Libre y ecléctico, el renovado enfoque de la Colección Klemm
Una muestra actualiza la mirada del artista pop y reúne obras de Chagall, Berni, Koons y Warhol, entre otros.
Artista, coleccionista y sobre todo performer de su propia vida, Federico Klemm fue sin duda una de las figuras más mediáticas del mundo del arte argentino. Su caso es uno de esos en los que separar vida y obra no sólo es difícil, sino innecesario. Es por eso que la Fundación que en 1992 concibió para albergar y hacer visible su colección de alrededor de 500 obras de los más disímiles artistas –desde Joseph Beuys hasta Jeff Koons, de Antonio Berni a Andy Warhol-, aquella que reunió con caprichoso esmero y hasta el más mínimo detalle, es su obra más acabada.
La colección reabrió sus puertas para ofrecer al público una nueva lectura de sus piezas. En sintonía directa con el espíritu de su creador, este nuevo guión curatorial, diseñado por Guadalupe Chirotarrab y Federico Baeza, resulta una experiencia en sí misma, que permite al mismo tiempo que disfrutar de uno de los conjuntos más exquisitos de arte contemporáneo que se puedan ver en Buenos Aires, vislumbrar, detrás de cada uno de esos objetos, la figura de Klemm, y su particular mirada.
“Queríamos rescatar el contenido con todo su eclecticismo”, explica Chirotarrab en medio de una sala de osadas paredes rosa.
En ese rescate se cifra la clave del éxito: sin cronologías ni definiciones objetivas que organicen el recorrido, cada sala se encuentra inspirada en diversas cuestiones alrededor del hecho artístico que resultaron interesantes para el propio Federico; aquellas que solía compartir con el público desde su programa de televisión El banquete telemático.
Esa libertad (la de Klemm y la de sus rigurosos lectores, Chirotarrab y Baeza) ha permitido resolver problemas de “convivencia” que en otros contextos hubieran resultado imposibles: insospechadamente hacen ahora sinergia la acidez del francés Christo con el existencialismo espacial de Lucio Fontana, y el decadente trasfondo del arte que retrata Nan Goldin no fricciona con el austero espíritu de Beuys.
“Set, decorado, ambientación son algunos términos útiles para pensar la curaduría de esta muestra”, define el equipo Chirotarrab-Baeza.
Cada una de las seis salas está organizada en núcleos temáticos (el cuerpo, el teatro, la ficción y el coleccionismo son algunas de las palabras que funcionan como fetiche) y construye una atmósfera particular.
La idea de “lo mediático” ocupa un espacio importante en el discurso de la exposición, y por eso no resulta casual que ingresemos al espacio por una sa- la que replica el Salón Venecia de la propia casa de Klemm, cuya figura ha trascendido en los medios de comunicación y entre el gran público con mucha más fuerza que su propia obra.
En la sala tres, El amor al arte, el gesto del coleccionista, las pequeñas y hermosas pinturas de Chagall, Magritte, Tanguy, Xul Solar y Man Ray se suspenden desde el techo generando una disposición regular que evoca la forma en que las obras de arte se organizaban, allá por los siglos XV y XVI, en los gabinetes de curiosidades o las primeras pinacotecas de coleccionistas (mientras sobre la pared del fondo, las sombras generadas por los cuadros dan un tinte surrealista a la escena).
En Teatros, mitos y lirismo las obras de Mildred Burton, Oscar Bony y Guillermo Kuitca, entre otros, parecen sumergidas en el azul onírico de sus paredes. Ubicada en el umbral que conecta ambas salas, la Venus de Yves Klein funciona como una bisagra que permite articular ambos espacios. Al fondo espera Imagen de una imagen. Consumo, simulacro, trama, donde convergen serigrafías de Warhol con el laberinto plateado de Edgardo Giménez, y las pinturas de Marta Minujín, Nicolás García Uriburu y Ad Minoliti.
Uno de los hallazgos de la nueva lectura es el hecho de que las salas sean espacios abiertos, visual y conceptualmente. Parados en distintos puntos del recorrido podemos establecer nuevas, sintéticas lecturas, entre las obras de los distintos núcleos y las ideas que disparan: los espacios parecen abrirse unos a otros. Del mismo modo podemos encontrar autores y obras que se reiteran, en los diversos núcleos. Tal es el caso del “portfolio del pop”, integrado por serigrafías de distintos creadores (Roy Litchestein, James Rosenquist, Warhol) abierto y desplegado en las distintas salas. También vale destacar el deliberado deseo de incluir en el recorrido a algunos autores incorporados a la colección recientemente, a través de los Premios (como la mencionada Minoliti y Max Gómez Canle) y de excluir de este relato otros significativos baluartes de la colección, como las pinturas pertenecientes a la Transvanguardia italiana o la Nueva Figuración.
En ambos casos se trata de obras que probablemente no se corresponderían con el relato propuesto por los curadores, centrado en la figura de Klemm como ícono del pop y del arte mediático de los 90.
Decidir entonces, aceptar que todo relato tiene fisuras, o elementos que no cuadran, y no intentar forzar vínculos imposibles, no resulta una debilidad del guión, sino una fortaleza. Habrá tiempo en un futuro para integrar esas obras en otra posible lectura del acervo. Si algo queda claro después de la experiencia de recorrer estas salas, es que todo es versátil abierto, y eclécticamente posible, en el universo Federico. ■
La idea de “lo mediático” ocupa un espacio relevante en el discurso de la exposición.