Impresión digital sobre tela, acrílico. Díptico (Dos piezas de 200 x 190 cm cada una) Fotografía Luis Asín
Como artista consciente de tu posición dentro de un sistema donde los objetos de arte están destinados a ser coleccionados y exhibidos en un museo, centros de arte y en el contexto de la alta cultura, Aballí ha reiterado continuamente su interés por lo efímero, el paso del tiempo, asumiendo el papel del coleccionista; acumulando recortes de periódicos, revistas, carteles, o noticias de medios de comunicación. ¿Esta pasión por lo efímero a su vez revela un interés constante por la cultura popular, la palabra, la relación entre el original y la copia, entre otros temas? Creo que más que un coleccionista soy un recolector. Recolecto materiales durante diferentes períodos de tiempo para construir algo que los transforme y proponga una nueva lectura sobre ellos. El interés por lo efímero es una consecuencia de la progresiva desmaterialización que propongo en algunas obras, que solo existen cuando se exponen y por consiguiente no se pueden conservar. Normalmente estas obras tienen que ser efímeras por su propia ubicación, ya que se realizan directamente sobre las paredes del espacio expositivo y desaparecen cuando acaba la exposición. Siento una atracción por este tipo de obra que no existe permanentemente, que no ocupa espacio en un almacén y que no se puede transportar, que simplifican la logística en todos los sentidos. Muchos de mis trabajos parten de aspectos y materiales cotidianos, de acciones y materiales que tengo muy cerca y que forman parte de mi día a día. Se trata de explorar eso que Georges Perec llamó infraordinaire, el rumor de fondo de la cotidianidad, que puede pasar desapercibido, pero que es muy complejo cuando se le presta atención.
Aparentemente, se podría pensar que lo visual y lo escrito serían dos lenguajes diferentes, pero se han ido entrelazando a lo largo del tiempo con propuestas en varios creadores. ¿Cómo se entrecruzan la palabra escrita con lo visual? La relación entre imágenes y textos es frecuente en la historia del arte, incluso en obras de épocas antiguas. Por ejemplo, el arte islámico se basa en el texto como único elemento ornamental. Y en obras del Gótico o el Renacimiento ya vemos la presencia de textos en algunas pinturas. Y de manera más habitual en el Barroco. En algunos casos el texto aparece como un sustituto de la imagen, y viceversa. En otros, imagen y texto son complementarios y no se pueden separar. Me interesa especialmente lo que ocurre a partir de la obra de Magritte, que después continúa con Broothdaers y posteriormente con el movimiento conceptual, que consiste en romper la lógica entre significado y significante, la lógica entre lo que vemos y lo que nombramos. La ruptura de esta lógica abre un mundo de nuevas posibilidades y de cuestionamiento de los códigos establecidos. Es en esa ruptura donde se sitúan algunas de mis propuestas. En ocasiones utilizo el texto como único elemento visual de la obra y en otras combinándolo con otros elementos, como imágenes o colores. El texto ha adquirido cada vez más relevancia en mis obras y es una presencia casi constante desde hace unos años. Ahora bien, el uso de texto implica elegir una lengua en el que escribirlo, y esto a veces es un problema, porque según la lengua que elijas será comprensible por un mayor o menor número de personas. Por esta razón me pareció interesante incorporar la traducción de los textos a varias lenguas dentro de las obras. De hecho, pienso que a menudo la relación entre imágenes y textos es también un tipo de traducción.
(Arriba) Mapa Mundi 2014, 2015 Collages sobre papel (117 piezas de 32 x 23 cm. Cada una) Fotografía Luis Asín. (Derecha) Listado, Invisible 2012 Impresión digita sobre papel fotográfico (150 x 105 cm) Fotografía cortesia del artista.
Leí una declaración que confesaste a Dan Cameron en la que evocas algo que me parece interesante: “Empecé a pensar que en una obra, cuanto menos hay para ver, más deseos hay de ver. Que el hecho de hacer ver el mundo contiene, en sí, el ocultar una parte de él.”.El gesto artístico imperceptible o intervención mínima de creación de superficies más ligeras que favorecen una lectura menos matérica en busca del vacío y captar la expectación del espectador. ¿Podrías profundizar un poco qué quieres decir con eso? Un aspecto que me interesa es hablar de las cosas a través de su ausencia, sugerir más que mostrar de una manera explícita. Mostrar la presencia de algo a través de su rastro o la huella que ha dejado, por ejemplo, el paso del tiempo. Muchas veces la obra puede parecer inacabada, o que falta algo. Mi idea es que sea el espectador el que la concluya, el que llene los vacíos que yo he dejado. Propongo obras abiertas que cada espectador puede completar según su punto de vista, su sensibilidad, su cultura o su curiosidad. Como ya he afirmado en alguna ocasión, cuantas menos cosas hay para ver, más ganas tenemos de ver. Y es en este nivel de sugerencia en el que me gusta presentar algunas obras, que estén abiertas a múltiples posibles lecturas. Ya decía Marcel Duchamp que es el espectador el que hace el cincuenta por ciento de las obras, el que decide con su criterio si una obra tiene interés y como deben concluirse.
Con esta afirmación a Dan Cameron, quería decir que es mejor que la obra no revele todo su contenido, que es mejor insinuar que decir, sugerir mejor que mostrar de una manera explícita. Creo que la obra debe ser el soporte material que permita establecer una reflexión que vaya más allá de sus límites, que haga posibles otras lecturas más allá de las que podemos comprender con la visualización de la obra. Una obra muy austera y sencilla formalmente puede ser susceptible de contener muchas capas de lecturas y plantear reflexiones que vayan en muchas direcciones.
Parece que se ha entrado en un estado perenne de crisis mundial. ¿Sería eso lo que está ocurriendo ahora en el ámbito cultural?. ¿La crisis es necesaria para crear algo nuevo en el arte? El arte es un aspecto más de la realidad y del mundo contemporáneo, y por lo tanto comparte las crisis y las bonanzas de cada época. Creo que el del arte es un ámbito especialmente sensible a los cambios y en captar las transformaciones que se producen en la sociedad. Creo que el arte está siempre en crisis, replanteándose continuamente todo y reinventándose para dar nuevos puntos de vista sobre la realidad en la que se inscribe. Puntos de vista que deben ser críticos para incidir en la reflexión sobre todo cuanto nos rodea. El arte es una disciplina muy transversal e interdisciplinar, muy permeable a todo tipo de conocimiento. Los límites entre las disciplinas son cada vez más difusos y esto es porque en realidad todo está conectado. Las prácticas artísticas son un buen ejemplo de ello.
Piel 1995 Gel acrílico transparente, bastidor de madera (30 x 30 cm). Fotografía MNCARS.
Venecia. ¿Qué te supone esta cita??. ¿Nos puedes hablar del proyecto ‘Corrección'? He visitado muchas veces la Bienal como espectador, aunque en el año 2007 también participé en la exposición internacional, comisariada en aquella ocasión por el crítico y teórico norteamericano Robert Storr. El hecho de poder realizar un proyecto en el Pabellón de España es un reto y una gran oportunidad para dar a conocer mi trabajo. Es también una gran responsabilidad.
La de Venecia es una de las Bienales más importantes del mundo y todas las personas que tienen un papel relevante en el mundo del arte la visitan. Es, por tanto, un magnífico escaparate y un lugar de intercambio de ideas de primer orden.
El proyecto para el Pabellón de España en la próxima Bienal de Arte de Venecia será específico para este contexto. Quiero decir que tendrá muy en cuenta las características arquitectónicas del propio Pabellón y, tal como su título indica, comportará una corrección del mismo. Se trata de un proyecto que pretende analizar y proponer una respuesta a un contexto tan especial como es el de la Bienal, que se lleva a cabo en una ciudad también tan especial y única como es Venecia. El proyecto tendrá básicamente dos líneas: una que se desarrollará en el Pabellón y otra que, partiendo de él, se conectará con la ciudad de Venecia.
Todo este trabajo lo estoy realizando con la colaboración de Bea Espejo, que es la comisaria, y un equipo de personas que ya están trabajando para que todo acabe de la mejor manera posible. En este momento no puedo dar más detalles, para no desvelar antes de tiempo en qué consiste la propuesta, y para mantener el efecto sorpresa hasta la inauguración.
Y de la otra gran cita, el Museo Meadows de Dallas. ¿Cómo te sientes ser el primer artista español en exponer en ese centro en el marco del programa MAS: Meadows / ARCO Artist Spotlight? Pues es también un privilegio y una buena oportunidad para conocer un lugar en el que no he estado nunca y presentar mi obra a personas muy interesadas por el arte en general y por el contemporáneo en particular. Además de la exposición, están previstas una serie de actos como conferencias y visitas a la universidad y a estudios de artistas de Dallas, que me permitirán entrar en contacto con lo más relevante del mundo del arte en aquella ciudad. Me parece una muy buena iniciativa este acuerdo entre el Meadows Museum y la Fundación ARCO con el objetivo de promover el arte español fuera de nuestras fronteras.
A pesar de ser protagonista de estas dos grandes citas internacionales, ¿cómo ves la visualización y la proyección internacional del arte español? Creo que la falta de visibilidad de los artistas españoles en el ámbito internacional es un problema que arrastramos desde hace mucho tiempo y es difícil de solucionar.
Somos un país con poco peso internacional en general y el mercado español del arte es muy pequeño. Aquí hay pocos coleccionistas privados y pocas colecciones públicas, y las que hay tienen poco presupuesto para adquisiciones. La cita más relevante del arte en España es la feria ARCO, y siempre me ha parecido un tanto contradictorio que sea a una feria donde vengan el mayor número de expertos para conocer lo que se produce aquí. Los artistas españoles que han conseguido trabajar fuera lo han hecho estableciendo sus propios contactos individualmente. Pero no hay políticas de difusión bien organizadas y con los presupuestos necesarios, o por lo menos no las suficientes. Aunque en los últimos años se han hecho algunos esfuerzos para tratar de revertir este problema, sigue existiendo. Pienso que tener una buena ley de mecenazgo podría contribuir a estimular la esponsorización de proyectos y la adquisición de obras por parte del sector privado. Es una reclamación de los que trabajamos en cultura desde hace mucho tiempo, pero los sucesivos gobiernos la ignoran reiteradamente.
Página izquierda: (Arriba) Papel moneda 2007 (Billetes de 5, 10, 20, 50, 100, 200 y 500 euros y la mezcla de todos ellos, triturados) Ocho piezas de 100 x 100 cm cada una. Fotografía Artium. (Abajo) Línea roja. 2020 Collage sobre papel. Dimensiones según instalación. Galeria Elba Benítez, Madrid - Fotografía Luis Asín